Русский Альбом: Новости художественной жизни.


	ART-NEWS новости художественной жизни

2007 2008 2009

Январь Февраль Март Апрель Май Июнь Июль Август Сентябрь Октябрь Ноябрь Декабрь

2.1.2007 - 13.1.2007

Арт-центр "Борей" (СПб). Группа КОЛХУи. "Тартарары"...

"ТАРТАРАРЫ"
живопись/графика/объекты
в залах галереи
Художественная Секта "КОЛХУи"
(Колдовские Художники)
ТАРТАРАРЫ это три кита русской народной культуры – Тюрьма, Армия, Ресторан.
Если для жителей больших городов этот вопрос не стоит так остро, то для всей остальной провинциальной России выбор невелик. Миллионы наших сограждан понуро слоняются между этими тремя культурными столпами по нехитрому лабиринту протоптанных предыдущими поколениями дорожек.
ТАРТАРАРЫ – это не то куда мы катимся, а скорее то, откуда выкатиться никак не можем.
В соответствии с этой аббревиатурой складывается общая тематика выставки, основная цель которой – сатирически отобразить современные "культурные" ценности нашего населения средствами живописи, плаката, фотографии, объектов.
В четырех залах галереи "Борей" зрителю представится возможность освежить в памяти лучшие образцы армейского, тюремного и ресторанного фольклоров, окунуться в атмосферу воровской романтики, дембельского юмора и насладиться изысканными блюдами под незабываемые мелодии кабацкого шансона
. Тюрьма, Армия, Ресторан – то немногое, что связывает народ и власть. В этом смысле власть в России самая что ни на есть народная. Вот почему не обойден вниманием и нынешний президент РФ В.В. Путин (не без оснований назовем его на армейский манер "сверчок", т.е. сверхсрочник), светлый образ которого несет в себе черты почитаемых в народе героев: военного, то есть человека "порядошного" в массовом сознании (Армия); эфэсбэшника (Тюрьма) и покровителя культуры (Ресторан).
КАК КУЛЬТУРНО ПРОВЕСТИ ДОСУГ (и не объебаться)
СПОСОБ 1
1. Голый по пояс, с элегантно перекинутой через плечо футболкой "DIZEL" или "BOSS" (в жару подойдет майка-сеточка) и баночкой "Балтика 3 (9) " в руке раскованно пройтись по улицам культурной столицы недалеко от своего дома.
2. Встретив себе подобных, не менее культурных и обаятельных граждан, посидеть в компании с ними на корточках в любом удобном месте недалеко от своего дома. Если вы мужчина и живете в районе новостроек, то помещение отдельно взятого гаража – также идеальное место для культурного досуга.
3. Содержательная часть культурного отдыха состоит из обсуждения животрепещущих тем, как-то:
а) правдивость тюремного быта в любимом сериале (...когда я сидел...)
б) армейские будни (...когда я служил...)
в) международная геополитика (...у наших щас такие системы разработаны!)
г) бабы (знаешь, чем они отличаются от нас?)
А так же цитирование наизусть шуток любимых комиков, демонстрация знаний об устройстве автомобиля, драка и прочие элементы культурного времяпрепровождения.
4. Скоротав время до вечера, приобщившись к прекрасному вкусу порошкового вина и "догнавшись" недорогой водкой вперемешку с "полировочкой" в виде доступного пива "Степан Разин", красиво пошатываясь, добраться до дома и, если получится, уснуть на своей кровати, под звуки популярного телесериала о "ментах", тюрьмах и их благородных обитателях со светлой мыслью: "Я САМЫЙ КУЛЬТУРНЫЙ ЧЕЛОВЕК В МИРЕ!"
СПОСОБ 2

Посетить выставку "ТАРТАРАРЫ" в галерее "Борей". Спустя два года после своей первой большой выставки в Борее "ЧМО – Человек, Магия, Общество" любители аббревиатур и "антижлобалисты" КОЛХУи снова порадуют (?) посетителей выставок очередным юродивым проектом "ТАРТАРАРЫ".
Кто такие "КОЛХУи"?
Художественная секта "КОЛХУИ" – Колдовские Художники существует с 2002 года. Образована петербургскими художниками Николаем Копейкиным и Андреем Кагадеевым.
Николай Копейкин – художник, автор открыток и плакатов, иллюстратор, режиссер и сценарист, литератор ("Книга для детей преклонного возраста"), участник множества выставок в России и странах Европы. Работы художника хранятся в частных коллекциях и галереях России, Европы, США и Японии.
Колдовской художник.
Андрей Кагадеев – музыкант культовой альтернативной группы "НОМ", художник, поэт, литератор, автор книг "Чудовища" и "Реальные стихи", множества плакатов и открыток, режиссер и сценарист, участник международных музыкальных и кинофестивалей, фестивалей современного искусства.
Колдовской художник.
Их совместная деятельность началась в 2000 году, когда оба создали независимую киностудию "НОМФИЛЬМ". За 6 лет своей деятельности киностудия выпустила 3 художественных фильма, созданных авторами по их собственным сценариям:
"Пасека" 2002 г. – полнометражный сказочный триллер. Гран-при московского фестиваля альтернативного кино 2002 года. Участник внеконкурсной программы 34 международного кинофестиваля в Роттердаме 2005 г и международного фестиваля кино в Софии в 2003 г.
"Геополипы" 2004 г. – политнекорректная комедия.
"Беларуская быль" 2006г. – сатирическая комедия. Участник внеконкурсной программы "Молодое европейское кино" на фестивале Палич 2006 (Сербия).
С 2002 года "КОЛХУИ" участвуют в различных международных выставках. Среди них ежегодные фестивали инсталляции и перформанса в Центральном выставочном зале "Манеж" в Петербурге, 7й международной биеннале "Диалоги" 2005 года, фестиваль к 100летию Даниила Хармса в Роттердаме и Амстердаме, выставка и перформанс "КОЛХУи в Женеве", более ста передвижных выставок в культурных центрах и галереях Швейцарии, Дании, Бельгии, Италии, Франции, Австрии, Германии, Нидерландов, Польши, Словении.
К 2004 году в ряды "Колдовских Художников" влились известные петербургские художники Григорий Майофис, Кирилл Миллер, Владимир Медведев. В этом же году в Петербурге и Москве художники провели свою первую большую тематическую выставку "Человек, Магия, Общество". В 2006 г. к секте присоединился молодой московский художник Виктор Пузо, литератор и по совместительству музыкант индустриального проекта "Инквизиторум" и молодой петербургский фотохудожник Иван Ушков.
Своим творчеством "КОЛХУИ" развивают традиции русской смеховой культуры. В средствах выражения художники не следуют какому-либо направлению в искусстве. Считая, что основная составляющая искусства – ЧТО, а не КАК, "КОЛХУИ" придерживаются известного "честного" принципа "рисую, как могу", а не конформистского "как изволите". Поэтому в их произведениях прослеживается синтез разных направлений в живописи – от советского агитплаката 20-50 гг. до французского фовизма, немецкого экспрессионизма и русского наива.
Занимаясь помимо изобразительного искусства музыкой, литературой, видео и фото съемкой, "Колдовские Художники" изобрели свой собственный, неповторимый и узнаваемый язык мультреализма. Их образный язык аллегоричен, наполнен иронией, а зачастую и сарказмом по отношению к окружающей реальности и человеку. Столь критический подход обусловлен основной сверхзадачей любого "Колдовского Художника" – не очаровать, а разочаровать зрителя, т.е. расколдовать его, заставить сломать привычный взгляд на окружающую действительность и самого себя, увидеть мир вокруг, лишенным шелухи иллюзий, в чистом, божественно волшебном свете!

191104, Санкт-Петербург, Литейный 58 т/ф: (812) 275 3837 время работы: вторник – суббота с 12.00 до 20.00 »»
5.1.2007 - 20.1.2007

Галерея экспериментального звука "ГЭЗ-21" (СПб) Мириам Реер. "Берлин. Якорная стоянка" (фотография) ...

Когда я думаю о своем детстве, вспоминаю небо после заката. Обычно в надвигающейся темноте всегда оставалось некое красное сияние – это светились фабрики в моем родном городе Дортмунде, на Западе Германии. Сейчас окна моей кухни также выходят на фабрику, и это напоминает мне о детстве. Но берлинская фабрика больше не светится по ночам. Она закрыта. По сути дела, эта фабрика уже превратилась в руины. Руины в самом центре Берлина. Иногда подростки карабкаются по этим развалам, чтобы забраться повыше и оглядеться вокруг. Тот вид, который открывается их глазам, нельзя назвать обычным видом центра столичного города. Несмотря на то, что рядом и Александрплац, и Восточный вокзал, тут не чувствуешь оживленной атмосферы мегаполиса. Кажется, что в центре Берлина образовалась дыра, пустое пространство, зияющая пустота.
Эта пустота появилась ввиду определенных исторических обстоятельств. Тот район, где я живу сейчас, когда-то относился к разделительной линии между коммунистическим ГДР и западным ФРГ. Вдоль реки Шпрее Берлинская стена проложила границу между двумя противоположными политическими системами. Сейчас, 17 лет спустя после объединения Германии, место, где я живу, пробуждает во мне странную смесь чувств – от восхищения до меланхолии. Кажется, само оно находится в процессе перехода. Существуют планы перестройки территории вокруг реки Шпрее, с тем, чтобы создать тут современный деловой и развлекательный центр. Эти планы уже начали осуществлять. И все же до настоящего времени многие здания бывшего ГДР остаются незаселенными, а между старыми домами и заброшенными фабриками зияют пустые поля.
Когда я вглядываюсь в незыблемое спокойствие эти полей, я вижу людей, нашедших себя и свой дом в этой пустоте – они живут и проводят время на пустырях берлинского центра. Я встретила девушек, что держат лошадей на приграничных полях с травой, людей, живущих в трейлерах, или проводящих зиму на этих заброшенных фабриках. Берлинская клубная сцена недавно также освоила промышленные руины, и тут и там начали появляться клубы, бары, устраиваться вечеринки. Очевидно, что многие из этих жизнепроектов не просуществуют долго. Уже утверждены планы реконструкции территории, и сейчас только вопрос времени, когда они будут осуществлены.
Прошлой зимой в Берлине был сильный снегопад, и Шпрее замерзла на несколько недель. Мне очень хотелось фотографировать здесь. Холод немецкой зимы не мешал многим обитателям пустырей продолжать жить там. Так, в одном из заброшенных домов я встретила мужчину и женщину, нашедших в нем убежище на зиму. Мужчина показал мне фотографии своей молодости, на которых он бы запечатлен с первой женой. Эти фотографии как будто говорили о прошлой жизни – той, что, казалось, не имеет никакого отношения к его жизни настоящей, и к Берлинской зиме 2006 года. Именно тогда, стоя на снегу, и разглядывая изображения, я ощутила, что эти фотографии – документация времени, которое существует уже только в воспоминаниях. Как будто бы они могли стать метафорой для всех изменений, происходящих в центре Берлина, где ничто никогда не остается таким, каким оно было раньше. »»
7.1.2007 - 18.2.2007
Музей З. Фрейда. Дмитрий Комм представляет 6 фильмов на тему "Роковые женщины востока"...
Тема роковой женщины, femme fatale – одна из самых разработанных и популярных в западном кинематографе. От Йозефа фон Штернберга и Орсона Уэллса до Франсуа Трюффо и Брайана де Пальмы. Этот феномен описан ведущими теоретиками Славоем Жижеком, и Жоан Копьец и Фредериком Джеймисоном. Что же собой представляет роковая женщина Востока?
1. Скорпион: стойка зверя 7 января 2007 в 17.30 Режиссер: Синья Ито Япония, 1973 Фильм демонстрируется на японском языке с английскими субтитрами.
2. Госпожа Кровавый Снег 14 января 2007 в 17.30 Режиссер: Тосия Фудзита Япония, 1973 Фильм демонстрируется на японском языке с английскими субтитрами.
3. Слепое чудовище 21 января 2007 в 17.30 Режиссер: Ясудзо Масумуро Япония, 1968 Фильм демонстрируется на японском языке с английскими субтитрами.
4. Отель мира 28 января 2007 в 17.30 Режиссер: Вай Кайфай Гонконг, 1995 Фильм демонстрируется на китайском языке с английскими субтитрами.
5. История китайского призрака 4 февраля 2007 в 17.30 Режиссер: Чин Сютун Гонконг, 1987 Фильм демонстрируется на китайском языке с английскими субтитрами.
6. Обнаженная убийца 18 февраля 2007 в 17.30 Режиссер: Кларенс Фок Гонконг, 1992 Фильм демонстрируется на китайском языке с английскими субтитрами.
Каждый фильм длится около 1 часа 30 минут и сопровождается вступительным словом Дмитрия Комма. Дмитрий Комм – кинокритик, постоянный автор журнала «Искусство кино», редактор отдела кино и видео журнала «Панорама TV»

вход свободный места гарантированы при предварительной записи по телефону 380 7650,
7.1.2007 - 24.1.2007

ЦВЗ "Манеж" (СПб) – выставка "Гардероб одной дамы"...

Информационный центр/Бюро "ФотоДепартамент" представляет
совместный проект Фонда "Петербургские фотомастерские" и Государственного Музея истории Санкт-Петербург
ГАРДЕРОБ ОДНОЙ ДАМЫ выставка фотографии

Кураторы: Юлия Демиденко, Ольга Корсунова, Санкт-Петербург
В основе выставки – подлинный гардероб одной из жительниц Ленинграда. В самых разнообразных вещах – от нижнего белья до шляп, перчаток и пальто конца 1930–1960-х годов – отразились не только время и мода тех лет, но и личные вкусы, пристрастия и образ жизни хозяйки, преподавателя университета. Этот подлинный гардероб был предоставлен в распоряжение петербургских фотографов – и начинающих, и давно признанных мастеров, таких как Геннадий Головин, Юлия Гребнева, Людмила Григорьева, Виктория Катаева, Александр Китаев, Екатерина Мнацаканян, Юрий Молодковец, Елена Пальм, Станислав Чабуткин, Андрей Чежин и других.
На выставке представлены не только разные творческие индивидуальности, но и разные жанры модной фотографии:
портрет, story, натюрморт и т. д., разные принципы работы. В то же время в фотографиях удивительным образом преломились и жизнь самой хозяйки вещей, и история страны. Разные образы, разные судьбы и постоянно повторяющиеся вещи вызывают странное уважение к почти миновавшей эпохе, когда вещи жили дольше, чем люди и значительно переживали своих хозяев.
Важная особенность выставки в том, что фотографии предстанут в экспозиции в виде цифровых репродукций авторских работ – черно-белых ручных отпечатков, цветных снимков или снятых на пленку и обработанных на компьютере фоторабот. Репродукции большого формата – в размере до двух метров – очень непривычны для фотовыставок, проводимых в Петербурге, и от того делают выставку "Гардероб одной Дамы" особенно интересной.
Впервые выставка была представлена в Государственном музее истории Санкт-Петербурга летом 2006 года.
В проекте принимают участие, как молодые, так и известные фотографы:
Елена Агафонова, Кирилл Арсеньев, Лилия Бичурина, Николай Буянов, Геннадий Головин, Анастасия Гордеева, Юлия Гребнева, Людмила Григорьева, Елена Дьякова, Евгений Жульков, Наталья Захарова, Татьяна Король, Виктория Катаева, Александр Китаев, Ирина Ковальчук, Полина Мельник, Екатерина Мнацаканян, Юрий Молодковец, Елена Пальм, Надежда Писарева, Андрей Полушкин, Александр Румянцев, Наталья Сизова, Александр Смирнов, Виталий Смирнов, Владимир Чернецкий, Станислав Чабуткин, Андрей Чежин, Родион Юрга. »»
11.1.2007 - 24.1.2007

ГЦСИ(Москва). Выставка "Дубль/Ремейк"...

Всю историю кинематографа пронизывает цитата. Она присутствует в «кочующих» сюжетах, формирует традицию в киноискусстве и определяет его историю. Цитата в истории кино является образом памяти, возвращая «утраченное» и утверждая будущее. Ее образность создает особый контекст в линейном сюжете фильма и составляет смысл кинотехнологии, превращаясь в монтажный прием.
В проекте цитата рассматривается как «прибавочный элемент» в культуре авангарда, передвигающийся по оси времени, сталкивающий в парадоксе противоположные жанры и соединяющий искусство С.Эйзенштейна и Б.Бертолуччи, Ж.-Л.Годара и Г.Александрова, А.Хичкока и Ф.Феллини, К.Тарантино и братьев Алейниковых.
На выставке будут демонстрироваться фрагменты фильмов и видеоработ:
1. «Броненосец Потемкин», СССР, 1925. Режиссер С.Эйзенштейн «Неприкасаемые»/ The Untouchables, США 1987. Режиссер Б. де Пальма «Свой среди чужих, чужой среди своих», 1981. Режиссер Н. Михалков «Видеобейби», 1966–2006. Автор Булат Галеев
2. «Мечтатели»/ The Dreamers, Италия, Франция, Великобритания, 2003. Режиссер Б.Бертолуччи «Банда аутсайдеров», Франция, 1964. Режиссер Ж.-Л.Годар Видеоролик «Пробежка по Эрмитажу», 2005. Режиссер С.Африка
3. «Волга-Волга», СССР, 1938. Режиссер Г.Александров «Цирк», СССР, 1946. Режиссер Г.Александров «Волга-Волга», 2005. Режиссер П.Лабазов В.Мамышев-Монро «Марокко», США,1930. Режиссер Д. фон Штернберг
4. «Багдадский вор»/ The Thief of Baghdad, UK / USA, 1940. Режиссер А.Корда «Золотой ключик», СССР, 1932. Режиссер А.Птушко «Российская антигравитация», Россия, 2005. Режиссеры И.Юсупова, Д.А.Пригов
5. «На последнем дыхании», Франция, 1959. Режиссер Ж.-Л.Годар «Банда аутсайдеров», Франция, 1964. Режиссер Ж.-Л.Годар «Черный пахарь», 2001. Авторы Владислав Ефимов, Аристарх Чернышев «Ревущие двадцатые», США, 1939. Режиссер Р.Уолш «Дурная кровь», Франция, 1968. Режиссер Лео Каракс
6. «Криминальное чтиво», США, 1994. Режиссер К.Тарантино «Джинджер и Фред», Италия, 1975. Режиссер Ф.Феллини «В ритме свинга»/ Swing Time, США,1936. Режиссер Дж.Стивенс «Свадьба», Россия, 2001. Режиссер П. Лунгин «Родня», Россия, 1982. Режиссер Н.Михалков «Happy end», Россия, 1999. Режиссер Л.Горлова
7. «Кабинет доктора Каллигари» / Das Kabinett des Doktor Caligari, Германия, 1919. Режиссер Р.Вине «Доктор Мабузе: игрок» / Doktor Mabuse der Spieler, Германия, 1922. Режиссер Фриц Ланг «Носферату – симфония ужаса» / Nosferatu – eine Symphonie des Grauens, Германия, 1922. Режиссер Ф.В.Мурнау Деревянная комната, Россия, 1995. Режиссер Е.Юфит Лесоруб, Россия, 1985. Режиссер Е.Юфит Серебряные головы, Россия, 1998. Режиссер Е.Юфит
8. «Стеклянная гармоника», СССР, 1966. Режиссер Андрей Хржановский «Осень», СССР, 1982. Режиссер Андрей Хржановский (совмещение с эскизами В.Янкилевского, Ю.Соболева, Ю.Соостера)
9. «Трактористы», СССР, 1952. Режиссер И.Пырьев «Трактористы 2», Россия, 1992. Режиссеры бр.Алейниковы, 1992
10. «Я люблю Америку, Америка любит меня», США, 1974. Режиссер Й.Бойс «Посвящение Бойсу», Россия, 1997. Режиссер О.Кулик
11. Колыбельная», СССР, 1937. Режиссер Д.Вертов «Колыбельная», Россия, 2006. Режиссер К.Перетрухина
12. «Русский ковчег», Россия, 2002. Режиссер А.Сокуров «ГТГ», Россия, 2004. Режиссер Ольга Чернышева
13. «Случаи», Германия–США, 1997. Режиссеры Игорь и Светлана Копыстянские «Красота по-американски», 1999. Режиссер С.Мендес а также
Проект художника Леонида Тишкова: Инсталлированная комната с непрерывным показом фрагмента фильма «Головукружение»/ Vertigo, США, 1958. Режиссер А.Хичкок
Государственный Центр современного искусства (ГЦСИ) Зоологическая улица, дом 13, строение 2, выставочный зал метро «Баррикадная», «Краснопресненская» »»
13.1.2007 - 4.5.2007

ММСИ (Петровка). Вита Буйвид. "Фототрикотаж"...

В рамках Московского Международного фестиваля "Мода и стиль в фотографии 2007"
Виты Буйвид
ФОТОТРИКОТАЖ Куратор выставки: Екатерина Кондранина
ВИТА БУЙВИД И ЕЕ ШАЛИ
Музеи, библиотеке, архивы – я преклоняюсь перед их сотрудниками. Они хранят память и никогда не теряют самообладания от того, что все люди не прочь рассказать потомкам,какими мы были, и описать себя и время в той или иной форме. Используя для этого скалы, пергаменты, ковры, холст с маслом и дальше – фотопленки, кино, диски. Стремление запечатлеть себя и время вполне достойно и заслуживает лишь похвалы. Однако, иногда в музее или библиотеке я впадаю в отчаяние, думая о том, сколько памяти в них хранится и сколько еще поступит на хранение. Хранения прошлого в такие минуты становятся для меня бесконечными горными хребтами или бездонными океанами. Их бесконечность и бездонность пугают мое воображение тем, что в него это никогда не сможет вместиться и не только в него, но и во все музеи и библиотеки.
Спасением от уныния при таких размышлениях служат для меня шали Виты Буйвид. Спасаясь в похожих ситуациях ее шалями, я словно прозреваю и вижу не только выход из отчаянного положения, но и сверкающие цветами надежды, любви и успокоения, таланты художницы. Более того, в такие минуты я считаю Виту серым кардиналом архивного дела и крупным здесь ученым.
Не каждому под силу, пожалуй, даже не думая об этом, вместить в одной шали размером в один квадратный метр целую эпоху, стремления и чувство прекрасного хранителей домашнего уюта, полагаю, даже нескольких поколений. Более того, передать через шаль само ощущение времени и его тепло. Шаль Виктории для меня – это весь родительский, бабушкин или просто дачный дом при этом с садом и видом на речку.
Это утро, солнышко в окошко, коврики на полу и ковер на стене, комод в большой комнате, на комоде газета и фотографии в темно-коричневых рамах, учебники по литературе с портретами писателей...счастье. На комоде, безусловно, постелена белая, вязанная под кружево салфетка (забыл, как она точно называется). И представляется, что Вита бывала в таких домах и бывала в них счастлива. Так вот, оставляя такой дом, Вита просила на память лишь белую салфетку с комода и заполняла ее всем тем, что окружало ее счастье, завязывала в узелок и отправлялась налегке в жизненные странствия. Весь ее скарб воспоминаний из узелка – комод, фотографии в рамках, Юрий Гагарин на экране телевизора, коврик с мишками в сосновом лесу и даже город вдалеке – со временем закреплялся среди кружев салфетки, и она становилась шалью.
Становилась шалью, подобной платочку из сказки, который через колечко пройдет, но меж тем в нем и звезды, и небо, и море с кораблями. Шали Виты Буйвид "Мужчины в моей жизни", "Времена Года", "Море" делают подобные чудеса. В них не только дачный дом хранится, в них и ласточки летят в небе, и морские волны плещутся, будто наяву, поскольку художник талантом своим пробуждает в нас воспоминания о наших собственных моментах гармонии с окружающим миром, незамысловатого счастья в нем. А получается так, что весь этот огромный объем образов, ощущений эпох, поколений и наших собственных хранится в одном файле – шали Виты Буйвид.
Валерий Кацуба »»
14.1.2007 - 4.2.2007

Литературно-мемориальный музей Ф.М. Достоевского представляет выставку Аси Немченок «Utopia XXL / Посвящение В. Татлину»...

Татлин, тайновидец лопастей
И винта певец суровый,
Из отряда солнцеловов.
Паутинный дол снастей
Он железною подковой
Рукой мертвой завязал.
В тайновиденье щипцы.
Смотрят, что он показал,
Онемевшие слепцы.
Так неслыханны и вещи
Жестяные кистью вещи.
Велимир Хлебников
1916 г.

Татлин оставил после себя в вечности не несколько «контррельефов» или картин. Татлин – это совсем другое. По сути, это, прежде всего, две вещи: непостроенная башня - Памятник III Коммунистическому Интернационалу - и невзлетевший самолет – Летатлин. Мечта и жесткое сопротивление ей жизни, ее законов и правил. В этом современные петербургские художники улавливают знакомые им очертания. Железные конструкции башни проржавели. Этот ржавый коричневый проступает полосами в работах Аси Немченок. Но остается и небесно голубой, цвет мечты. В фотографиях художницы побеждает то один, то другой цвет. В них утопает каркас металлической конструкции. Это Башня? Или другая утопия? На этот вопрос автор серии «Утопия XXL/Посвящение Татлину» отвечает: «Татлин - дерзкий мечтатель, вдохновенно - свободно творивший в начале века новое искусство в России. Очень его уважаю, чего стоит хотя бы «проект Башни III интернационала», получивший мировое признание еще будучи эскизом, но, к сожалению, так и не ставший в последствии русским аналогом Эйфелевой башни?! Татлин - основоположник творческого метода Конструктивизма - символа качественных перемен художественной культуры 20 века. Романтизм и новаторство – две основные черты, которые делают для меня родным и близким творчество Владимира Евграфовича.
Мои фотографии – негативы, дорисованные и раскрашенные вручную – конструктивистская фантазия, полет и свобода цвета, нервность линий и чувственная пульсация пятен, серия «UTOPIA XXL» - это романтический экстрим - утопия крупных размеров». »»
14.1.2007

Актовый зал (Москва). Мультфильмы Алексея Демина. ...

5-я НОГА (из сборника «ЧУДАКИ»)
ДЕНЬ ШЕСТОЙ (из сборника «ДОБРО ПОЖАЛОВАТЬ В XXI ВЕК»)
АТТРАКЦИОН
ОТЕЦ
КОШКИ ПОД ДОЖДЕМ
ТИХАЯ ИСТОРИЯ
БУАТЕЛЬ
+ ВСТРЕЧА С РЕЖИССЕРОМ
Программа «Мультфильмы по выходным» была задумана нами прежде всего потому, что сегодня посмотреть отечественные авторские мультфильмы практически негде. Хотя, казалось бы, российская анимация сейчас вышла из кризиса и фильмы наши, как и двадцать лет назад, берут призы на всех мировых фестивалях. Кроме того, за последние годы выросло новое поколение очень интересных режиссеров и художников, которых почти никто не знает, поскольку штучную авторскую анимацию перестали показывать в кино и по телевизору. Именно по этой причине мы решили, что в первую очередь на наших показах будем демонстрировать отечественные мультфильмы. Но, разумеется, без зарубежных – и традиционных, и авангардных – тоже не обойдемся: увидите и фильмы самых знаменитых зарубежных режиссеров, и победителей престижных фестивалей, и программы признанных школ анимации.
Но в первую очередь, конечно, - отечественное кино. Программы будем составлять, прежде всего, по монографическому принципу: все (или основные) фильмы какого-то режиссера или художника, лучшие фильмы разных анимационных школ или студий и даже фильмы, сделанные в определенной (редкой) технике. Кроме того, планируем показывать эксклюзивные подборки: любимые фильмы знаменитых режиссеров.
На большую часть наших программ мы приглашаем вас с детьми, но будут и такие, которые детям смотреть сложновато, а некоторые и просто нельзя. Мы всегда будем это отмечать. Ну и наконец: мы постараемся, чтобы в каждой нашей программе был какой-нибудь бонус-сюрприз ее героя. »»
16.1.2007 - 28.1.2007

Галерея М. Гельмана (Москва) – "Синие носы". Выставка "Грёбаный фашизм"...

Новый год "Синие носы" встретили в каталажке. В ноябре прошедшего года их фотографии, отправленные на выставку в Лондон, задержали на таможне. Галериста Мэттью Боуна сняли с рейса и пытали вопросами: что сие творчество означает? А потом, не добившись вразумительных объяснений, депортировали в Британию с пустыми руками. Задержанные шедевры до сих пор пылятся в милицейских застенках. Правохранительные органы никак не могут решить, на чьей территории произошло оскорбление высших должностных лиц США, России и Аль-Кайды. Хотят покарать художников.
За что?
Метод "Синих носов" прост. Они вспоминают самые расхожие массовые представления и изображают их, как можно буквальней. Вы сами можете вспомнить дюжину таких. Например: все художники – пьяницы. Или: все русские ходят в шапках-ушанках. Или иллюстрируют самые популярные газетные заголовки. Например, КГБ взрывает Россию. Или: Россия сидит на нефтяной игле и газовой трубе. Или: Путин отравляет Ющенко диоксином, а Литвиненко плутонием. Наконец, дошёл черед до национализма с экстремизмом.
Почему?
Газетные заголовки становятся всё более страшными. 1990-е, когда неустроенная молодежь объединялась в группки по выколачиванию денег чисто по экономическим основаниям, чтобы прокормиться, давно миновали. Сейчас все сбиваются в кучки по идейным соображениям. Национальная принадлежность в головах многих наших сограждан вылезла с шестого чуть ли не на первое место. Обратная сторона этого – поиски "чужих" и расправы над ними. Идеологические дискуссии ведутся по одинаковому сценарию: поскорее окрестить противника "фашистом". Политические убийства следуют одно за другим. Ну и т. п. В эти сложные времена "Синие носы" решили не безмолвствовать, а скрестить наиболее кричащие коллективные фантазмы.
Только вот полоний-210 художникам на выставку достать не удалось. Но это не беда. Полония и без того достаточно в головах зрителей, они принесут его с собой. Галерея Марата Гельмана
СИНИЕ НОСЫ
Грёбаный фашизм
Открытие – 16 января 2007 года в 18:00
Адрес:
119180, Москва
ул. Малая Полянка, д.7/7, стр. 5 Тел./факс +7 (495) 238-8492, 238-2783, 238-4040
Галерея работает ежедневно кроме воскресения и понедельника, с 12:00 до 18:00 »»
16.1.2007 - 5.2.2007

Глерея "Ars Magna "(СПб). Андрей Полушкин «Вещи, которые снятся вещам». ...

В рамках проекта
«Фотография: новые возможности»
Выставка Андрея Полушкина в январе – это, в своем роде, форс-мажор. Изначально она не была включена в проект, хотя участие этого автора естественным образом подразумевалось. Этой выставкой фотогалерея Ars Magna планировала закрыть сезон 2006/2007. Но обстоятельства в очередной раз отказались сильнее, и запланированная выставка Александра Китаева была заменена выставкой Андрея Полушкина. Так что гибридного Китаева в ближайшее время мы не увидим. Во всяком случае, в рамках указанного проекта. Возможно, позже, возможно сольно, но, к сожалению, не сейчас и не здесь.
Андрей Полушкин фигура весьма занимательная. Его путь в фотографию не то, чтобы извилист, но уж точно непрям. Полушкин начинался как график, и первая выставка графика Полушкина случилась в 1993 г. в галерее «10Х10». Где-то на так называемом рубеже веков он увлекся компьютерной графикой, через которую, собственно, и пришел в фотографию. Сам Полушкин называет свой творческий процесс «цифровыми фотоманипуляциями». С точки зрения техники здесь объединены три истории – компьютерная графика, аналоговая (ручная) печать и «доаналоговая» обработка – графические техники по отпечатку.
«Вещи, которые снятся вещам» проект, формировавшийся на протяжении нескольких лет. Если быть более точными – с 2002 года. В ряду персональных выставок Полушкина эта следует за «Вирусом декоративности», прошедшей в прошлом году в Музее фотографии. По сути, «Вирус декоративности» был прекрасным презентационным проектом, показавшим не противоречащие традиционным фотографическим методам работы, но в то же время представляющим диапазон возможностей компьютерной графики. Возможно, именно этот проект позволил и самому автору условно разметить пространство и прочертить основные ориентиры для дальнейшей деятельности. Наверное, благодаря ему мы имеем «Вещи, которые снятся вещам» серию, превратившуюся в своего рода statement, так называемый культурный манифест, выраженный в образах и подобиях этих образов, живущих в пространстве сновидений каждого отдельно взятого объекта.
«Вещи, которые снятся вещам» - это натюрморты. Несмотря на явную приверженность автора живописным традициям жанра, натюрморты Полушкина никак не соотносятся ни с традициями «still life», ни с приемами «nature morte». Его предметы не живые и не мертвые. То, что он делает, часто называют мистическим реализмом. Но на самом деле, здесь очень мало от реализма. Объекты, которыми манипулирует Полушкин, это не реальные вещи с их материальными свойствами, это зыбкие тени вещей, живущих в идеальном пространстве, сконструированном каким-то сумасшедшим человеком, похожим на Фрейда и Шопенгауэра одновременно. В своем роде это декаданс в новой цифровой реальности. Закат графики и введение ее в фотографию.
Галерея Ars Magna Каменноостровский, 26/28 пом. 45 Тел 232-4535 »»
16.1.2007 - 18.1.2007

ГЦСИ(СПб) и GreenClub представляют проекты "Плохой театр красоты" и "Воля к пустоте или макро событие в одном месте"...

Одиночество… состояние трех точек, состояние пустой комнаты и просто пустоты, это то что мы боимся вынести на показ, боимся признать это прячась в тенях случайных людей . . . или же наоборот делаем это предметом китча, и стараемся убедить людей в том ( как же это здорово ) . . . Одиночество будет показано, как это переживается разными образами, объектами, абстрактными формами, воспоминаниями из прошлой жизни и наконец перевоплощение в ту самую пустоту и бесконечность ( на молекулярном уровне ), с которой все начиналось. На несколько дней приоткроется та дверь, которая обычно всегда закрыта для посторонних глаз, и вы сможете подсмотреть, как это переживают другие…
Видео - арт, медиа театр, живой перформанс, интерактив…
19 00 открытие
Видео инсталляция в кубе и видео от Masha Sha, Дарья Хлапова "Дорога домой", Анастасия Кадрулева "Триптих".
Звуковые опыты в русском фольклоре Shakin Manas ( rock n roll будущего )
ПРОГРАММА Лихорадушка
ЧАСТЬ 2
17 02 07
начло в 19 00
фильм "Диалог" 15 мин.
Чтение рассказа + живой и мертвый звук + пластический перформанс от Иванской Ольги
Фильм (. . .) 33 мин.
18. 02. 07 начало в 19:00
Плохой театр красоты
медиа театральный спектакль
интерактивный перформанс ( любой человек – объект ) вопрос ответ… Воля к пустоте или макро событие в одном месте »»
17.1.2007 - 17.2.2007

Музей Достоевского (СПб). "Хорошо/Плохо". Диалектика добра и зла в современной иллюстрации, графике и комиксах...

Великий классик русской литературы Ф.М. Достоевский много размышлял над диалектикой добра и зла. Подпольный парадоксалист Раскольников, князь Мышкин, Великий Инквизитор и многие другие герои писателя пытались разрешить эту вечную дилемму.
Не существует четких правил относительно того, как отличить хорошее от плохого, доброе от злого. Каждый определяет сам, на что полагаться в выборе нравственных ориентиров. В том числе и художники-участники выставки "Хорошо/плохо", проводимой в залах Музея Достоевского в Санкт-Петербурге.
Во времена Достоевского мыслители обращались к людям со страниц литературных журналов. Современный человек привык получать информацию в виде ярких иллюстраций в глянцевых изданиях и различного рода пиктограмм – запрещающих и разрешающих знаков.
В проекте "Хорошо/плохо" художникам предлагается дать свой ответ на один из принципиальных вопросов русской литературы "Что такое хорошо и что такое плохо?" в форме визуального высказывания – плаката, рекламы, иллюстрации, комикса.
Для участия в выставке были приглашены известные художники, дизайнеры, графики и комиксисты, чьи работы печатаются в современных модных журналах (таких как Афиша, Собака, PLAYBOY, Rolling Stone, Elle, TimeOut, Cosmopolitan, FHM, Harper's Bazaar, Marie Claire, Крокодил, ХХL, Maxim, Хулиган, Вещь, Большой город и др.) или авангардных изданиях.
Среди них: Александр Антипин, Карина Барабанова, Мариа Баранова, Денис Барковский, Анна Всесвятская, Екатерина Гаврилова, Владимир Дубко, Мария Заборовская, Алексей Звероловлев, Эдик Катыхин, Владимир Козин, Мария Краснова-Шабаева, Ора Колмановски (Израиль), Татьяна Крупинина, Андрей Люблинский, Томас Нигрен (Швеция), Гиль╦м Парис (Франция), Варвара Pomidor, Сергей Снурник, Роман Соколов, Федор Сумкин (Нидерланды), Евгений Тонконогий, Андрей Устинов (Германия), Лена Хейдиз, Павел Христенко, Кин-Ва Цанг (Китай).
Куратор: Анна Харькина
Посетители, пришедшие на выставку в день открытия, смогут распечатать фотографии форматом 10х15 см, снятые прямо на открытии фотографами или специалистами компании Epson. Печать производится на принтере Epson Picture Mate 500 и фотобумаге Epson Premium Glossy Photo Paper с карт компакт-флэш или напрямую с фотокамер.
Приходите с фотоаппаратом и получите отличный отпечаток в память о выставке!
Адрес Музея Достоевского: Санкт-Петербург, Кузнечный пер., д. 5/2, тел. (812) 5714031 »»
17.1.2007

ГЦСИ(Москва). Программа "Современное искусство от А до Я". Показ документального фильма "Вся наша жизнь соц-арт" Бориса Караджева...

В рамках программы "Современное искусство от А до Я" в Малом зале ГЦСИ демонстрируется 40-минутная документальная лента режиссера Бориса Караджева, снятая им в 2004 г. по собственному сценарию.
Начало в 19.00, вход свободный.
Адрес музея: Москва, Зоологическая ул., д.13, стр.2. »»
18.1.2007 - 18.2.2007

ММСИ(Москва). Представляет проект Марины Черниковой "Urban Surfing". Видеоарт, пространственная видео-инсталляция...

Художник Марина Черникова, как это ни странно, не частый гость для Москвы. Ее творчество мы с полной уверенностью можем рассматривать «по гамбургскому счету»: в Европе ее знают гораздо лучше. Ее стиль стоило бы охарактеризовать как «архитектоничную видео-живопись». Кубистические городские пейзажи, выполненные видео-камерой, стремительно развиваются во времени. Хладнокровно и методично Черникова исследует психологию репрезентации воспоминания, превращая результат этого исследования в панорамное видео-полотно, в «moving painting». Документальные образы городской архитектуры, разлагаясь и наслаиваясь друг на друга, создают абсолютно новую реальность, в которую помещается зритель, окруженный видео-проекциями. Словно при скорочтении, взгляд выхватывает лишь важнейшие фрагменты, которые затем становятся полу-абстрактными структурами, постоянно находясь в круговом движении. Здесь важен момент изучения восприятия современным человеком городского ландшафта, которое является выборочным, непоследовательным. «Необходимый набор» фрагментарных урбанистических образов уступает место целостному восприятию архитектурного пространства. Точно так же, как в кубизме образ предмета разлагается на составные части, чтобы затем быть воспроизведенным «с концепции, но не с натуры» (Г. Аполлинер). Феномен «фильтра восприятия», изображенный при помощи новых художественных средств, является основной темой проекта «Urban Surfing». Совершая постоянное насилие над зрителем, художник пытается не просто показать результаты своих апперцептивных исследований, но сделать воспринимающего таким же автореферирующим подопытным, поскольку постичь проблему иначе практически не представляется возможным. Скольжение взгляда по архитектуре, городской серфинг восприятия – подобные варианты перевода (дешифровки) названия одинаково верны и одинаково подводят зрителя к сути высказывания художника. Безусловно, здесь также важен момент погружения, момент тотальной видео-экспансии как формы выражения, но транс-архитектурное пространство не может быть воссоздано иначе.
Европейская бескомпромиссность искусства Черниковой дает ей своеобразный зрительский кредит доверия, который она пока так и не начала тратить. »»
18.1.2007 - 24.2.2007

Галерея-студия "Альбом"(СПб). Алексей Чистяков "Непроявленное". Живопись, графика. ...

Алексей Чистяков – виртуоз абстракции, художник до тонкостей изучивший все прихоти живописной фактуры, саму природу красочной поверхности, гурман беспредметности и философ, открывающий смыслы в нюансах подвижной монотонности живого муара его холстов – в новом проекте парадоксален по отношению к самому себе и избранному им вот как уже более двадцати лет абстрактному методу творчества.
Качество живописи, достигнутое Чистяковым на сегодняшний день, позволяет ему рассматривать свои холсты как естественную природную данность, свободную и восприимчивую к приятию любых других элементов изобразительного языка. Так возникла идея «напечатления» на практически готовую живописную основу предметных, буквенных и цифровых знаков.
«Абстрактное» и «фигуративное» легко уживаются при встрече друг с другом, соприкасаясь на поверхности холста, которая становится полем для выявления и проявления бесконечных возможностей двух базовых начал видения окружающего мира. Живопись, выстроенная на основе небольших форматов – «кирпичиков» всего замысла – выстраивается в гигантские блоки, в совокупности представляющие фрагмент некой обширной энциклопедии по археологии визуальности. Куратор Глеб Ершов »»
18.1.2007 - 6.2.2007

Редакция журнала "ДИ" приглашает на открытие выставки Владимира Бахтова "Крым в огне или огненая реконструкция Ойкумены" в музее Архитектуры(Москва)...

Ойкумена – древнегреческое слово, означающее «Вселенная», но вселенная обжитая людьми, или, по крайней мере, им известная, благоустроенная и обстроенная домами-ойкосами. Древнегреческая Ойкумена простиралась до границ самых удаленных колоний–полисов. Дальше – Варварство и Хаос. Самая северная точка древнегреческой Ойкумены – древний город Ольвия, существовавший в Северном Причерноморье на берегах Днепро-Бугского лимана тысячу лет с 6-го века до н.э. по 4 век н.э. Точка, связывающая северное побережье Черного моря с древней цивилизацией Средиземноморья. От этой точки начинается возвращение в Ойкумену, противостояние Хаосу времени.
Украинский художник Владимир Бахтов избрал Ольвию местом своего жительства и полигоном для своих художественных исследований. Проект «Крым в огне или огненная реконструкция Ойкумены» является результатом многолетней (с 1995 года) работы по художественному освоению археологического пространства Северного Причерноморья – от северной Ольвии и дальше на юг – в Крым, к Херсонесу и Пантикапею. Это попытка реконструкции художественными методами исчезнувшего пространства древней культуры. Культуры, посредством наличия которой на землях юга Украины и России, устанавливается глубокая и древняя связь этого региона со средиземноморским культурно-историческим пространством, с основами европейской цивилизации. Принадлежность к Ойкумене значит принадлежность к упорядоченному человеком миру, к миру фундаментальных гуманистических ценностей, обретение целостности и понимания своего места в мире.
Основу проекта составляют так называемы «гелиограффити» - авторская техника, заключающаяся в пространственном рисовании огнем утраченных архитектурных и археологических объектов с фиксацией этого процесса при помощи фотосъемки в режиме длительной выдержки.
Получаемые «виртуальные» артефакты обладают убедительностью реально существовавших объектов, хотя в момент создания их никто и никогда не сможет увидеть. Фотографии-гелиограффити – это фотографирование знания художника об античной архитектуре, визуализация умозрительного, концептуальные игры с Платоном. Не внося никаких изменений в пространство археологических объектов, не нарушая никаких конвенций, Владимир Бахтов «реконструирует» архитектуру античных городов, словно воплощая желание всякого туриста увидеть «как это было когда-то», мистифицирует и провоцирует его воображение.
Неизбежное настроение пассеистической тоски по ушедшему «золотому веку античной культуры» сопрягается с уверенностью художника в необходимости и неизбежности снова и снова возвращаться к классической культуре античного мира, в ее непреходящей актуальности.
Открытие выставки будет сопровождаться перфомансом во дворе музея, во время которого зрители увидят огненное шоу - процесс создания работ в техники гелиограффити. »»
18.1.2007

Государственный музей истории Санкт-Петербурга (Иоанновский равелин Петропавловской крепости). Мастер-класс эмальера Ольги Лысенковой «Ангел над Петропавловкой. Горячая эмаль»...

18 января 2006 года в 12.00
Мастер-класс известного петербургского эмальера Ольги Лысенковой пройдет в выставочных залах Иоанновского равелина Петропавловской крепости, где до 29 января 2007 года открыта персональная выставка художника «Ангел над городом». Участники мастер-класса получат уникальную возможность увидеть своими глазами шаг за шагом весь процесс создания художественного произведения – горячей эмали на меди. Эмаль - особый сплав стекла с окислами металлов. В процессе создания произведения на медную пластину специальными огнеупорными эмалевыми красками наносится роспись. В дальнейшем после нанесения каждого слоя краски (около 30 раз) пластину обжигают в печи при температуре 850°. Под воздействием высокой температуры после каждого обжига первоначальный рисунок буквально преображается на глазах, приобретая выразительную фактурность и колористическое разнообразие. Цветная эмалевая масса, растекаясь по поверхности, создает причудливую вибрацию света и цвета.
Во время мастер-класса Ольга Лысенкова будет работать над эмалью с изображением ангела на шпиле Петропавловского собора.
Ольга Лысенкова – выпускница Высшего художественно-промышленного училища им. В.И.Мухиной (ныне Санкт-Петербургская художественно-промышленная Академия). С 1991 года – член Союза художников России. Экспонент более 50 выставок в России и за рубежом (международная выставка «Эмаль. Текстиль. Керамика» (Германия, Дадесхейм, 1995), международный фестиваль эмали (Токио, 1996; Ярославль, 1998), всероссийская художественная выставка к 2000-летию Рождества Христова «Имени Твоему» (Москва, ЦДХ, 2001) и др.), в том числе пятнадцати персональных.
Работы О. Лысенковой находятся в галереях и частных коллекциях России, США, Германии, Австралии. Художник работает в разных техниках: горячей эмали на меди, росписи по ткани (батик), гобелена, акварели.
»»
18.1.2007 - 11.2.2007

Городской выставочный зал Петрозаводска представляет выставку Дмитрия Трубина "Фрагменты". В рамках международного зимнего фестиваля «Гиперборея 2007»...

Международный зимний фестиваль «Гиперборея» традиционно дарит петрозаводчанам знакомство с новыми именами, с творчеством деятелей искусства из других стран и городов, также как и Карелия находящихся за 60й параллелью. На этот раз одним из гостей «Гипербореи» является Архангельск. Её программу открывает выставка, организованная Городским выставочным залом при поддержке Управлений культуры Архангельска и Петрозаводска, а также Архангельского отделения Союза художников России. Эта интереснейшая экспозиция представляет творчество талантливого мастера – известного архангельского графика, живописца, книжного иллюстратора, Заслуженного художника России - Дмитрия Трубина. В неё вошли «фрагменты» его многочисленных графических и живописных серий, а также книжные иллюстрации, выполненные автором в различные годы.
Иллюстрирование как возможность побывать в детстве. О творчестве архангельского художника Дмитрия Трубина
«Архангельский художник Дмитрий Трубин несколько лет назад перешагнул порог сорокалетия. Проходившую в прошлом году персональную выставку он насмешливо и грустно озаглавил «Сорок первый». За это время Трубин проиллюстрировал более ста книг, поучаствовал в выставке архангельских и петербургских художников - учеников Владимира Стерлигова «Проект десять» в 2002 г. и получил такие престижные награды, как Почетный диплом имени Х.К. Андерсена в 1996 г., премия фирмы «Сабуокерс» (Япония) в 1998 г., диплом международного конкурса «Иллюстрации к произведениям А.С. Пушкина», стал членом-корреспондентом Международной Академии литературы, искусства и науки «GREZI-МARINO» в итальянском городе Верцелли, где в 2000 г. ему присвоили престижный титул Действительного Рыцаря Ордена Академии.
Размышляя о судьбах мирового искусства, архангельский художник сделал иронический цикл «Сны гвоздочета» из двадцати трех парафраз на классические произведения живописи, используя вместо привычных героев гвозди. Неумолимый рынок заставил альбом репродукций спрятать в коммерческую форму настенного календаря. Художник так сформулировал свою эстетическую программу: «… в один из дней я нагнулся, чтобы поднять обычный ржавый гвоздь, но в руки взял уже совсем иное - идеальный модуль для воплощения идеи трансформации уродства в красоту (гвоздь-человек) и красоты в уродство (человек-гвоздь)…».
Умение учиться у мастеров прошлого помогло Дмитрию Трубину стать одним из лучших иллюстраторов детской книги новой волны. В 1989 г. Дмитрий Трубин закончил художественный факультет Московского полиграфического института, где его Учителем и Мастером на протяжении нескольких лет оставался профессор Май Петрович Митурич-Хлебников, который когда-то первым разглядел в своем студенте будущего одаренного иллюстратора и предложил начинающему художнику поработать для московского издательства «Малыш». Рассматривая иллюстрации Дмитрия Трубина, понимаешь, что он научился у Митурича главному - стремлению, не ограничиваясь рассказом о предметах и героях, передать настроение текста, а это, наверное, самое трудное и интересное для художника книги. Кроме того, от Митурича Дмитрий Трубин унаследовал индивидуальность поэтического взгляда на мир, декоративное мастерство, которые дают единство его книгам…»
Лола Звонарёва (Москва)
«Ученик М. Митypичa-Хлебникова и Л. Токмакова, Дмитрий Александрович является достойным продолжателем художественных традиций, в чeм-то, может быть, даже более оригинальным или, как гoвopят, "пpикoльным". Его работы можно найти в Архангельском областном музее изобразительных искусств, столичном Государственном музее имени А. С. Пушкина, а также в частных собраниях разных стран миpa - США, Канады, Франции, Германии, Италии, Нopвeгии.
Офopты -иллюстрации из cepии "Библейские cюжeты", наброски к "Истории кавалера Де Грие и Манон Лecкo" Антуана Франсуа Пpeвo - все это принадлежит eмy. Столько красивых названий, что можно утонуть в потоке внезапных мыслей и accoциaций. А eщe "Барон Мюнгхayзeн" Рacпe, "Кaндид" Вольтера, рисунки к басням Эзoпa. Причем работы рассчитаны на самую разную ayдитopию: та жe "Манон Лecкo" - проба для более взрослых, носящая слегка театральный хapaктep. Иллюстрации к "Трем тoлcтякaм" Ю. Олеши и "Алисе в стране чyдec" Л. Кэppoллa - для совсем мaлeньких. Хотя, чего там говорить, знаменитую Алису любят вce. Дмитрий Алeкcaндpoвич - член Союза художников России, действительный Рыцарь ордена одной из Акaдeмий. Степень его таланта подтверждает международный почетный диплом имени Х. К. Андepceнa. Получается, что Трубин как самый настоящий рыцарь, помимо таланта и исключительной любви к культуре, должен обладать еще и некоторой кypтyaзнocтью. Как насчет этого? Да все в пopядкe. Когда рассматриваешь его замечательные, так и хочется cкaзaть "метaлличecкиe", сюжеты, окончательно в этом yбeждaeшьcя. Художественные циклы по мотивам Микеланджело вpoдe "Кошек из гвoздeй" или "Гвоздeй-любoвникoв" пробуждают вooбpaжeниe - зaдyмывaeшьcя: откуда такие мотивы, что хотел сказать aвтop? Столь же яркие впечатления оставляют и другие pиcyнки - мoнyмeнтaльный "Лев и мышь", "Уставший Эзoп"». »»
18.1.2007

ГЦСИ(Москва). Границы литературы и контуры визуального. Франц Кафка и новые визуальные технологии. Фильм «Кафка» режиссера Збигнева Рыбчинского...

Комментарий: Сергей Ромашко (кандидат филологических наук, член Международной Ассоциации переводчиков) Збигнев Рыбчинский в своем кинематографе обнаружил возможности новых технологий, не прибегая к помощи компьютерных стратегий. Его открытие в области киномонтажа, где визуальные пространства способны двигаться непрерывно, как вербальный образ, до настоящего времени является уникальными. Мир Франца Кафки рассматривается Рыбчинским как особая вербально-визуальная зона, сближенная с «оптикой» Рене Магритта и новой анимации, эффект которой достигается исключительно использованием традиционных кинематографических средств.
»»
19.1.2007 - 5.2.2007

Музей В.В. Набокова приглашает на выставку петербургского фотографа Стаса Шапиро "Люди и двери"...

Стас Шапиро родился в Ленинграде в 1963 году. Профессионально начал заниматься фотографией с 1986 года. Работая в археологических экспедициях в разных частях России, художник приобрел многолетний опыт документальной фотофиксации. На протяжении последних нескольких лет преподает технику фотографии в Санкт-Петербургском Институте Гуманитарного Образования, и работает фотографом в Кунсткамере. В основном художник использует классическую технику фотографии, учитывая в своей работе естественное освещение, однако в отдельных случаях прибегает к смешанной технике. На выставке, наряду с фотопортретоми, представлены фотографии дверей, проемов и арок. Лицо на снимке раскрывает внутренний мир так же, как и в любой двери можно обнаружить качества личности.
»»
19.1.2007 - 19.2.2007

Московский музей современного искусства. Выставка Георгия Острецова "Ремонт"...

Выставочный проект
Инсталляции, видео, объекты, живопись
Георгий Острецов – один из самых востребованных и ярких художников современной России. Он стал известен более двадцати лет назад участием в нонконформистских выставках художественных групп "Детский сад" (1985-86) и "George & George" (Георгий Острецов и Георгий Литичевский) (1985). В 1988 г. художник уезжает в Париж, где работает в художественных и фэшн-проектах, сотрудничает с Люком Бессоном – делает латексные маски для его фильмов. В Париже Острецов создает основные пластические элементы своего будущего мега-проекта "Новое Правительство" (НП), концепцию которого формулирует, уже вернувшись в Россию с твердым намерением посвятить себя русскому искусству.
Проект "Нового правительства" отражает утопическую мысль об активной политической силе– эффективной, адекватной, приверженной традиционным ценностям и ею же установленным законам и нормам. В идее НП как в фокусе сходятся разные архетипы масскульта и тайные ожидания масс. Поэтому художник выражает ее языком комикса – языком массовой культуры.
В проекте "Ремонт", представленном в Московском музее современного искусства, Георгий Острецов находит универсальную форму и формулу подачи живописных работ последних полутора лет, сквозными персонажами которых становятся деятели НП. В одном из залов выставки экспонируется видео – пять фильмов, снятых за последнее время.
Этот проект погружает зрителя в мир, где утопическое и реальное прорастают друг в друга. Ремонт как экзистенциальное состояние хорошо ложится в строй образов и живописную поэтику Георгия Острецова, тяготеющего к микшированию идеологий, социальной критике, намеренному загрязнению глянцевого строя масскультурных образов.
Тотальная инсталляция Острецова, как и кабаковская инсталляция два десятилетия назад, превращает пространство в некую игровую интерактивную зону. Георгий Острецов создает новый контекст коммуникации между искусством, зрителем и музеем. Классическая арт-институция поддерживает свой статус изгнанием всего, что нарушает стилистический, смысловой, знаковый строй музейного экспонирования. В проекте Острецова сам музей оказывается жертвой инсталляции, поскольку отменяется сама "музейность" – белая поверхность покрывается цветными обоями, вместо глухих стен появляются окна, закрывается классический декор, нежилое музейное пространство готовится стать жилым. И даже центральный вход – символическое место инициации, перехода из обыденного пространства в возвышенное, сакральное, – даже это выделенное место подвергается радикальной ценностной трансформации, уничтожающей контекст музея как архива произведений искусства. Острецов подвергает сомнению сам статус музея. Закрывая музейный фасад инсталляцией, художник говорит: вот реальность, она ценнее музейных претензий.
Острецов создает ситуацию, противоположную той, когда жилое пространство перестраивается в музейное – у художника музей превращается в жилое пространство, которое готовится стать новым, принять в себя новую жизнь. Это ситуация перед катарсисом, заряженная высокой потенциальностью. Это ситуация, которую художник опознает и предъявляет зрителю как актуальную. (Александр Евангели) »»
21.1.2007

ГЦСИ (Москва). Показ документального фильма "Джексон Поллок" (США)...

Министерство культуры и массовых коммуникаций Российской Федерации Федеральное агентство по культуре и кинематографии Государственный Центр современного искусства При поддержке Посольства США в Москве
Программа "История и теория современного искусства" Учебно-образовательный курс "Американское искусство XX-XXI веков"
Куратор: Евгений Барабанов
21 февраля, среда, 19.00 Малый зал ГЦСИ
ДОКУМЕНТАЛЬНЫЙ ФИЛЬМ
"Джексон Поллок" / Jackson Pollock, США, 1997, 54' Режиссер Аманда С. Поуп / Amanda C. Pope
Государственный Центр современного искусства Зоологическая улица, дом 13, строение 2 Метро: "Краснопресненская", "Баррикадная"
Отдел общественных связей 254 84 92 »»
22.1.2007 - 10.2.2007

Галерея pop/off/art. Александр Сигутин «Из жизни супремусов»...

«Выставкой Александра Сигутина «Из жизни супремусов» галерея pop/off/art обращается к актуальным проблемам как предметного, так и фигуративного искусства, к вопросам первоистоков живописной пластики. Сигутин – представитель Южнорусской волны новейшего российского искусства, с начала 90-х вместе с Валерием Кошляковым, Юрием Шабельниковым, Владимиром Анзельмом и др. занимающегося обновлением языка современного искусства. Сигутин исследует взаимодействие разных кодов: в своих выставках он демонстрировал связь и детских почеркушек, и современной мебели с высокой абстракцией. Проект «Из жизни супремусов» - обращение к наследию авангарда на новом витке, выстраивание связи русской художественной революции начала века с древнерусской культурой, геометрического искусства – с иконописью. Художник 21 столетия считает важным обнаружение общих истоков в разных периодах национального искусства». »»
22.1.2007 - 9.2.2007

Бюро "ФотоДепартамент" и Библиотеки им. В.В. Маяковского представляют выставку Екатерины Сытник «В поисках смысла» ...

Куратор выставки - фотограф Александр Китаев
«Серия, отобранная для выставки Екатерины Сытник, называется «В поисках смысла». От человека, только встающего на путь творчества в фотографии, всегда ждут нечто правильно и грамотно снятого. Равно как и наоборот: от опытного каждый раз ждут нечто из ряда вон. Выдающегося. Между тем, какой смысл молодому делать картинки не «из ряда вон»? В сравнительно молодом искусстве - фотографии, сегодня наступили нелегкие времена. Не для гурманов, для фигурантов. Человечество при помощи линзы и химии, а теперь и электроники, накопило несметное число снимков с натуры. И тут уж Бодрирьяр прав: «мир опосредован двумерным изображением». Как тут не вспомнить времена Пушкина? Не специалист, но верю на слово пушкиноведу, утверждавшему, что Александр Сергеевич во время своего пребывания на земле мог прочитать всю мировую печатную литературу. Сегодня в фотографии явно не «времена Пушкина». Просмотреть всю презентованную в выставках и репрезентованную в полиграфической продукции мировую фотографию абсолютно невозможно.
Если раньше фотограф мог гордиться – и это стоило ему большого усердия и терпения – технически безупречной картинкой, каждый раз гадая: «выйдет, не выйдет», а если получилось, думал: «Я – первый, у кого получилось!», то теперь технический прогресс - будь он неладен! – взял это все и превратил в легкую забаву, где всё и у всех выйдет. Так в чем же смысл? А самоидентификация как же?
Вот этот-то смысл занятий фотографией, пытаясь не потерять себя-единственную в бесконечно большой популяции современников-фотохудожников, и ищет Катя. Попав в «темную комнату», т. е, занявшись фотопечатью самостоятельно, она восхитилась волшебству не просчитываемых до конца тактильных процессов, заметила и оценила красоту и непредсказуемость возникающих удивительных фактур.
У Сытник обратный процесс: от точного и безупречного, с точки зрения обывательской логики, легко тиражируемого, к образному и уникальному. Трудный путь! Ну что ж, баланс гармонии и дисгармонии, пунктума и штудиума – вот тот оселок, на котором оттачивается мастерство и шлифуется индивидуальность. И на этой стезе Кате в смелости не откажешь. Не откажешь ей и в знании прорывов предшественников, хотя бы, и петербуржцев. Тут и Самарин, со своими «санками», и Чежин со своим кредо, и, мало кому известные, Володя Брыляков и Саша Черногривов. Но, ни за кем не следуя вслепую, она, как и они не останавливается на полпути. Не удовлетворяясь первой стадией - съемкой/фиксацией изображения, осознанно проскакивает и вторую – прямую печать внешнего слоя. Она раскрывает в тронутом светом листе более глубокие пласты, которые парадоксально оказываются высшими и проявляют сокровенный смысл прикосновения света. В результате, отпечатанные ей оттиски подобны находкам палеоботаника, считывающего в сколах камней формы и объемы реликтовых растений. По эмоции сходны счастью библиофила - владельца уникального фрагмента ветхого манускрипта. Или - удивлению и радости удачливого энтомолога, увидевшего диковинное крыло пойманной в сачок чудо-бабочки и бережно убаюкавшего её останки в своем гербарии.
Несомненно, создаваемые Сытник образы способны тронуть лишь зрителя с синхронно вибрирующей душой. Но даже и в такой душе резонанс может возникнуть, а, может, и нет. Но если возникнет, то, как известно, он способен привести к разрушению, в нашем случае - обычного и привычного взгляда на мир. И на фотографию. Тем самым, ведя к ускорению сознания и изменению мира. Что крайне ценно уже не только для конкретной персоны!
Не знаю, вырастет ли Катя в большого художника, или уведёт её жизнь в какую-то иную сторону, но, несомненно, что Екатерина Сытник – Имя Собственное. А это и в бытие и в творчестве дорогого стоит! В каждой стае одной генерации, подчас, появляется влияющий на мутацию последующих особей всего вида индивид. Задача искусствоведа, утверждает американский искусствовед Джон Жарковский, выделить из всей стаи именно его. Я не искусствовед, но фотографа Сытник полюбил крепко».
АЛЕКСАНДР КИТАЕВ »»
22.1.2007

ГЦСИ(Москва). Эгле Ракаускайте проект «Супермаркет»...

Первая персональная выставка Эгле Ракаускайте в Москве состоялась в 2002 году в галерее XL. В видеоинсталляции «Лица» огромные изображения людей «стекали» с длинных вертикальных экранов, предельно приближенных к зрителю. Выставка «Эта моя жизнь», прошедшая в 2003 году в ГЦСИ, представила три видеопроекта Эгле, созданные в Европе и Америке, в которых художница выступала одновременно автором и персонажем своих видеодокументов. Проект «Супермаркет», презентация которого состоится в ГЦСИ, представляет работы из серии «Мой адрес не дом и не улица, мой адрес торговый центр»: «Двойное удовольствие по цене одного» (2004, DVD, 11'), «Тесный, как шкаф» «2004, DVD, 3'56), «Убежища» (2004, DVD, 3'48), «Защита конфиденциальности» (2004, DVD, 2'50), показанные в 2005 году в Вильнюсском Центре современного искусства.
В рамках встречи состоится обсуждение особой стратегии «жизни в искусстве», которую избрала для себя Эгле Ракаускайте.
Проблемы «жизнеподобного искусства» (термин Капроу), в котором границы между жизнью и искусством стирались, стали ключевыми в художественных практиках и критике приблизительно тогда, когда родилась Эгле Ракаускайте. К концу 1960-х художники создали множество стратегий подвергания сомнению и разрушения модернистских мифов об «искусствоподобном искусстве» (снова Капроу), которые создал классический модернизм. Это было время, когда молодое поколение обратилось к «жизнеподобному искусству». Оно объявляло искусством все, оно утверждало, что частное и публичное, традиционно считавшиеся двумя разделенными сферами, теперь объединены; в те времена художницы-феминистки заявляли, что все личное являлось политическим. За последние 30 лет стало очевидно, что уроки Марселя Дюшана, а за ними – Йозефа Бойса были усвоены правильно. В противоположность модернистским мифам, после-модернистские художники и критики создали новый миф – о слиянности искусства и жизни. <…> Эгле Ракаускайте можно считать одним из таких художников, задействованных в процессе стирания границ между искусством и жизнью. Ранее в своей художественной практике она создавала объекты и инсталляции из «не-живописных» и «не-скульптурных» материалов, используя вместо них природные материалы или бытовые предметы. <...> Она работала с перформансами и «живыми скульптурами» – видами искусства, наиболее приближенными к жизни, поскольку они требуют присутствия человеческого тела. Тем не менее, пожалуй, Эгле Ракаускайте – художник, понимающий, что как только она начинает работать с «реальной жизнью», она включается в процесс «уничтожения» ее, а не создает работы, где искусство счастливо соединяется с жизнью. <…> Более тридцати лет спустя после того, как была создана парадигма о слиянности искусства и жизни, целесообразно задать вопрос: а что же в действительности происходит с «реальной жизнью», когда Эгле Ракаускайте использует ее в своем искусстве? (Бояна Пейджик).
Эгле Ракаускайте – одна из самых известных в мире литовских художников, участница Стамбульской (1997), Венецианской (1999), Женевской (2003) Биеннале, Биеннале в Граце (2005). Произведения Ракаускайте находятся в музейных собраниях Вильнюса, Стокгольма, Вены, Афин, Москвы
Вход свободный
Государственный Центр современного искусства Зоологическая улица, дом 13, строение 2 метро «Баррикадная», «Краснопресненская» Отдел общественных связей ГЦСИ »»
23.1.2007 - 20.2.2007

Государственный центр фотографии представляет выставку «По обе стороны» Дениса Синякова и Сергея Пономарева...

Государственный центр фотографии представляет фотовыставку двух российских фотографов Дениса Синякова (France Presse) и Сергея Пономарева (Associated Press), увидевших изнутри ливано-израильскую войну. Две страны - Ливан и Израиль - на несколько недель то ли приютившие, то ли отторгшие, стали для фотографов не просто местом работы. Они стали их домом. Оказавшись в эпицентре трагедии, журналисты ощутили весь трагизм происходящего на себе. Эта выставка - попытка рассказать о войне, о людях, потерявших дома и семьи, об их страданиях и горе. Чтобы понять суть происходящего, необходимо быть его участником или хотя бы видеть это своими глазами. Большая удача - не жить политизированными телевизионными новостями и не рассуждать штампами: агрессоры, оккупанты, жертвы.
Денис Синяков: «Работая в Израиле и общаясь с простыми жителями, я понял, что они хотят только одного, чтобы я, как очевидец, рассказал своим друзьям и близким в моей стране о том, что здесь происходит. О том, что они люди, проведшие полтора месяца в бомбоубежищах или вовсе покинувшие свои дома , волновавшиеся за своих близких, солдат и резервистов армии обороны Израиля, оплакивавшие более ста из них. O людях, чьи дома на севере разрушены и о том, что для них существует причина для этой войны, войны, в которой нет победителей».
Сергей Пономарев: «Несчастье людей, безусловно, явление сугубо личное. Но если его не увидеть, не попытаться понять, то вряд ли можно адекватно отреагировать. Тем более нельзя помочь. Ливан стал для меня не очередной командировкой. Он заставил меня прочувствовать боль, страдание, вынужденную месть и кровь- Объектив фотокамеры стал зеркалом чужой трагедии, слепком моей памяти». »»
23.1.2007

Выставочный зал ГЦСИ- презентация проекта художницы маркеты Отовой и встреча с куратором Павлом Ванчатом в рамках выставки «I DON’T WANNA TALK»...

23 января, вторник, 17.00
В рамках Первого международного московского фестиваля искусств «Традиции и современность» в Центральном выставочном зале Манеж пройдет выставка «I don’t wanna talk» при участии куратора Павла ВАНЧАТА и художников Маркеты ОТОВОЙ и Михала ПЕХОУЧЕКА. На выставке представлены избранные работы современных чешских художников молодого поколения, работающих с фотографией и видео. Среди них есть как авторы, занимающиеся фотографией профессионально, так и художники, которые «паразитируют» на фотографии или колеблются между фотографией и видео. Но всех их объединяет тенденция перерабатывать в рамках выбранной техники художественные и технические средства, чем достигается новая, очищенная форма произведения, которое, впрочем, невозможно описать с полной точностью, так как оно говорит своим собственным, еще не вполне сформировавшимся языком. На выставке представлены авторы: Маркета Отова, Алена Котцманнова, Михал Калгоус, Михал Пехоучек, Лукаш Кубец, Душан Скала, Иржи Тын, Тереза Кабуркова. Маркета Отова – международно признанный художник, окончила пражский Институт прикладного искусства, в 2002 году получила Премию имени И.Халупецкого для чешских художников до 35 лет. Ее новаторское понимание черно-белой фотографии, оторванное от модернистской традиции и приближающееся к форме инсталляции, работает с интимностью видения, пронизанной ссылками в сферы искусства и поп-культуры, а также мягким юмором. Её работы были представлены на множестве выставок в Чехии и за рубежом (Carnegie International, 1999, Kunsthalle Basel 2000, Photographer's Gallery, London, 2006).
Павел Ванчат занимается историей фотографии и современным искусством.
Является соредактором журнала «Фотограф», в качестве куратора подготовил, например, выставки INOUT (Praha, 2003), "Фотография" (Klatovy, Brno, 2005), «Мирослав Тихи» (Brno, 2006). В рамках презентации проекта Маркеты Отовой куратор и критик Павел Ванчат расскажет о современной чешской фотографии, ее отправных точках и тенденциях в период дигитализации и глобализации.
Вход свободный
Государственный Центр современного искусства - Зоологическая улица, дом 13, строение 2 - метро «Баррикадная», «Краснопресненская» - Отдел общественных связей ГЦСИ - тел. (495) 254 84 92, факс (495) 254 98 53 // _ pr@ncca.ru »»
24.1.2007 - 27.1.2007

ЦВЗ "Манеж" (Москва). Выставка чешских фотографов "I don't wanna talk"...

Выставка чешских фотографов "I don't wanna talk" Куратор Павел ВАНЧАТ
В рамках Первого международного московского фестиваля искусств "Традиции и современность" в Центральном выставочном зале Манеж пройдет выставка "I don't wanna talk" при участии куратора Павла ВАНЧАТА и художников Маркеты ОТОВОЙ и Михала ПЕХОУЧЕКА. На выставке представлены избранные работы современных чешских художников молодого поколения, работающих с фотографией и видео. Среди них есть как авторы, занимающиеся фотографией профессионально, так и художники, которые "паразитируют" на фотографии или колеблются между фотографией и видео. Но всех их объединяет тенденция перерабатывать в рамках выбранной техники художественные и технические средства, чем достигается новая, очищенная форма произведения, которое, впрочем, невозможно описать с полной точностью, так как оно говорит своим собственным, еще не вполне сформировавшимся языком. На выставке представлены авторы: Маркета Отова, Алена Котцманнова, Михал Калгоус, Михал Пехоучек, Лукаш Кубец, Душан Скала, Иржи Тын, Тереза Кабуркова.
Центральный выставочный зал "Манеж" Москва, Манежная площадь, д. 1.
»»
24.1.2007 - 1.3.2007

Галерея Гари Татинцяна (Москва). Выставка "Создай свой музей: от Иконы до Fuck'd"...

Способность к творчеству – это редкий дар, реализовать который удаётся единицам. Творческий склад ума и неординарность мышления – качества, присущие гораздо более широкому кругу лиц и проявляющиеся во всём, чем бы они не занимались. Если вы не открыли в себе каких-то очевидных талантов – художественных, музыкальных, литературных, но с успехом реализовали свои профессиональные возможности, предлагаем Вам направить свой творческий потенциал на создание собственной коллекции предметов искусства.
Выставка "Создай свой музей: от иконы до Fuck'd" – для тех, кто находится в самом начале пути и стоит перед выбором принципа коллекционирования. Она будет интересна и тем, кто уже имеет определённый опыт собирания, но разочарован отсутствием оригинальности созданного ими продукта и не видит перспектив его развития. Надеемся, что она может спровоцировать интерес к искусству и у публики, не помышлявшей прежде о коллекционировании.
В основе выставки представлены объекты из частной коллекции: от выдающейся иконы 15 века (Св. Георгий), лучших фотографий Родченко, Мохой-Надь, графики первых имён русского авангарда (Малевич-Чашник) до работ современных художников, как российских (Чубаров, Пурыгин), так и западных (Condo, Chapman brothers, Matelli). Многие из современных работ откровенно провокативны. А их объединение в одном пространстве с выдающимися образцами древнерусского искусства кому-то может показаться бессистемным, недопустимым, и даже скандальным.
Для нас – такая подборка работ – не вызов, не скандал, не способ привлечения внимания. Это совершенно осознанный и системный подход, если считать, что в основу системы положен принцип коллекционирования уникальных объектов искусства разных времён и народов.
Большинство из нас, делая первые шаги в каком-то начинании, находятся под давлением существующих стереотипов и не могут отбросить шоры, ограничивающие горизонт возможностей. Задача нашей выставки – показать, что и в такой традиционной сфере как коллекционирование, можно проявить своё собственное "я", быть неординарным, свободным, оригинальным.
Коллекционер не создаёт новых работ. Но то, каким образом он объединяет произведения в свою коллекцию, тот конечный продукт – сама коллекция, часто бывает гораздо сильнее и интереснее, чем просто совокупность объектов, превращаясь в настоящее произведение искусства. В этом смысле коллекционер – это тот же художник. Он видит не просто достоинства того или иного объекта. Рассматривая объект, он анализирует, в какой диалог он мог бы вступить с уже имеющимися в коллекции работами. Либо в окружении каких работ (возможно, которых ещё нет в коллекции) он зазвучал бы сильнее и полновеснее. Поэтому помимо значения и ценности каждой работы, дополнительно создаётся некий интеллектуальный продукт со своей атмосферой коммуникации объектов между собой – с одной стороны, и между коллекцией объектов и зрителями – с другой.
В основе нашего подхода к созданию коллекции, с одной стороны – знания, вкус, опыт, а с другой – в определённой степени наглость, отрицание существующих норм и правил, безразличие к чужому мнению. Кто-то может назвать это всеядностью, но здесь нужно сделать одну существенную оговорку – из разных стилей, времён и жанров, избраны действительно важные знаковые работы, иконы в широком смысле этого слова.
Объединение выбранных нами работ в одном выставочном пространстве может произвести шоковое впечатление. Но это и есть та необходимая шокотерапия, стимулирующая к творчеству, помогающая нам избавиться от запретов и ограничений, раскрепоститься, выйти из привычного амплуа.
Как смогут сосуществовать в одном пространстве безупречно выверенные работы Питера Хелли и Реми Цаугга с разнузданными до хулиганства скульптурами Тони Мателли, братьев Чапманов и живописной системой элементов нео поп-арта, созданной Джорджем Кондо?
Есть ли связь между элегантнейшим образцом русской живописной культуры 15 века – иконописным изображением Св.Георгия, постмодернистским складнем-иконостасом Лёни Пурыгина и изысканными абстракциями – образцами живописной "ювелирки" Евгения Чубарова?
Выставка "Создай свой музей..." провоцирует всё новые и новые вопросы, вызывая вас к диалогу, что и было главной целью организаторов.
Её важность состоит не просто в знакомстве с новыми произведениями искусства, с именами, малоизвестными в Москве, но, прежде всего в том, что она даёт новый способ видеть, думать, оценивать и принимать решения в вопросах искусства и коллекционирования.
Gary Tatintsian Gallery,Inc. Россия 109012 Москва, ул.Ильинка, 3/8, стр.5 Tel. (+ 7 495) 101 21 02 Fax. (+ 7 495) 101 21 04 »»
24.1.2007 - 4.2.2007

Государственный Эрмитаж (Молодежный образовательный центр) и ГЦСИ представляют видеоинсталяцию Людмилы Беловой «Зал N» в рамках образовательной программы "Актуальное искусство"...

В памяти у каждого посетителя музея сохраняется и нужное, и ненужное. Как выловить в потоке впечатлений ту истину, которая должна же быть? Как найти в Эрмитаже свой зал N?
Людмила Белова – художник, озабоченный простым и главным вопросом: что происходит на самом деле? Что мы действительно видим?
Этот фундаментальный вопрос, приходя в голову разных авторов в разное историческое время, порождал фундаментальные системы изображения. Миры, начерченные шаманами и небесные сферы, изображенные иконописцами. Перспектива линейная, ортогональная и обратная. Моделировка пространства пуссеновская и сезанновская. Светотени Рембрандта и цветные пятна пуантилистов. Мучения Петрова-Водкина и бредни дадаистов. Все это (всего не перечесть) мотивировано стремлением прорваться к реальности. Какой? Той, что мы видим? Той, что, как нам кажется, мы видим? Той, что мы помним или должны вспомнить? Реальности того, что где-то глубоко внутри, так, что и не заметно? Очевидности того, что на поверхности настолько, что игнорируется? Нельзя передать все. Художник должен сделать свой выбор, построить свою систему приоритетов, создать свой язык изображения.
Людмилу Белову занимает информационный шум. Мусор. Помехи. Вынужденные ракурсы и навязанные точки зрения. То, что принято не замечать, о чем вообще не принято говорить, что остается за пределами критики, как вещество антихудожественное, бессмысленное и случайное – но что занимает процентов 90 того, что мы вообще видим, слышим и знаем. Холодноватые и рационалистичные работы Людмилы Беловой при ближайшем рассмотрении становятся страшноватыми. Современный человек (или вообще человек?) оказывается приемником-передатчиком информации, в большинстве своем ненужной, суррогатной, фальшивой, и, вероятно, вредной. Из чего же состоим мы сами? Что у нас в голове? Как выловить в потоке мусора ту истину, которая там есть (должна же быть)? Как опознать в информационном потоке, протекающем через собственный мозг, свои кровные, драгоценные мысли и чувства? Как найти в Эрмитаже свой зал N?
Марина Колдобская

Выставка проходит в залах Молодежного центра Эрмитажа, расположенных в здании Главного штаба, вход с набережной реки Мойки. По отношению к основным экспозиционным залам Эрмитажа, это, в общем–то, зал N. Немногие знают, где это… Но тем и славится Эрмитаж, что в нем можно заблудиться и не сразу найти тот зал, где висит любимая картина. Сначала приходится поблуждать и увидеть многое другое, устать, потерять всяческую способность к восприятию, и наконец-то, оказавшись перед вожделенным шедевром, насладиться разглядыванием его сквозь спины и головы таких же измученных современников… В памяти остается всё: и нужное и ненужное: фрагменты живописи, плывущие над головой огромные люстры, разговоры по мобильному телефону впереди идущей девушки, гул многоязычной толпы, двери, лестницы, анфилады, обсуждение пенсии сидящими в углах смотрительницами, громкий голос экскурсоводов, стук каблуков по паркету… В памяти у каждого сохраняется свой Эрмитаж, свой зал N.
В воспоминаниях об Эрмитаже из детства отчетливо вижу граненую, розового стекла дверную ручку, которая заслонила все увиденное, она так сверкала, и до неё можно было дотянуться…
Мне было 5 лет.
Людмила Белова
Кураторы: М.Д. Колдобская, С.В. Кудрявцева. »»
24.1.2007 - 14.2.2007

Новосибирский государственный художественный музей представляет выставку Анатолия Николаевича Никольского "Нефрит и жемчуг озера Сиху"...

С осени 2005 г. Анатолий Николаевич Никольский совершил три поездки в Китай. Эти путешествия ему организовал старинный друг Чжан Хуацин, с которым он учился когда-то в ленинградском институте им. И.Е.Репина. Оба стали известными художниками. Возобновлённая дружба вылилась для Анатолия Николаевича новыми впечатлениями от поездок в Китай, каковых было три. Последняя - осенью 2006 г. - принесла ему триумфальное признание в Поднебесной. На международной выставке, посвящённой озеру Сиху на интернациональном художественном форуме знаменитых художников, его картины "Осень. Летят журавли" и "Дворик" признаны лучшими, о чём свидетельствуют медаль и диплом, полученный художником. Это настоящий триумф сибирского мастера, который представлял уровень отечественного искусства. Анатолий Никольский, в очередной раз знакомя новосибирских зрителей со своими работами, умеет удивить своим мастерством и уровнем проникновения в суть и характер, казалось бы, чуждых нам культур. В этом заключается его гуманизм, приемлющий богатство земного и человеческого мира в самых неожиданных проявлениях. Пребывание в Шанхае, Пекине и, особенно в Ханчжоу, древней столице китайского царства Южное Сун, который всегда славился как крупный культурный центр с Академией художеств, основанной еще в XII веке, дало толчок к появлению новых сюжетов и совершенствованию своей живописной манеры. Картины его похожи на драгоценности, переливаясь изысканной цветовой гаммой нефритовых серо-зелёных оттенков. Его почерк сродни китайскому пониманию формального, где простота композиции помножена на глубину переживания. Воспетое многими за свою фантастическую красоту озеро Сиху в окрестностях Ханчжоу по праву нашло своего поэта и в русской стороне. Все работы, написанные в Китае, художник оставил там. Работы, представленные на выставке выполнены в Новосибирске и они являются своеобразным эхом, донёсшимся до нас с далёких берегов лучшего озера Поднебесной.
Около 100 работ на выставке представят не только те, которые созданы по следам путешествия художника в Китай, но и некоторые, написанные во время поездки в Сирию, что поможет посетителям в полной мере насладиться талантом интерпретатора, свойственного нашему знаменитому художнику.
А.Д.Клушин, искусствовед, куратор выставки »»
24.1.2007 - 2.2.2007

Проект «Поколение». Новые поступления галереи «КИНО»...

- продолжает серию выставок, подробно освещающих художественные процессы и явления отечественного искусства 60-70-х годов
Вернисаж для гостей и прессы – 23 января (Вт) в 18.00
Период 1960-х годов дал нашей художественной культуре ряд ярчайших имен навсегда записанных в истории отечественного искусства – Анатолий Зверев, Владимир Яковлев, Дмитрий Краснопевцев, Дмитрий Плавинский, Николай Вичтомов, Валентина и Евгений Крапивницкие, Владимир Немухин, Эрнст Неизвестный, Олег Целков и др., чьи имена сегодня широко известны. В последние годы прошло большое количество персональных выставок этих представителей «другого искусства». Некоторые из них были организованы Государственной Третьяковской Галереей совместно с галереей КИНО (1998 г. – Персональная выставка Ф. Инфанте и Н. Горюновой «Контекст», 1999 г. – Художественный проект «Анатолий Зверев», 1999 г. - Персональная выставка Дмитрия Краснопевцева)
В последние годы Галерея Кино уже на своей площадке провела первую в России персональную выставку Лидии Мастерковой, опубликовала графическое наследие Анатолия Зверева и Владимира Яковлева из частных собраний.
Предлагаемый проект продолжает знакомить с представителями этого поколения. Новые поступления галереи «КИНО» - графические листы Владимира Яковлева и Анатолия Зверева в экспозиции будут соседствовать с работами художников менее известных. Александр Шнуров, Александр Горохов, Виталий Сазонов, Игорь Ворошилов, Эдуард Курочкин, Надежда Гайдук, принимали участие во многих знаменитых и скандальных одновременно выставках – «бульдозерной», однодневных на частных квартирах и в мастерских, в ЦДРИ, в ФИАНЕ, в выставочном зале Горкома Графиков на Малой Грузинской.
Для огромного количества зрителей их работы являлись глотком свободы, примером истинного, свободного творчества, погружали в атмосферу смелого творческого эксперимента.
Личные и творческие судьбы художников этого поколения сложились по-разному. Многие получили заслуженное признание в эмиграции, некоторые не успели в полной мере раскрыть свой талант и рано ушли из жизни, кто-то продолжает жить и работать в России. Сохранить для нас работы этих мастеров в первую очередь помогли частные коллекционеры. Именно из их коллекций формируются сегодня выставки, музейные собрания. Небольшое количество работ осталось у друзей, единомышленников и до сих пор висят на стенах художнических мастерских. Многие известные коллекционеры, собирающие «другое искусство» - Георгий Костаки, Александр Глезер, Леонид Талочкин, Татьяна Колодзей, Евгений Нутович и другие, помогли сохранить это бесценное наследие. Произведения из их коллекций неоднократно выставлялись и публиковались. Однако были и другие, чьи имена нам неизвестны, но чей вклад не менее значим. Так, в данной экспозиции работы А. Горохова и А. Шнурова представлены из коллекции Л. Комберга, работы Игоря Ворошилова и Эдуарда Курочкина - представлены Сергеем Александровым, Надежа Гайдук сохранила полотна Виталия Сазонова. Разные по своему художественному качеству, все эти произведения, тем не менее, дополняют наше представление об этом ярком поколении.
Куратор выставки: Елена Юренева.
Выставка открыта с 12 до 19 часов ежедневно, кроме субботы и воскресенья.
Адрес: Большой Ржевский пер., д. 8 (вход с ул. М. Молчановка) »»
24.1.2007 - 24.2.2007

Галерея Гари Татинцяна (Москва). Выставки «Создай свой музей: от Иконы до Fuck'd». ...

Способность к творчеству - это редкий дар, реализовать который удаётся единицам. Творческий склад ума и неординарность мышления – качества, присущие гораздо более широкому кругу лиц и проявляющиеся во всём, чем бы они не занимались. Если вы не открыли в себе каких-то очевидных талантов - художественных, музыкальных, литературных, но с успехом реализовали свои профессиональные возможности, предлагаем Вам направить свой творческий потенциал на создание собственной коллекции предметов искусства. Выставка "Создай свой музей: от иконы до Fuck'd" - для тех, кто находится в самом начале пути и стоит перед выбором принципа коллекционирования. Она будет интересна и тем, кто уже имеет определённый опыт собирания, но разочарован отсутствием оригинальности созданного ими продукта и не видит перспектив его развития. Надеемся, что она может спровоцировать интерес к искусству и у публики, не помышлявшей прежде о коллекционировании.
В основе выставки представлены объекты из частной коллекции: от выдающейся иконы 15 века (Св. Георгий), лучших фотографий Родченко, Мохоли-Наджи, графики первых имён русского авангарда (Малевич-Чашник) до работ современных художников, как российских (Чубаров, Пурыгин), так и западных (Condo, Chapman brothers, Matelli). Многие из современных работ откровенно провокативны. А их объединение в одном пространстве с выдающимися образцами древнерусского искусства кому-то может показаться бессистемным, недопустимым, и даже скандальным. Для нас - такая подборка работ - не вызов, не скандал, не способ привлечения внимания. Это совершенно осознанный и системный подход, если считать, что в основу системы положен принцип коллекционирования уникальных объектов искусства разных времён и народов.
Большинство из нас, делая первые шаги в каком-то начинании, находятся под давлением существующих стереотипов и не могут отбросить шоры, ограничивающие горизонт возможностей. Задача нашей выставки – показать, что и в такой традиционной сфере как коллекционирование, можно проявить своё собственное «я», быть неординарным, свободным, оригинальным.
Коллекционер не создаёт новых работ. Но то, каким образом он объединяет произведения в свою коллекцию, тот конечный продукт – сама коллекция, часто бывает гораздо сильнее и интереснее, чем просто совокупность объектов, превращаясь в настоящее произведение искусства. В этом смысле коллекционер – это тот же художник. Он видит не просто достоинства того или иного объекта. Рассматривая объект, он анализирует, в какой диалог он мог бы вступить с уже имеющимися в коллекции работами. Либо в окружении каких работ (возможно, которых ещё нет в коллекции) он зазвучал бы сильнее и полновеснее. Поэтому помимо значения и ценности каждой работы, дополнительно создаётся некий интеллектуальный продукт со своей атмосферой коммуникации объектов между собой – с одной стороны, и между коллекцией объектов и зрителями – с другой. В основе нашего подхода к созданию коллекции, с одной стороны – знания, вкус, опыт, а с другой – в определённой степени наглость, отрицание существующих норм и правил, безразличие к чужому мнению. Кто-то может назвать это всеядностью, но здесь нужно сделать одну существенную оговорку – из разных стилей, времён и жанров, избраны действительно важные знаковые работы, иконы в широком смысле этого слова.
Объединение выбранных нами работ в одном выставочном пространстве может произвести шоковое впечатление. Но это и есть та необходимая шокотерапия, стимулирующая к творчеству, помогающая нам избавиться от запретов и ограничений, раскрепоститься, выйти из привычного амплуа.
Как смогут сосуществовать в одном пространстве безупречно выверенные работы Питера Хелли и Реми Цаугга с разнузданными до хулиганства скульптурами Тони Мателли, братьев Чапманов и живописной системой элементов нео поп-арта, созданной Джорджем Кондо? Есть ли связь между элегантнейшим образцом русской живописной культуры 15 века – иконописным изображением Св.Георгия, постмодернистским складнем-иконостасом Лёни Пурыгина и изысканными абстракциями – образцами живописной “ювелирки” Евгения Чубарова? Выставка "Создай свой музей…" провоцирует всё новые и новые вопросы, вызывая вас к диалогу, что и было главной целью организаторов.
Её важность состоит не просто в знакомстве с новыми произведениями искусства, с именами, малоизвестными в Москве, но, прежде всего в том, что она даёт новый способ видеть, думать, оценивать и принимать решения в вопросах искусства и коллекционирования. »»
24.1.2007 - 26.2.2007

Чувашский государственный художественный музей (Чебоксары) выставка Владимира Шагина...

Выставка "118 рисунков Владимира Шагина" из собрания Государственного музея "Царскосельская коллекция" (Санкт-Петербург, г.Пушкин) раскрывает одно из уникальных явлений в петербургском искусстве 60-х - 70-х годов.
В залах Центра современного искусства Чувашского государственного художественного музея представлены никогда не выставлявшиеся ранее работы Владимира Шагина, поступившие в "Царскосельскую коллекцию" из собрания Галины и Натальи Писаревых, Олега Фронтинского, Дмитрия Шагина (сына художника, из группы художников "Митьки"), Андрея Кузнецова (ученика художника). Это рисунки городских пейзажей - окраин и пригородов, бытовые сценки, сюжеты из рыцарских времен.
Большинство представленных на выставке рисунков, особенно это касается жанровых или бытовых композиций, созданы в начале 60-х годов, когда Шагин попал на принудительное лечение в специальную психиатрическую больницу, которую сам художник называл "филиал КГБ". Не имея там возможности заниматься живописью, он сформировал свою изобразительную систему в графике. Единственным материалом для художника являлся огрызок мягкого графитового карандаша и маленький с ладонь кусочек бумаги, который использовался в больничной столовой вместо салфетки. В этих рисунках художник с неизъяснимой любовью и силой проживает свою жизнь, все самое главное для него. Женщины, вечеринки, свидания, беседы, выяснение отношений, драки, дружеский спор, семья, мать, одевающая ребенка - все заново переживается в этих рисунках с неистовой силой, пропевается с глубокой нежностью как знакомый до боли любимый мотив.
Именно в этих рисунках Шагин открыл и сформулировал свою изобразительно-пластическую систему. В них он и скульптор, и гравер, и архитектор, и просто тонкий, виртуозный рисовальщик. Каждый рисунок словно стоп-кадр из классики итальянского неореализма. Такое чувство, что все рисунки напряжены в ожидании щелчка выключателя кинопроектора. Целлулоид пленки задвигался, и все персонажи ожили, заговорили. Отсеченный от мира стенами психушки мастер возвращает себя в жизнь, так горячо любимую им, придавая своим композициям конструктивную слаженность и классическую ясность, особо ценимую им в поэзии Пушкина. "И пальцы просятся к перу, перо к бумаге, минута и стихи свободно потекут..." В какой-то мере Шагин литературен - хотя не вкладывает в свою бытовую картину ни повествования, ни рассуждения, а только им же созданный сжатый поэтический образ. Его красота - не результат идеализации, не нечто украшенное или изысканное, не мечта, греза, преображенный или иной мир - напротив, она единственное подлинное и понятное, что есть в этом мире. Она бытийственна, чувственна и горделиво проста. Ни одной неуверенной линии, ни одной фальшивой эмоциональной ноты. Владимир Шагин - "Честнейший рыцарь искусства" »»
25.1.2007 - 9.2.2007

Галерея "Д137"(СПб). Франческо Мария Бибеско «Diary of the Narrator"/ "Дневник повествователя» коллаж. ...

ФРАНЧЕСКО МАРИЯ БИБЕСКО
«Diary of the Narrator"/ "Дневник повествователя» коллаж
Совместно с галереей "La Bertesca" (Генуя, Италия)
Франческо Мария Бибеско родился в 1941 году в Италии, свою художественную карьеру начал как живописец в Риме в поздние шестидесятые; в семидесятые годы он приходит к фигуративному искусству. Его работы этого периода можно найти коллекциях в Италии, Германии, Англии. Вскоре художник обращается к технике коллажа. В 1990 году принимает участие в Форуме Кюнстмессе в Дюссельдорфе в Германии, где представляет необычные работы, как бы симулирующие фигуративную живопись. Живя в Германии, Бибеско был связан с работами немецких дадаистов из Ганновера и Берлина, отчасти находился под влиянием венца Рауля Хауссманна. «Бибеско – художник-аутсайдер, на протяжении всей своей жизни он часто менял направления своих творческих поисков, находя вдохновение в исследовании новых поворотов в искусстве. Сложность его работ проистекает из свойств его личности: возможно, он ощущает себя художником-аутсайдером, так как не может быть удовлетворен тем, чтобы просто следовать современным направлениям в искусстве. В своем творчестве он всегда отталкивался от необычных, новаторских идей, что вполне соотносится с современными тенденциями»,- Стефано Канепа.
На выставке итальянского художника Франческо Мария Бибеско в галерее «Д137» будут представлены работы последних лет, выполненные в технике коллажа. «Элементами коллажей послужили фрагменты главным образом американских журналов 50-70-х годов, а также американских и европейских газет того же периода, текстуальные включения заимствованы из французской и английской литературы. Таким образом, используемый материал, с которым предпочитает работать художник, преимущественно документального, фактологического характера. Творческий метод художника проявляется в манипулировании временем.
Подобно нашей памяти, аккумулирующей отдельные воспоминания, Бибеско, сталкивая в плоскости своих коллажей эпизоды тогдашней жизни, лично его волнующие, создает перед нами проекцию времени, прошлое помещает в виртуальное пространство настоящего. Соответственно коллажи Бибеско по сути как бы являются эстетическими документами рассматриваемого периода, передающими основные тенденции в американской и европейской культуре»,- Ирина Филатова.
Галерея "Д137"
Россия 191025 Санкт-Петербург
Невский пр., 90-92
Тел./факс +7 812 2756011
Галерея работает ежедневно, кроме воскресенья и понедельника, с 12.00 до 19.00. »»
25.1.2007 - 21.2.2007

25 января в Мраморном дворце ГРМ открывается выставка «Оттепель», приуроченная к 15-летию галереи М.Гельмана...

. Экспозиция организована совместно с фондом содействия современному искусству Марата Гельмана.
В 2001 году Государственному Русскому музею частной галереей Марата Гельмана была подарена коллекция, которая насчитывает более семидесяти произведений живописи, фотографий и инсталляций современного российского искусства. Среди авторов, представленных в коллекции «Дар Марата Гельмана», такие известные имена как «новые американцы» Комар & Меламид, Гриша Брускин и Александр Косолапов, звезды украинской арт-сцены Арсен Савадов и Василий Цаголов, ленинградцы Ольга и Александр Флоренские и Олег Хвостов, казах Ербол Мельдибеков, а также наиболее заметные москвичи — Олег Кулик, группа «АЕС», тандем Александра Виноградова и Владимира Дубосарского и другие.
Выставка «Оттепель, или In the middle of the road» построена как интеллектуальное приключение, предлагающее проследить историю существования галереи. Качество и значимость экспонатов обещают путешественнику отменные эстетические впечатления.
Постоянные авторы галереи выступают в своих новейших амплуа и с последними работами. Галерея Гельмана, как и художники, с которыми она работает, напрямую включается в процессы жизнедеятельности нашего общества, с его меняющимися реалиями и иллюзиями.
Сотрудничество галереи с Русским музеем открывает широкие возможности для совместной деятельности по формированию художественного процесса и реализации проектов современного отечественного искусства. »»
25.1.2007

ГЦСИ(Москва). Фильм "Макс Эрнст. Часть I" (реж. Питер Шамони, США). Цикл "Американское искусство XX-XXI веков"...

Программа "История и теория современного искусства"
Учебно-образовательный курс "Американское искусство XX-XXI веков"
среда, 19.00
Малый зал ГЦСИ
Просмотр фильма
"Макс Эрнст. Часть I"
(USA, 1991, 50', Режиссер Питер Шамони)
Фильм знакомит с творчеством МАКСА ЭРНСТА (Max Ernst) (1891-1976), немецкого, французского и американского живописца и скульптора, основателя дадаизма, одного из ведущих сюрреалистов и создателя техники коллажа
Государственный Центр современного искусства (ГЦСИ) Зоологическая улица, дом 13, строение 2 М. "Баррикадная", "Краснопресненская" »»
25.1.2007 - 21.2.2007

ЦВЗ "Манеж (Москва) – открытие выставки "Арктика!!!"...

Выставка организована при поддержке ГК "МИАН"
Выставка "Арктика!!!" – рассказывает об истории освоения северных полярных областей России. Со словом "Арктика", перед нами в первую очередь встают скованные льдом моря и бескрайняя ледяная стихия, сполохи северных сияний в долгих полярных ночах, не вернувшиеся в порт назначения суда и занесенные снегом поселки. Но не стоит забывать, что Арктика – это ещё и огромное поле деятельности российских исследователей, насчитывающее не одну сотню лет.
История освоения арктических территорий Россией начинается с IX века, когда новгородцы начали движение на Север в сторону "Студеного моря". Благодаря российским мореплавателям человечество узнало о существовании Шпицбергена, Новой Земли, Северной Земли и Новосибирских островов, Чукотки и Камчатки. Русские полярные мореходы первыми ходили в северных морях: Карском, Лаптевых, Восточно-Сибирском и Чукотском, проникли в Арктический бассейн. Это россияне доказали, что Азия и Америка разделены проливом, они обживали на североамериканском континенте Аляску в интересах Российского государства. Вклад русских исследователей в освоение Арктики неоспорим. Имена Семена Дежнева, Витуса Беринга, Георгия Седова, Бориса Вилькицкого, адмирала Макарова, Александра Колчака знали не только в нашей стране, но и далеко за её пределами.
В тридцатые годы ХХ столетия молодое советское государство не прекратило исследование арктических регионов. Для этой цели создается мощная организация "Главсевморпуть". СМИ того времени уделяли Арктике тогда такое внимание, какое сейчас отводится космосу. Фотографии, включенные в экспозицию, позволяют нам окунуться в историю героизма российских мореплавателей и полярных летчиков, ученых, геологов и геодезистов. Слово "полярник" стало синонимом мужества. Звание Героя Советского Союза учредили в 1934 за подвиги в Арктике и первыми его заслужили полярные летчики. Полярные исследователи Отто Шмидт, Иван Папанин, Георгий Ушаков, Михаил Водопьянов, Марк Шевелев и многие-многие другие стали истинно народными героями.
Хронологически проект включает в себя фотографии за более чем столетний период. На выставке можно увидеть не только фотографии героев-полярников и величественные арктические пейзажи, но и фотоснимки, показывающие нам и историю жизни арктических аборигенов: поморов саами, ханты, ненцев, якутов чукчей.
Арктику фотографировали как фотографы-любители: городской голова Архангельска Яков Лейцингер или врач гидрографической экспедиции Северного Ледовитого океана Леонид Старокадомский, так и профессиональные фотографы: Петр Новицкий, Владислав Микоша, Яков Халип, Дмитрий Дебабов, Роман Кармен. Во время Второй мировой войны боевые действия в Заполярье снимали Роберт Диамент и Евгений Халдей, Сергей Шиманский.
Арктика 60-80-х годов прошлого столетия представлена работами Геннадия Коносова и Виктора Закуменных, Василия Шумкова, Владимира Чистякова, Владимира Волкова, Сергея Бурасовского и других авторов. Завершает композицию работы фотографа знаменитого агентства "Магнум" Георгия Пинхасова, а именно его снимки из фотоальбома "Полярные моря".
Михаил Тонков, директор Департамента маркетинга ГК "МИАН": "С Московским Домом фотографии мы сотрудничаем уже не первый год. Предстоящая выставка "Арктика!!!" – это уникальное собрание редких экспонатов, культурная, художественная и историческая ценность которых, безусловно, велика. Полагаю, что, как и предыдущие проекты МДФ, в которых мы принимали участие, это мероприятие украсит культурную жизнь столицы и будет по достоинству оценено жителями города".
Благодаря выставке можно совершить путешествие по следам полярных экспедиций, по удивительной фотографической летописи Арктики. Московскому Дому фотографии очень приятно, что именно проект "Арктика!!!" открывает "Третий международный полярный год" (март 2007 – март 2008), идею проведения которого предложили российские ученые.
Куратор выставки Сергей Бурасовский »»
26.1.2007 - 26.2.2007

Галерея "Борей"(СПб). Выставка Марины Лукьяновой «Гастрономическое путешествие» ...

«Не понимаю, как это не надоест людям всю жизнь,
каждый день обедать, ужинать,
но сама и обедала и ужинала с
московским пониманием дела»
(Иван Бунин. «Чистый понедельник»).
Пожалуй, ни одна физиологическая потребность человека, кроме голода, не воспета в искусстве и литературе с таким чувством и глубиной. Если верить Вольтеру – прогресс в кулинарии среди цивилизованных народов идет вместе с прогрессом всех других искусств. Трапеза сопровождает жизнь человека во всех ее проявлениях. И процесс поглощения пищи давно перестал быть элементарным актом подкрепления физических сил. Уже одно название застолья характеризует сакральную суть события – праздничный обед, свадебный стол, поминальная трапеза, романтический ужин, деловой обед, завтрак на траве (т.е. пикник) и т.д.
Нормативные правила, идеи классической чистоты были сформулированы в гастрономии раньше чем в литературе или живописи, ибо кухня теплее и ближе к желудку и сердцу, чем студия и кабинет. В словарях XVII - начала XVIII веков слово «гурман» трактовалось как синоним «обжоры», а «Энциклопедия» Дидро и Д’Аламбера уже квалифицирует гурманство как «утонченную и ненасытную любовь к хорошей еде». «9 сортов устриц в руанском рыбном магазине, 26 видов маслин на уличном рынке в Арле, 95 трав и пряностей на одном лотке базара в Ницце…- зачем нужны эти 9, 26, 95? – лучше всего отвечать вопросом: зачем нужны разные книги, картины, песни? Отношение к еде и обращение с едой – достижение культуры…». (П. Вайль. Гений места).
Выставка петербургского художника Марины Лукьяновой «Гастрономическое путешествие» посвящена теме коллективного утоления голода. Если точнее – утолению голода в коллективе. Еще вернее – застолью, которое всегда повод для встречи, общения. Как утверждает все тот же Петр Вайль, русское застолье – разговорное (в отличие, например, от французского – гастрономического). В «Гастрономическом путешествии» Марины Лукьяновой никто не ест, здесь нет едоков. Единственный атрибут трапезы – обеденный стол, объединяющих друзей, которые собрались за ним для общения. ЕДА – как много в этом действе для сердца русского слилось!
Возможно, пришло время оспорить постулат: «Я ем для того, чтобы жить, а не живу для того, чтобы есть». Можно и жить ради того, чтобы есть… Смотря что, с кем, и где… Ведь вся наша жизнь – это одно большое гастрономическое путешествие...
Екатерина Климова »»
26.1.2007 - 28.1.2007

Выставка работ из числа топ-лотов аукциона СОТБИС (Лондон)...

Первые торги Сотбис, с 1988 года специально посвещёнными произведениям русского искусства XX века и современного русского искусства состоятся в Лондоне 15 февраля 2007 - Революция-перестройка (Оценка: £80,000-£120,000*) Эрик Булатов (р. 1933). Холст, масло С 26 по 28 января СОТБИС организует в Москве выставку избранных произведений, которые будут продаваться на торгах в Лондоне, впервые целиком посвященных Русскому искусству XX века и современному русскому искусству, а также работы известных западных классиков. Торги в Лондоне состоятся в четверг 15 февраля 2007 года. На выставке будет представлено более 20 работ, среди которых произведения Лидии Мастерковой, Эрика Булатова и Олега Васильева, многие из них никогда ранее не выставлялись на торги и поступили из частных коллекций Америки, Европы и России. Аукционный дом Сотбис – лидер рынка по продажам русского искусства, в 2006 году он выручил за реализацию произведений русского искусства более £82 миллионов, что на 46.3% выше, чем в предшествовавшем году. Выставка состоится на Якиманской набережной, 4/4, корпус 1. На торгах, которые будут производиться домом Сотбис каторые пройдут следом за аукционами Современного искусства (Sotheby's Contemporary Evening and Day auctions) 1, представляется множество произведений ведущих русских художников послевоенного периода, не состоявших членами официального Союза художников СССР. Будут выставлены работы, принадлежащие к разным видам искусства, включая живопись, скульптуру и фотографию, и относящиеся к 1960-м – 1990-м годам. В июле 1988 года Сотбис провел первый аукцион Русского авангарда и современного советского искусства в Москве (см. иллюстрацию справа). Торги, в которых приняли участие около 2 000 человек, имели огромный успех, и на них было выручено £2 085 050. Только на выставке, устроенной перед продажей, побывало более 11 тысяч посетителей. Экспозиция содержала произведения художников-нонконформистов, таких как Илья Кабаков, Эдуард Штейнберг, Гриша Брускин и Владимир Немухин. Обсуждая вопросы обширного и привлекательного рынка русского искусства, Джо Викери (Jo Vickery), исполнительный директор и глава Русского Отделения в Лондоне, сказала: "В прошлом году те подразделения Сотбис в Лондоне, которые занимаются продажей произведений современного русского искусства, работали чрезвычайно успешно. Они выручили более £2,6 миллионов, и в ответ на потребности этого развивающегося рынка и запросы наших все более заинтересованных клиентов Аукционный дом Сотбис впервые проведет в Лондоне аукцион, целиком посвященный произведениям Русского искусства XX века и современного русского искусства. Эти торги, посвященные лишь Русскому искусству, будут проводиться почти через 20 лет после первых продаж Аукционным домом Сотбис в Москве произведений Русского искусства XX века и современного русского искусства, имевших ошеломительный успех. Предполагается, что такие торги станут регулярным событием календаря аукционов Сотбис". "Возрастающий спрос на произведения русского искусства – одно из самых успешных явлений международного рынка последних нескольких лет. В последние три года произошло огромное расширение рынка Русского искусства, ранее традиционно включавшего в себя лишь произведения XIX века и живописные произведения XX века, а также работы Фаберже и предметы русского декоративного искусства. В 2006 году на Сотбис дважды были организованы продажи русских книг, карт и фотографий для того, чтобы удовлетворить постоянно растущие потребности наших клиентов." Соц-арт (советское поп-искусство) Одна из наиболее важных работ, выставленных на торги, – это произведение Эрика Булатова (род. 1933) "Революция-перестройка", которое поступило из частной американской коллекции и является выдающимся примером Соц-арта. Движение "Соц-арт" сформировалось к концу брежневской эры, и его инициаторами выступили Виталий Комар (произведения которого также представлены на торгах) и Александр Меламид, разработавшие новую форму искусства, которая пародировала социалистический реализм. Движение, на которое оказал серьезное влияние представитель поп-искусства Энди Уорхол (Andy Warhol), приобретало все большую популярность и стало доминирующим среди течений андеграунда. Представители андеграунда использовали многообразие выразительных средств, не отдавая исключительного предпочтения живописи. Эрик Булатов, который в 1952 -1958 годах учился в Московском высшем художественно-промышленном училище имени В.И. Сурикова, был одним из выдающихся представителей нон-конформизма в Советском Союзе, и как многие из его собратьев по нон-конформизму, успешно зарабатывал на жизнь, иллюстрируя детские книги. Булатов уделял особое внимание взаимоотношениям искусства и общества и пытался в своих работах совместить идеи авангарда, традиции конструктивизма 1920-х годов и реализма. В его творчестве превалирует ярко выраженное и в произведении "Революция-перестройка" (иллюстрация располагается на обложке) наложение текста на вымышленное пространство и на реалистическое изображение. Присутствие текста порождает ассоциации с советской пропагандой, плакатами и транспарантами и намекает на мощь влияния правительства на общество. Предварительная оценка этого произведения £80 000-£120 000. Другое значительное произведение – картина Олега Васильева (род. 1931) , выполненная маслом на холсте, "Пейзаж и Пространство" (иллюстрация приведена выше). Он работал вместе с представителем соц-арта Эриком Булатовым и создал новый стиль в живописи, используя в своих произведениях комбинацию фотореализма и текста – новаторский подход для его времени. Васильев, на которого оказал влияние ведущий график и художник Владимир Фаворский (1886-1964), в начале своего творчества следовал по тому же пути, что и Илья Кабаков (род.1933), и учился иллюстрировать детские книги в Высшем художественно-промышленном училище имени В.И. Сурикова в Москве. В картине "Пейзаж и Космос" Васильев пользуется фотореализмом, чтобы создать "реальный" пейзаж, который он видоизменяет, вводя в композицию полотна нереальное свечение. Впервые эта работа, поступившая из частной американской коллекции, предлагается на аукционе, и ее предварительная оценка составляет £20 000-£30 000. Абстрактное искусство На торгах будут представлены также произведения художников, занимающихся абстрактным искусством, и среди них одна из самых значительных работ – "Без названия", выполненная Лидией Мастерковой (род. 1927) маслом на картоне и холсте. Наряду с Дмитрием Плавинским (род. 1937), Оскаром Рабином (род. 1928) и Владимиром Немухиным (род. 1925), Мастеркова – одна из ведущих художниц-нонконформистов 1960-х – 1970-х годов – принадлежала к "лианозовской группе", которая создала направление "альтернативная культура" в России. В ее творчестве соединились авангард 1910-х годов и Русский абстрактный экспрессионизм. Предполагается, что картина "Без названия" (иллюстрация приведена справа вверху) была куплена на московской Бульдозерной выставке в Измайлово в сентябре 1974 года и является одной из первых в серии больших произведений, которую Мастеркова начала создавать в 1973 и закончила в 1975 году, когда она эмигрировала во Францию. Эта работа, характерная для раннего периода творчества художницы, поступила из частной греческой коллекции, ее предварительная оценка составляет £35 000-£45 000. Картина "Обнаженная" (иллюстрация приведена слева), выполнена Владимиром Вейсбергом (1924-1985) – одним из наиболее влиятельных художников-нонконформистов 1960-х годов, того времени, когда советские руководители еще боролись против "формалистических" тенденций в искусстве. Она оценена в £20 000-£30 000 и была приобретена настоящим владельцем у самого художника в 1970-х годах. Хотя работы Вейсберга никогда не относились к чисто абстрактным, они не принадлежат также и к искусству социалистического реализма. Вейсберг, не имевший специального художественного образования, писал созерцательные натюрморты, портреты и обнаженные фигуры, в которых он достигал ощущения присутствия света и воздуха с помощью цвета и чистоты формы. В 1961 году Вейсберг стал членом Союза художников СССР и членом группы "Восьми" (the Group of Eight), работы представителей которой были далеки от социалистического реализма. Концептуальное искусство Среди представленных работ художников-концептуалистов следует особо выделить картину Игоря Макаревича (род. 1943) – одного из наиболее значительных московских художников направления "концептуальное искусство". Макаревич был одним из основателей Московского концептуализма – течения, соединившего русскую литературную традицию с образом. Художник стал известен благодаря созданным им объектам, инсталляциям и фотографиям. Текст играл ведущую роль во многих его работах, как например в картине "Я люблю СССР" (иллюстрация приведена слева), где художник отказался от привычных изобразительных форм. Предварительная оценка £15 000-£20 000. Макаревич выполнил свое произведение в Париже в 1989 году, во время своей первой поездки заграницу в начальный период перестройки, когда у советских граждан появились более широкие возможности путешествовать (как за рубежом, так и по своей стране) по сравнению с другими периодами советской истории. На Макаревича Париж произвел сильное впечатление, и во время пребывания в столице Франции художник создал несколько объектов и небольших инсталляций под названием "Я люблю Париж". По поводу концепции выставки в Москве комментирует Ольга Осипенко, организатор проекта: "Проект этой выставки исторически почти не имеет аналогов-выставка составленa из произведений современных русских авторов в общем контексте с работами зарубежного искусства. Создание новых художественных рынков – одна из основных задач нашего аукционного дома, так же Сотбис всегда с готовностью содействует и поддерживает интерес к российскому искусству в международном масштабе. Новый проект в Москве, на этот раз объединяющий русское и интернациональное современное искусство, создает особый контекст для произведений и российских, и зарубежных художников. Произведения Энди Уорхола, Демиена Хирста, Виллема де Кунинга и других западных классиков отобраны Сотбис в частных нью-йоркских коллекциях. Представленные русские и западные художники равно значительны для своих национальных школ. Мы постарались так отобрать картины, чтобы показать взаимоотношение идей западных и российских художников, как например соц-арт и поп-арт. Мы надеемся что эта выставка будет далее способствовать широкому развитию интернационального рынка российского современного искусства." Энди Уорхол, Холст, акрил
Череп, 1976 Работы будут выставлены в Аукционном доме Сотбис в Лондоне с воскресенья 11 февраля до среды 14 февраля. На выставке в Москве2 будут также экспонироваться работы, которые впоследствии будут предложены на продажу Нью-Йоркским отделением Сотбис. Заметки редакторам:
Сотбис проводит аукционы, посвященные Русскому искусству, начиная с 1985 года. Дважды в год, в мае и ноябре, устраиваются торги в Лондоне. В 2006 году на торгах Сотбис за произведения русского искусства получена сумма в 82 миллиона английских фунтов стерлингов (это рекордная годовая сумма по продаже произведений русского искусства среди всех аукционных домов мира) – ежегодный торговый оборот за последние шесть лет увеличился в 20 раз (от четырех миллионов в 2000 году до 82 миллионов английских фунтов стерлингов в 2006). В 2005 году отделение Русской живописи и произведений искусства в Сотбис было шестым по величине, после таких устоявшихся направлений, как Импрессионизм и искусство XX века, Современное искусство, Старые мастера, Ювелирные изделия и произведения китайского искусства; оно поднялось на 12 место в 2004 году по сравнению с 26-м местом в 2003. Сотбис в настоящее время принадлежит рекорд по продаже русского фарфора.
Встреча с московскими журналистами будет проходить на Якиманской набережной, 4/4, корпус 1, в пятницу 26 января.
В Лондоне встреча с прессой состоится в аукционном доме Сотбис на New Bond Street в понедельник 12 февраля, в 10:30 утра. »»
26.1.2007 - 11.2.2007

Центральный Дом Художника, Русская Галерея Искусств представляют выставку "Виктор Цыплаков. Возращение легенды"...

Звание Народного Художника РСФСР, более 70-ти произведений в Государственном Русском Музее и Государственной Третьяковской Галерее, 25 лет руководства кафедрой живописи в МГХИ им. В.И. Сурикова - всё это Виктор Григорьевич Цыплаков, легенда советской живописи ХХ века.
Каждый из нас, кто учился в советской школе, знаком с творчеством Цыплакова с детства. Пролистайте учебники по истории и литературе за 4-5 классы и вы вспомните картину "В.И. Ленин в Смольном", "Ленин с крестьянами", "Максим Горький на Волге".
Но созданием не упомянутых выше произведений Цыплаков обессмертил своё имя в отечественном искусстве ХХ века. Нет. Несмотря на то, что он был единственным живописцем, кого ЦК КомПартии допустил делать зарисовки на похоронах Сталина, помимо этой официальной и необходимой на тот момент стороны творчества была и другая. Ведь он, Цыплаков, был наследником великих традиций русской реалистической школы живописи. В художественном мире художник был известен как неподражаемый мастер натурного пейзажа. Он был наделён редким даром живописца: умением остро ощущать и сопереживать происходящему вокруг, запечатлевать на холсте минутные состояния природы.
С 26 января по 11 февраля 2007 года у зрителей будет уникальная возможность увидеть произведения Виктора Цыплакова (пейзажи, портреты, натюрморты). Организатору выставки - Русской Галерее Искусств - удалось сделать невозможное: собрать более 80-ти работ художника. Ведь из созданного автором сохранилось немногое, т.к. его единственная выставка прошла в Академии Художеств аж в 1986 году, незадолго до смерти.
Отсюда и правомерное название предстоящей выставки "Возвращение легенды". Действительно возвращение. Удалось собрать не просто картины и этюды, но в большинстве своём те произведения, которые вошли в основу изданной в этом году книги о Викторе Цыплакове.
Предстоящая выставка будет интересна широкому кругу зрителей: художникам, коллекционерам, ценителям русской реалистической живописи. »»
26.1.2007

Института Pro Arte. “Мультфильмы по выходным”. Фильмы Ивана Максимова...

ФРУ-89. СЛЕВА НАПРАВО / 1989
5/4 / 1990
ПРОВИНЦИАЛЬНАЯ ШКОЛА / 1992
БОЛЕРО / 1992
ЛИБИДО БЕНДЖАМИНА / 1994
НИТИ / 1996
ЛЮБА / 2001
МЕДЛЕННОЕ БИСТРО / 2002
ВЕТЕР ВДОЛЬ БЕРЕГА / 2003
ПОТОП / 2004
ТУННЕЛИРОВАНИЕ / 2005
Московская программа “Мультфильмы по выходным”, которая проходит каждые выходные в “Актовом зале” (в бывшем помещении фабрики технических бумаг “Октябрь”, Москва), уже в третий раз приезжает в Петербург. Автор программы - Дина Годер, критик, пишущий о театре и анимации.
Программа “Мультфильмы по выходным” была задумана прежде всего потому, что сегодня посмотреть отечественные авторские мультфильмы практически негде. Хотя, казалось бы, российская анимация сейчас вышла из кризиса и фильмы наши, как и двадцать лет назад, берут призы на всех мировых фестивалях. Кроме того, за последние годы выросло новое поколение очень интересных режиссеров и художников, которых почти никто не знает.
В этот раз Дина Годер представит фильмы Ивана Максимова, режиссёра, сценариста, художника-постановщика, аниматора, педагога. В 1976-82 Иван Максимов учился в МФТИ, в 1986-88 – на Высших курсах сценаристов и режиссеров (маст. А.Ю.Хржановского, В.М.Угарова). С 1987 снимает авторские фильмы на различных студиях в Москве. Снимает рисованное кино, иногда пользуется шарнирной марионеткой. Преподает во ВГИКе (с 2002) и в Школе-Студии ШАР (с 2004). Иллюстратор газет, журналов, книг. Создатель логотипов и фирменных персонажей. Член Академии кинематографических искусств «Ника».
Приходите с детьми. Вход свободный!
Адрес: Петропавловская крепость, Невская куртина, левая сторона, лекционный зал Института ПРО АРТЕ Информация по телефонам: 233 00 40, 233 05 53 »»
26.1.2007
День снятия блокады будет отмечен представлением "Со-Творение мира" в Русском музее ...

26 января в 15:00 в Мраморном дворце Русского музея по адресу ул. Миллионная, дом 5/1 состоится благотворительная акция "Дорога жизни". Акция станет данью уважения и благодарности ленинградцам, пережившим трагические годы блокады, потерявшим в суровое время родных и близких, позволит им почувствовать заботу и внимание.
В программе мероприятия:
Открытие выставки новых работ скульптора Константина Симуна "Дорога жизни". 73-х летний автор монумента "Разорванное кольцо", увековечившего подвиг блокадного Ленинграда, считает событие весьма значимым шагом в своей биографии. Мастер заявляет о единстве жизненных путей Художника и Человека. Это и есть дорога жизни блокадного мальчика Кости Симуна. Серию своих новых работ художник приготовил специально для благотворительной программы "Дорога жизни".
Драматическая композиция по мотивам повести Юрия Яковлева "Девочки с Васильевского острова" в исполнении актрис Анастасии Буцковой и Веры Сергачевой. В повести уцелевшая в блокаду подруга Тани Савичевой ведет мысленный диалог с девочкой, которой нет в живых. На акции будет присутствовать близкая подруга и соседка Тани Савичевой.
Первая часть Седьмой (Ленинградской) симфонии Дмитрия Шостаковича и другие произведения композитора. Исполняет Молодежный симфонический оркестр Санкт-Петербургского музыкального колледжа им. Н.А. Римского – Корсакова. Художественный руководитель и дирижер – Заслуженный деятель искусств России Альгирдас Паулавичус. Знаменательно, что участниками музыкально-драматического представления "Со-Творение мира" являются музыканты и актеры юного возраста.
Ведущая Заслуженная артистка России – Анастасия Мельникова.
Руководитель социокультурного проекта "Со-Творение мира" Евгений Рапопорт заявил, что акция организовывается в целях поддержки некоммерческих организаций, оказывающих помощь жителям блокадного Ленинграда, а также для привлечения внимания к новой благотворительной программе "Дорога жизни. Блокадники".
В настоящее время в России проживает 217 тысяч блокадников. Значительная часть этих людей, давших обществу великие примеры доброты, взаимопомощи и самопожертвования, относятся к малообеспеченным слоям населения.
Акция станет данью уважения и благодарности ленинградцам, пережившим трагические годы блокады, потерявшим в суровое время родных и близких, позволит им почувствовать заботу и внимание.
В реализации акции участвуют Русский музей, Фонд развития "Друзья Русского музея", продюсерский центр "Мир искусств", Международный благотворительный фонд Юрия Розума. Информационный спонсор – ИА РОСБАЛТ.
27.1.2007 - 26.2.2007

ММСИ(Москва). Проект "Тс-с-с-с!.."...

Группа молодых художников, выпускников Школы современного искусства «Свободные мастерские», предлагает зрителю, прислушавшись к голосу собственного «Я», всмотреться в зеркальное отражение собственного внутреннего мира. В проекте «Тс-с-с-с!..» представленном в Московском музее современного искусства, авторы находят универсальную форму представления человеческой индивидуальности раскрываемой перед зрителем в совокупности изображений, фрагментов диалогов, обрывков мыслей и фактов жизни изображенных персонажей. Тонкая, остроумная игра в прятки, между звучащим в каждом из нас внутренним голосом и воспринимаемым окружающими образом каждого из нас, в дебютном кураторском проекте Сергея Еркова и Аси Мухиной, вовлекает зрителя в пространство рефлексии и диалога с самим собой. Герои 14 фоторабот, созданных в рамках проекта фотографом Леной Важениной, оставляют впечатление выпавших из жизненного контекста фриков, отчаявшихся, влюбленных, забытых и одиноких. Вместе с тем – это портреты реальных людей, портреты каждого из нас в окружении индивидуальных жизненных впечатлений, ценностей и фобий. В зале музея, художники создают обстоятельства, реконструирующие образ вполне вероятного вчера или завтра каждого из нас, которые возникают в совокупности воздействия зрительных образов и фрагментов диалогов, жизненных коллизий и мыслей, вырванных из контекста повседневности и отражающих внутренний мир изображенного человека. Это обстоятельства, предвосхищающие прозрение – осознание уникальности и мифичности личного, дуализма желаемого и действительного в структуре собственного «Я» зрителя. Это обстоятельства, которые художники предъявляют зрителю как ценность повседневности. Ценность переживания и осознания. (Дарья Камышникова) Проект «Тс-с-с-с!..» Куратор: Сергей Ерков; Фото: Лена Важенина; Тексты: Ася Мухина »»
27.1.2007 - 28.2.2007

В Государственном музее «Царскосельская коллекция» открывается выставка работ петербургского живописца Жанны Ковенчук...

В залах музея будут представлены практически не выставлявшиеся ранее картины из личного собрания автора – это пейзажи, портреты, натюрморты, написанные за последние тридцать лет.
Жанна Михайловна Ковенчук не получила художественного образования, живописью начала заниматься довольно поздно, в двадцать семь лет. Дочь русской женщины и китайского дипломата, по идейным соображениям оставшегося в 30-х годах в Советской России и бесследно исчезнувшего в начале 40-х, Жанна Михайловна окончила факультет востоковедения Ленинградского Государственного университета, работала журналистом, исполнила главную роль в кинофильме «Ночь на 14-й параллели». Жена художника Георгия (Гаги) Ковенчука и мать художника Алексея Кульбина.
Толчком к занятиям живописью для нее послужило, в некоторой степени, общение с мужем-художником Георгием Ковенчуком, но в собственном творчестве ей удалось избежать его заразительного влияния. Живопись Жанны Ковенчук принадлежит к «созерцательным» жанрам; пишет она то, что ее окружает и постоянно находится в поле ее зрения. Сюжетные работы редки и составляют скорее исключение. «Она в самом деле не воодушевляется ничем, кроме задачи перевести реальность в иное, художественное существование на поверхности холста. И она выполняет эту задачу с редким напором и энергией. Ее живописный темперамент заслуживает эпитета «мужской» - этим она явно наследует своим знаменитым предшественницам, женщинам русского авангарда — Наталье Гончаровой, Ольге Розановой, Александре Экстер, Надежде Удальцовой, Вере Ермолаевой» (Эраст Кузнецов).
Выставка открывается в государственном музее «ЦАРСКОСЕЛЬСКАЯ КОЛЛЕКЦИЯ» по адресу:
СПБ, г. Пушкин, ул. Магазейная, д. 40 Телефон: 812 4660460 »»
28.1.2007 - 26.2.2007

ММСИ (Москва) проект художественного оптимизма "Верю" (в рамках 2−й Московской биеннале современного искусства) ...

Московский Музей Современного Искусства и компания marka:ff в рамках 2−й Московской Биеннале Современного Искусства представляют проект художественного оптимизма "ВЕРЮ". Выставка продемонстрирует размышления актуальных художников о взаимодействии искусства и тех интимных, сакральных переживаний, которые дают человеку силы жить и быть художником. Проект проходит в новом московском арт-центре Винзавод при поддержке группы компаний МИАН. Куратор Олег Кулик.
Выставка, открывающаяся в числе первых проектов в рамках 2-й Московской Биеннале Современного Искусства, станет одним из важных арт-событий Москвы начала 2007 года. Это манифест новой ситуации в современном искусстве, тех перемен, которые сегодня происходят на нашей арт-сцене.
Уникальность проекта, задуманного одним из самых актуальных художников России вместе с его соратниками, – в его принципиальной открытости и многозначности. Здесь нет кураторской "железной руки" – ни один из его участников (на выставке представлены в большей степени совершенно новые произведения 59 художников и художественных групп) не получал специальных предписаний или пожеланий. У экспозиции есть своя логика и единый стержень.
Прежде всего, все произведения объединяет одно философское и моральное послание -поиск своего духовного пути, не зависящего от догм и предрассудков. На этом пути возникают старые как мир вопросы: кто мы? откуда мы пришли? куда движемся? Диапазон ответов так же широк, как и стратегии каждого из художников. Знаменитый дуэт Владимир Дубоссарский и Александр Виноградов вместе с Александром Гарматюком выносят на суд зрителя фотографию отреставрированной ими фрески XVIII века. Александр Пономарев со свойственной ему изобретательностью представляет, ни много – ни мало, "генератор нимбов". Айдан Салахова неожиданно выступает исповедальным проектом об одном прожитом ею дне. Концептуалист Дмитрий Александрович Пригов сооружает огромный утопический экскаватор, а бывший акционист Анатолий Осмоловский, напротив, делает камерные объекты (муляжи кусков хлеба), претендующие на сакральную роль. В то время как светодизайнер Виктор Фрейденберг готовит возвышенную инсталляцию "Пикселизация", группа "ПГ" поражает своим "Говорящим цветком", предсказывающим будущее, а скульптор Сергей Шеховцов расставляет фигуры бездомных собак, выполненные в его фирменной манере из поролона. Рядом находятся "Перельманова келья" Сергея Погосяна и работа "Прыжок в высоту" Георгия Пузенкова.
Всем произведениям свойственна общая энергетика – они несут положительный заряд, лишены критичности, злости, негатива. Художники разрушают предрассудок, связанный с современным искусством, будто оно направлено на эпатаж и провокацию. В данном случае направление совсем в другую сторону – на диалог со зрителем, попытка обрести позитивный взгляд на жизнь и творчество.
Кроме того, объединяет произведения уникальное выставочное пространство, охватывающее огромные территории – более 3000 квадратных метров, что является большой редкостью для современного искусства. Не случайно именно эти исторические подвалы, поражающие своей архитектурой и сохранившие таинственную атмосферу двухсотлетней давности, послужили стимулом к созданию новаторских инсталляций и объектов.
Участники проекта ВЕРЮ
1. Алимпиев Виктор
2. Братков Сергей
3. Броше Анна
4. Булныгин Дмитрий
5. Верба Леся
6. Группа Газа
Гермес
Ануфриев Сергей
Крючков Денис
7. Группа AEC + Ф
Арзамасова Татьяна
Евзович Лев
Святский Евгений
Фридкес Владимир
8. Группа ПГ
Фальковский Илья
Каталкин Леша
Спиридонов Борис
9. Группа Синие носы
Шабуров Александр
Мизин Вячеслав
10. Гутов Дмитрий
11. Дементьева Александра
12. Донцов Филипп
13. Дубоссарский Владимир
Виноградов Александр
Горматюк Александр
14. Зарва Сергей
Дульфан Дмитрий
15. Захаров Вадим
16. Есипович Аля
17. Илюхин Макс
18. Каллима Алексей
19. Кисина Юля
20. Колесников Иван + Денисов Сергей
21. Колосов Андрей
22. Корина Ирина
23. Кошляков Валерий
24. Литичевский Жора
25. МишМаш
Маша Сумнина
Миша Лейкин
26. Михайлов Борис
27. Молодкин Андрей
28. Монастырский Андрей
29. Насонов Аркадий
30. Наиль Байбурин
Расих Ахметвалиев
31. Нахова Ирина
32. Осмоловский Анатолий
33. Петлюра Александр
34. Петрелли Александр
35. Погосян Сергей
36. Пономарев Александр
37. Пригов Дмитрий
38. Псой Короленко
Боголюбов Кирилл
39. Пузенков Георгий
40. Савадов Арсен
41. Салахова Айдан
42. Топольский Дмитрий
43. Фрейденберг Виктор
44. Хенгстлер Татьяна
45. Худяков Константин
46. Церетели Василий
Ануфриев Сергей
47. Чернышев Аристарх
Шульгин Алексей
48. Чернышова Ольга
49. Шеф Женя
50. Шеховцов Сергей (Поролон)
Файбисович Семен
51. Шумов Александр
»»
28.1.2007 - 7.3.2007

Арт-галерея «Матисс Клуб» (СПб) - Иосиф Натанович Зисман (1914-2004) - «Художник должен жить долго». 28 ...

Выставка будет проходить по новому адресу галереи:
Никольская пл., дом 6, с 11-00 до 19-00
Тел.: 572-56-70, 8-921-904-35-84
Иосиф Натанович Зисман. Как произнесешь это сочетание слов, сразу возникает в памяти, на первый взгляд, человек очень простодушный, с юмором, типичным для еврейского местечка, откуда его ребенком привезли в Киев в детский дом для детей, чьи родители погибли при погромах. В Киеве тогда был большой подъем в культуре, вскорости быстро расстрелянный. Но при маленьком Иосифе Зисмане в детский дом регулярно приходили лучшие поэты, писатели, художники и скульпторы того времени.
Так что Иосиф Натанович с детства получил мощный заряд художественного понимания мира. И в дальнейшем, живя в Биробиджане, Москве и Ленинграде, он был в кругу талантливых художников, рядом с роскошными собраниями живописи Музея им. Пушкина и Эрмитажа. Он непрерывно думал о живописи и был одержим ею. Особенный подъем у него случился в последние 15 – 20 лет его жизни. Потом он заболел и не смог ходить в мастерскую, чтобы священнодействовать в том уникальном цветном пространстве, которое сам создавал ежедневно…
…На выставке представлено небольшое количество длительных работ маслом, которые рядом с точно остановленными работами на бумаге дадут возможность сравнить фактически два противоположных метода в искусстве очень большого мастера. Это, в сущности, два метода познания. Метод мгновенного озарения при взгляде на природу и реализация этого впечатления на бумаге. И метод длительного, не кончающегося колебания жизни на поверхности холста, когда работа движется сразу в двух направлениях – она все больше обобщается, обнажая основные композиционные членения, и еще она немыслимо утоньшается в цвете. Цвет почти совсем отказывается от тональных различий. Мир, наш реальный мир, постепенно дематериализуется, преображаясь в цветовое свечение, как будто желая исчезнуть…
…Иосиф Натанович Зисман перестал работать за несколько лет до физического ухода из жизни, как будто его бесконечно утоньчившаяся живопись была слишком груба для выражения истинного положения вещей и его душа, увидев тщетность всех материальных усилий, замолчала…
Иосиф Зисман прожил очень длинную творческую жизнь. Здесь было много этапов. И, не смотря на то, что его полное созревание было между его 70-ю и 80-ю годами, работы, сделанные в прежние годы и выставленные в небольшом количестве, показывают нам логику развития большого мастера и его искусства.
Сам Иосиф Натанович по этому поводу часто говорил: «Художник должен жить долго», а потом долго и очень правильно объяснял почему……
Анатолий Заславский
»»
28.1.2007

открытие 28 января в 19:00...

»»
30.1.2007 - 25.2.2007

ГЦСИ(Москва). Проект «Победа над солнцем» участники: Дмитрий Булатов (Россия), Вадим Космачев (Германия–Австрия), Алина и Джефф Блюмис(США), Габриэле Ляйдлоф(Германия)...

Проект «Победа над солнцем» открывает в Государственном центре современного искусства программу «Наука и искусство». Его участники уже несколько десятилетий постоянно осуществляют авторский диалог с научной образностью, технологиями и научными инструментальностями. Это новейшее художественное сознание рассматривает человека в целостной системе природы и цивилизации. Системный подход, свойственный фундаментальным научным парадигмам, Вадим Космачев (Россия-Германия) и Габриеле Лайдлофф (Германия) органично переносят на визуальную образность искусства, формируя новую единую зону взаимодействия науки и культуры.
Вадим Космачев, в 1960–70 годы прошлого столетия представляющий альтернативные формы независимого искусства, давно использует в своих стратегиях «антенные технологии», просматривая художественные произведения как проводник, медиатор между миром природы и миром художественной (искусственной) среды. Его действующие модели «экологической» эстетики способны покидать бескорыстие художественного пространства и реально функционировать в практике производственных энергетических зон. Художник неоднократно получал за реализацию своих проектов высшие научные награды в Германии и Австрии, превращая объекты радикального искусства в энергетические комплексы крупнейших производственных баз и научных центров Германии и Австрии.
В проекте «Победа над солнцем» Вадим Космачев представляет инсталляцию из действующих моделей («Квадрат», «Экологическая живопись» и объекты «лаборатории экологии», созданные за последние три года).
Художница из Германии Габриеле Лайдлофф – представительница одного из новейших направлений в современном актуальном искусстве, существующего в визуальном пространстве образных исследований нейро-систем человеческого мозга. Визуализация мыслительных процессов, прямая трансляция внутренней психической жизни человека на экранную проекцию превратилась в стратегиях Габриеле Лайдлофф в абсолютно уникальную пластическую систему. Ее образность наделена интерактивными свойствами, где зритель обретает возможность стать участником, субъектом инсталляции, вступая в контакт с «живыми технологиями» художницы и в таком диалоге расширяя зону эстетической территории. Инсталляции Лайдлофф создают особую многомерность и визуальную многослойность в своих художественных функциях, увеличивая эстетическую информационную площадь и контекст прямо пропорционально участию зрителей. Они открывают феноменальное, «мерцающее» состояние искусства, где встречаются элементы современного супершоу и научная лаборатория. Творческий видеодуэт Алины и Джефа Блюмис (США) уже свыше десятилетия разрабатывает в радикальных технологиях проблему памяти – ее слоистость, ее инертность, консервативность и одновременно ее инфляционность. Художники используют флуоресцентные экраны, сохраняющие изображения и после завершения видеосигнала. Свой проект «Пространство памяти» они реализуют в двух (бинарных) состояниях, как образность универсального кода – 0 и 1. Выстраивая систему малевического «прибавочного элемента». Образность комментария, интеллектуальной рефлексии в проекте «Победа над солнцем» представляет художник и теоретик Дмитрий Булатов (Россия), предлагающий рассматривать понятийные процессы человеческого мозга в визуальных стратегиях. Эта часть Проекта напоминает кабинет ученого, исследователя, ученого, где в наглядных схемах, диаграммах и чертежах скрытые внутренние состояния мышления обретает визуальную наглядность как феномен сновидений. »»
30.1.2007 - 17.2.2007

галерея "Борей" представляет "Живопись". Общество любителей живописи и рисования - картины и рисунки 2004–2006 годов...

«ОБЩЕСТВО ЛЮБИТЕЛЕЙ ЖИВОПИСИ И РИСОВАНИЯ» создано 27 июля 2004 года художниками Иваном Сотниковым и Александром Флоренским.
«ОБЩЕСТВО ЛЮБИТЕЛЕЙ ЖИВОПИСИ И РИСОВАНИЯ» – новая инициатива художников, многие из которых знакомы широкому зрителю по таким известным арт-группировкам 80-х годов, как «Митьки» и «Новые художники».
«ОБЩЕСТВО ЛЮБИТЕЛЕЙ ЖИВОПИСИ И РИСОВАНИЯ» считает своей задачей возврат к традиционным художественным ценностям в эпоху постмодернизма, в частности пропаганду такой совершенно исчезнувшей из арсенала современного искусства практики, как живопись и рисование с натуры.
В 2004–2006 годах «ОБЩЕСТВО ЛЮБИТЕЛЕЙ ЖИВОПИСИ И РИСОВАНИЯ» провело пленэрные семинары на Соловецких островах, в Ферапонтово, на Валааме, в Царском Селе, Норильске, Нижнем Новгороде и Херсоне. Кроме этого, состоялись персональные творческие поездки отдельных участников «ОБЩЕСТВА ЛЮБИТЕЛЕЙ ЖИВОПИСИ И РИСОВАНИЯ» в Рим, Балаклаву, Вырицу, Борисову Гриву, Старую Ладогу, на остров Коневец и на мыс Кейп Код.
В ближайших планах «ОБЩЕСТВА ЛЮБИТЕЛЕЙ ЖИВОПИСИ И РИСОВАНИЯ» пленэрные семинары в Красноярске, Ярославле, Старице, а также в Грузии, Эстонии, Дании и Норвегии. Готовятся семинары, посвященные портрету и натюрморту.
На отчетной ретроспективной выставке, подготовленной арт-центром «БОРЕЙ» и отделом современного искусства государственного музея «ЦАРСКОСЕЛЬСКАЯ КОЛЛЕКЦИЯ», будут практически полностью представлены результаты двухлетней работы художников «ОБЩЕСТВА ЛЮБИТЕЛЕЙ ЖИВОПИСИ И РИСОВАНИЯ» в области пейзажной живописи
Участники:
Ольга и Александр Флоренские
Ирина Васильева
Иван Сотников
Александр Дашевский
»»
30.1.2007 - 17.2.2007

ГЦСИ (Москва). Лекция Дмитрия Булатова "Роботы haut couture. Роботехника в современном искусстве", показ фильмов Алины и Джефа Блюмис (в рамках выставки "Победа над солнцем")...

Показ фильма Алины и Джефа Блюмис (Alina & Jeff Bliumis) "Духовная миссия" и других
Основной закон технологии, неоднократно озвученный философией ХХ века, гласит, что каждый новый шаг прогресса, рассматриваемый отдельно, кажется нам желательным, в то время как технологический процесс в целом непрерывно сужает общую сферу свободы. Нельзя сказать, что ученые не знакомы с этим положением. Однако свойственный им позитивизм – ведь каждый ученый несет в себе модель будущего, – по определению позволяет им надеяться на благоприятный исход дела. Что, собственно, и отличает ученых от художников, работающих в области высоких технологий. Ибо последние очень четко (и зрелищно) представляют последствия непрерывного созидания позитивного: если негативное порождает кризис и критику, то позитивное, возвеличенное до уровня гиперболы, порождает катастрофу.
Дмитрий Булатов – художник, куратор Калининградского филиала ГЦСИ. Организатор серии выставочных и издательских проектов, посвященных искусству высоких технологий (роботехника, генная инженерия, нанотехнологии). Читал курсы лекций по вопросам современного искусства в университетах России, Канады, Мексики, Германии, Нидерландов и Гонконга. Работы были представлены в более ста международных выставочных и фестивальных программах.
Вход свободный »»
1.2.2007 - 8.2.2007

Фонд «Петербургские фотомастерские» представляет образовательный проект «Так или иначе»...

(авторская мастерская Массимо Берсани)
Февраль в Петербурге будет жарким. И не только потому, что на экраны выходит новый фильм о жаркой любви. Город посетит солнечный веселый итальянец, один из самых известных современных фотохудожников мира Массимо Берсани. Массимо приезжал в Петербург не раз: выставки его работ проходили в Музее городской скульптуры (Homo Photos), в центре «Пушкинская, 10» (совместно с Асей Немченок) и в музее Анны Ахматовой (Strappi). К тому же, у Массимо в Петербурге много друзей. В феврале 2007 года Берсани приедет по приглашению фонда и школы "Петербургские фотомастерские", чтобы провести цикл занятий в авторской мастерской.
Образовательный проект «Так или иначе» - это серия занятий – экспериментов, которая поможет молодым фотографам открыть потайные двери и заговорить на собственном, неповторимом и прекрасном языке. С 1 по 8 февраля 2007 года в школе «Петербургские фотомастерские» пройдут занятия, простые и концептуальные одновременно. «Мы будем видеть, наблюдать, искать новую точку зрения и неожиданный ракурс, отличный от того, с которого мы раньше смотрели на мир», - обещает Массимо Берсани. Пространство, окружающее нас, создано для творческой самореализации и наполнено любопытными историями, которые, впрочем, не спешат обнажаться перед посторонними. Используя особые творческие приемы, подключив фантазию и изобретательность, студенты с помощью Берсани смогут найти свой сюжет, свой способ повествования и богатый визуальный язык. «Предлагайте, обязательно предлагайте и рассказывайте свою историю», - призывает Массимо Берсани.
Занятия будут проходить в студии и на улице, включают проявку, печать и обсуждение студенческих работ. По итогам авторской мастерской Массимо Берсани запланирована фотовыставка.
Об авторе
Массимо Берсани родился 10 декабря 1957 года в Италии. Фотоискусством начал заниматься, когда, по его собственному признанию, "вошел в контакт с изображением". Используя специальную технику и прислушиваясь к собственному воображению, Берсани создает удивительные по красоте и глубине образы. Массимо Берсани – лауреат многочисленных международных конкурсов и, по мнению специалистов, входит в список "40 лучших современных фотохудожников мира". С одинаковым мастерством и изяществом Берсани снимает портреты, пейзажи и репортаж, занимается панорамной фотографией. Берсани – постоянный участник выставок в Австрии, Финляндии, Японии и, конечно, Италии. На счету у художника – более двадцати сборных выставок и столько же – персональных.
С его снимков смотрят лица самых разных людей – знаменитых и никому не известных, молодых и – увы – уже почивших, красивых и печальных. Много времени фотохудожник посвятил изучению трагедии в Нагасаки. Об атомном взрыве, о нынешней жизни японского города рассказывают несколько фотографических серий Массимо Берсани. Азартно и увлеченно Массимо Берсани изучал провинциальную, сельскую жизнь родной страны. Результатом стал цикл работ.
С 1996 года Массимо Берсани регулярно проводит мастер-классы, знакомится с новичками в фотографии. Кроме того, он считает важным знакомить с лучшими образцами фотоискусства пациентов клиник для душевнобольных, малышей из детского сада, пожилых людей.
Петербургские зрители могли видеть его работы на выставках: “Homo Photos" (музей городской скульптуры), в культурном центре "Пушкинская, 10" (совместно с Асей Немченок), "Strappi” (музей Анны Ахматовой). Летом 2007 года Массимо Берсани и его коллега Стефано Бернардони примут участие в ежегодных "Летних фотомастерских", которые организует фонд "Петербургские фотомастерские". »»
1.2.2007 - 4.3.2007

В Мраморном дворце Русского музея откроется персональная выставка швейцарского художника Штефана Шпихера «Цветение». ...

Штефан Шпихер родился в Швейцарии, в Базеле, в 1950 году. Учился в Академии Художеств в Базеле в мастерской итальянского художника B. Assenza. Много путешествовал. Был в США (Нью-Йорк, Сан-Франциско, Чикаго), Японии, Латинской Америке, России (Москва, Санкт-Петербург), Индонезии (о. Бали). Первая выставка художника состоялась в Индонезии на острове Бали в Seputih Gallery. Затем последовали выставки в родном городе Базеле в C. Brambach Gallery (1982, 1983, 1984, 1985, 1986). И активная выставочная деятельность в разных городах Швейцарии и других странах мира (Цюрихе, Чикаго, Сан-Франциско, Санкт-Петербурге, Москве, Токио, Милане). В России работы художника были впервые представлены в 1998 году на выставках в Русском музее и в Выставочном Зале Манеж в Москве. Несколько раз проходили его персональные выставки в Галерее Дмитрия Семенова в Санкт-Петербурге (1999, 2002, 2004). При определении того направления, в котором работает Штефан Шпихер, художественными критиками обычно используются такие термины, как минимализм (относительно работ периода его линеарных композиций) и абстрактный экспрессионизм (относительно работ последних лет). Оба направления ориентированы на отказ от репрезентации и использование редукционистских стратегий, что, казалось бы, вполне соответствует практике художника. Основу выставки составят работы из серии «BLOSSOM» (англ. «ЦВЕТЕНИЕ»), которые представляют собой абстрактные формулы, цветовые арабески: замысел реализуется средствами чистой живописи - драматургией линии, пятна, цвета. Но - странным образом - вы моментально угадываете какую-то натур-философскую основу образа, не мыслимую без сохранения, хотя бы в подкорке, связи с натурными, природными ситуациями. Здесь нет репрезентации, каких-либо проявлений миметического. Но вместе с тем художник явно озабочен взаимоотношениями с органикой. И избирает для визуализации этих отношений особый канал – не миметический, а, скорее, мифо-поэтический. »»

[an error occurred while processing this directive]