ART-NEWS
новости художественной жизни
2006
2007
2008
Январь
Февраль
Март
Апрель
Май
Июнь
Июль
Август
Сентябрь
Октябрь
Ноябрь
Декабрь
3.5.2006 - 19.5.2006
Немецкий культурный центр им. Гёте в Санкт-Петербурге, Петербургский Музей кино при содействии Молодежного центра Государственного Эрмитажа представляют программу в рамках проекта «FilmForum: кинопоказы, доклады, дискуссии»...
МАГИЯ ФУТБОЛА
Программа проходит в рамках «Дней Германии в Санкт-Петербурге 2006» при поддержке Генерального консульства Германии в Санкт-Петербурге
Мяч круглый… В Германии, принимающей чемпионат мира по футболу ФИФА 2006, он закрутит этим летом все вокруг себя. И не только в Германии. Вы можете уже в мае стать свидетелем футбольной круговерти, сидя в кресле киноцентра «Родина».
Фильмы о футболе известных немецких режиссеров, включенные в программу «Магия футбола», настроят вас на предстоящий чемпионат.
В 70-е годы в Германии появился новый футбольный идол – Гюнтер Нетцер: размер бутс 47, длинные светлые волосы, неподражаемый мастер настольного футбола. Об этом легендарном виртуозе мяча рассказывает в своей гротесковой комедии «Из глубины пространства» режиссер Гил Мемерт.
Полнометражный документальный фильм «Чемпионы» прослеживает пять лет жизни четырех молодых футболистов на пути к желанной цели – профессиональной лиге.
«Бернское чудо» - отмеченная множеством наград историческая кинолента Зёнке Вортмана, в которой рассказывается о трудной жизни одной семьи в послевоенной Германии и о феноменальной победе немецкой национальной сборной в Берне в 1954 году. И о том, что именно футбол может изменить мир!
3 мая в 16.00
5 мая в 21.30
Бернское чудо / Das Wunder von Bern
«Гол! Гол! Гол! Игра закончилась! Германия – чемпион мира по футболу» - в 1954 году произошло «Бернское чудо», когда немецкая сборная стала чемпионом мира. Знаменитая картина Зёнке Вортмана «Бернское чудо» - это не только история чемпионата мира, но и история целого поколения и семьи, которая должна заново найти свой путь в послевоенной Германии.
10 мая в 16.00
13 мая в 18.00
Из глубины пространства / Aus der Tiefe des Raumes
Еще об одном чуде немецкого футбола рассказывает фильм «Из глубины пространства». Гюнтер Нетцер был абсолютным футбольным идолом 70-х. Откуда взялся этот одаренный футболист, обладатель 47 размера обуви и длинных светлых волос? Режиссер Гиль Мемерт дает на эти вопросы ответ в своем фантастическом фильме-сказке: оказывается, Гюнтер Нетцер был настольным футболистом – деревянной фигуркой, которая свалилась в таз с проявителем фотопленки и превратилась в живую футбольную звезду…
17мая в18.00
19 мая в 19.00
Чемпионы / Die Champions
Чудесный футбол?! 4 подростка из разных стран играют в молодежной команде Боруссия Дортмунд и мечтают только об одном: стать «Чемпионами» в профессиональном футболе. Более 5 лет режиссер Кристоф Хюбнер снимал игроков и в конце концов пришёл к выводу, что что мечта о футболе иногда не так уж и прекрасна…
Все фильмы будут демонстрироваться на немецком и на русском языке.
Программа будет продолжена в июне!
»»
3.5.2006
Киноклуб СИНЕ ФАНТОМ
Программа Ольги Чернышевой "10 Видеоработ"...
Автор: Ольга Чернышева
Продолжительность: 81 мин 10 сек
Производство: Россия, 1999-2005
Видеоглаз проникает всюду. Но всегда и во всем мы видим человека. Самым завораживающим зрелищем остается загадочная жизнь других людей. Причем, по возможности, не фасадная, специально созданная для показа, а существующая ради себя самой. Эта форма жизни не настаивает на своей уникальности. Как бы заранее она объясняет и извиняет себя тем, что подразумевается множественность подобных сцен и состояний. Но эта множественность уже не имеет ничего общего с коллективностью. Как раз наоборот, в постсоветское время мир распался на обособленные отдельные частицы. Они больше не заряжены вектором единой энергии. Люди выглядят скорее "брошенными на произвол судьбы", "осиротевшими". Голос отца-государства больше не транслирует указаний. Что взамен? Роль ведущих к счастью берут на себя маги, врачеватели, пропагандисты восточных практик, реклама и т.д. Счастье больше не надо строить. Оно разлито всюду, и задача - открыть его.
Программа "10 Видеоработ"
?СУРОК? (1999)
?ПОЕЗД? (2003)
?НЕИЗВЕСТНЫЕ. ЧАСТЬ 1? (2004)
?НЕИЗВЕСТНЫЕ. ЧАСТЬ 2? (2004)
?САМОСТОЯТЕЛЬНЫЕ ЗАНЯТИЯ? (2004)
?ТРЕТЬЯКОВКА? (2002)
?РУССКИЙ МУЗЕЙ? (2003)
?ТЕПЛОХОД ?ДИОНИСИЙ? (2004)
?ПРАЗДНИЧНЫЙ СОН? (2005)
?МАРШ? (2005)
Адрес клуба СИНЕ ФАНТОМ: Фрунзенская набережная, 12, в здании "Фитиль-клуба"
»»
4.5.2006 - 14.5.2006
Галерея А3 (Москва) – фотовыставка "Барахло" (ТО "Тотальная фотография")...
Старые вещи – время сделало их хламом, скарбом, "барахлом". Сегодня мы легко расстаемся с ними, а вчера, приобретая их, радовались, как дети радуются новым игрушкам. Выброшенные нами вещи создают свою территорию – барахолки, блошиные рынки, вокзальные толкучки. И как любую территорию, эту территорию заселяют люди. Кто они, эти люди?
Дмитрий Иванов, Владимир Кошелев, Вадим Савраев и Евгений Сафьян пытаются найти ответы на этот вопрос с помощью фотоаппарата. Для них фотография не беспристрастная фиксация факта, для них фотография акт сопереживание. Чтобы "схватить момент" надо не только увидеть, но всмотреться, понять, почувствовать. На фотографиях люди и вещи, вместе, вперемежку, внахлест. Люди и вещи, которых выбросило на эту территорию наше непростое время. Люди, живущие эфемерным ощущением свободы в несвободном мире, люди, бросившие и брошенные...
На выставке творческого объединения "Тотальная фотография" представлены серии работ о странном мире старых вещей, наполненном сюжетами, образами, ассоциациями, заставляющие задуматься, вздохнуть и улыбнуться вместе с авторами. Ведь это наше прошлое доживает здесь свой век, но оно не исчезает бесследно...
Дмитрий Иванов, Владимир Кошелев, Вадим Савраев и Евгений Сафьян – авторы проекта "Барахло", призеры международных фотоконкурсов, их работы находятся в музеях фотографии, частных коллекциях в России и за рубежом.
»»
4.5.2006 - 24.5.2006
Галерея Рахманинов дворик(СПб) Выставка Александра Филиппова
«Петербургские вариации»...
На выставке будут представлены работы 2005-2006 гг. из серий «Коломна», «Тени весны», «Верхний город», «Храмы Петербурга», «Силуэты солнца», выполненные в графико-цифровой технике. Все работы экспонируется впервые.
Александр Филиппов родился в 1960 году в Ленинграде. С 1987 года активно принимает участие в художественных выставках. С 2005 года – член Союза художников России. Работы находятся в российских и зарубежных государственных и частных собраниях.
Причины, заставляющие фотографа вдруг изменять привычную технику съемки, могут быть совершенно различны: от сугубо коммерческих до экспериментаторских. Создавая фотографии, представленные на выставке и объединенные под общим названием "Петербургские вариации", Александр Филиппов руководствовался идейным соображением, оказавшимся чрезвычайно актуальными на сегодняшний день. Суть его сводится к тому, что изображения, полученные посредством цифровой камеры, отнюдь не уступают произведениям, созданным "классическим" путем аналоговой съемки. Иными словами, речь идет о том, что создание любого произведения – это вопрос не техники, а таланта автора. В момент изобретения нового самобытного мира инструмент является лишь вынужденным средством.
Все работы на выставке - а их около 20 размером 30х40 - датированы 2005 годом и представляют Петербург как отображение четко очерченных поверхностей, форм и линий. К тому же город на фотографиях Филиппова лишен всякого человеческого присутствия. В итоге, в большинстве работ отсутствует та самая предсказуемость, которую следует ожидать от произведений на данную тему. На фотографиях оказывается не столько сам город - в своем грандиозном размахе, удачных ракурсах, выразительных архитектурных деталях и необъятных панорамах, большинство из которых сделано прямо с крыш, - сколько его интерпретация.
Избегая пресловутой буквальности, изображения вовсе не теряют осязаемое, реалистичное ощущение пространства и масштаба. Композиция фотографий одновременно насыщенна и проста, а некоторые темные пятна имеют много общего с живописным "мазком". Случайны или преднамеренны все эти приемы, не так уж и важно, ведь их главная стратегическая задача – способствовать расширению нашего представления о возможностях цифровой фотографии.
Открытие состоится 4 мая 2006 года в 18 часов по адресу: Казанская ул., д. 5 (второй двор)
»»
5.5.2006 - 21.5.2006
Государственный центр фотографии(СПб). "Лицо фотографии" Борис Кудояров. ...
Кудояров Борис Павлович (1898 - 1973) - выдающийся мастер фоторепортажа. Один из известнейших советских фотографов. С 1925 года начал работать репортером в журнале «Физкультура и спорт», затем были агентства «Руссфото», «Унионфото» и «Союзфото» - снимает стройки, колхозы, передовиков труда. В 1933 году он становится репортером газеты «Известия» и «Комсомольская правда». Участник группы «Октябрь» (Объединение новых видов художественного труда «Октябрь», Москва 1928 - 1932гг.), работал вместе с Александром Родченко, Борисом Игнатовичем, Елизаром Лангманом. Деятельность этой группы имела большое значения для языка фотоискусства, композиционных форм, способов изобразительной трактовки материала действительности. Борис Павлович прекрасно знал способы фотографической трансформации материала, но пользовался ими крайне редко. Прочно вошло в его творчество и сказалось на стиле только то, что он оценил как действенные выразительные средства, помогающие раскрыть материал.
В годы блокады -будучи военным корреспондентом «Комсомольской правды», Кудояров проработал все 900 дней в окруженном городе с ленинградцами, в первом эшелоне вместе с воинами-защитниками.
На основе документов и фоторабот Бориса Кудоярова написаны и иллюстрированы многие книги, посвященные героической борьбе за Ленинград. «Ленинградский цикл» Кудоярова вошел в классику военного фоторепортажа. В личной фототеке Бориса Павловича фотоэпопея «Ленинград, блокада» имеет разделы, охватывающие все 900 грозных блокадных дней: «Первые дни блокады», «Полуостров Ханко», «Тяжелые дни блокады», «Ижорский и Кировский заводы», «Активная оборона», «Тыл - фронту», «Ладога - Дорога жизни», «Прорыв блокады» и многие другие. В ней около 3000 кадров. Это - поистине фотолетопись, хранящая события тех дней, рассказывающая о них последовательно и детально. Сам фотокорреспондент считал, что «… Снимать нужно как можно больше. Ведь кроме узловых кадров необходима еще и обстоятельная, подробная хроника событий. Ее обязан вести каждый репортер, ибо он ответствен за то, чтобы событие было сохранено для людей. Когда-нибудь они будут благодарны за такой документально точный рассказ о давно прошедшем…»
В основу выставки Бориса Кудоярова «Лицо Блокады» легла коллекция, приобретенная Центром фотографии в собственные фонды. Съемки проводились в блокадном Ленинграде в период 1941 - 1944 годов. Данный архив – фотографии из «Ленинградской серии», собранные автором для издания альбома его фотографий о Блокаде, которое готовилось в 1970-м году в Петербурге издательством «Аврора» и которое так и не состоялось. Фотографии Кудоярова – не просто протокол событий. Его работы имеют сложные изобразительные решения, выверенную завершенность композиции, вбирающую всю суть изображаемого события. «Поэтика документальности» в его произведениях создается благодаря использованию пространственных композиций, включения главных персонажей в активную среду и использования окружения и деталей для наращивания эмоционального заряда. Стилистика этих решений – прямой и естественный отклик фоторепортера на происходящее.
Борис Кудояров создал документальную фотоповесть о беспримерном мужестве ленинградцев и страшных подробностях блокадного быта, когда смерть стала чем-то обыденным. Перед подобными снимками совершенно неуместно размышлять о мастерстве фотографии, на этих снимках самые тяжелые дни Блокады. Эти снимки невозможно смотреть без содрогания.
Эта выставка - дань памяти и уважения ленинградцам, чья жизнь оборвалась или проходила в трудные годы войны. Это была жизнь вопреки смерти. Всмотритесь в эти лица, они сохранили для вас город живым. Город жив своими жителями. Пока горожане живут - жив и город.
»»
7.5.2006
Государственный музей городской скульптуры приглашаетна традиционный День Памяти ПЕТРА Ильича Чайковского...
7 мая - день рождения Петра Ильича Чайковского, величайшего русского композитора - классика 19 века.
В Музее городской скульптуры стало доброй традицией принимать 7 мая всех, кто хочет почтить память композитора, посвятив ему свое творчество, будь то игра на музыкальном инструменте, вокал, исполнение своего произведения или просто слова признания и любви.
В этом году свои посвящения принесут ученики и преподаватели детской школы искусств имени П.И.Чайковского и музыкально-хоровой школы "Апрель". Вы сможете прослушать небольшой импровизированный концерт под открытым небом, в котором прозвучат произведения П.И.Чайковского и другая классическая музыка.
начало 7 мая 2006 года в 12.00 в Некрополь мастеров искусств
7.5.2006
Музей В.В. Набокова приглашает на кинопоказ фильма Стенли Кубрика "Лолита" (1962), одним из авторов сценария которого был Владимир Набоков...
Режиссер: Стенли Кубрик
В ролях: Джеймс Мэйсон, Сью Лайон, Шелли Уинтерс, Питер Селлерс
Оператор: Освальд Моррис
Сценарий: Владимир Набоков, Раймонд Анзаурт, Эльза Фензэл
Продолжительность фильма 152 мин.
Показ состоится в 18 часов на большом экране.
»»
7.5.2006
ГЦСИ (СПб) представляют проект Белка&Стрелка видео - инсталляция "Маджента - Фауст" художник: Анна Колосова...
воскресение 7 мая с 19.00 по 23.00
fдрес: н. р. Фонтанки 127 кв. 63
»»
9.5.2006 - 20.5.2006
Галерея Борей(СПб). Эльдар Минский. "Потоп" ...
Этой выставкой автор делится со зрителем своей личной трагедией.
Банальный бытовой случай - у соседей сверху прорвало трубу, как раз над кладовкой, где художник хранил свои холсты. Сырость размочила грунт холстов, и красочный слой, отделившись от ткани, осыпался. Последний потоп оказался только самым сильным, подтекало и сырело там, в кладовке, уже давно: холст местами почернел, сгнил. 20 больших (2х1.5 метра) холстов, 10 лет напряженного труда, творческих исканий рассыпались трухой. Эти объекты («бывшие картины») и стали художественной серией произведений, иллюстрирующих опыт художника, как человека, творческой личности. Холсты с утратами экспонируются таким образом, чтобы зритель видел и обратную сторону холста – почерневшую, живописно заплесневелую от действия воды. А на стенах, как напоминание, развешены цветные фотографии картин «до потопа».
Биография Эльдара Минского (Художника № 16). Родился в 1977 году в Петропавловске.
1999 - Закончил Художественно-Графический факультет Омского Педагогического Университета.
С 2000 – преподает там же на Кафедре Рисунка и Живописи.
2001 – Всероссийская Молодежная Художественная выставка, ЦДХ (Москва).
2002 – Персональная выставка в галерее «Серебряный Путь» (Омск).
2003 – Выставка художников Сибири в Южной Корее.
»»
10.5.2006 - 25.5.2006
Городской выставочный зал Петрозаводска. Выставка NorthSouthEastWest – «Панорамный взгляд на изменение климата». ...
«Панорамный взгляд на изменение климата». Это фотографии из 10 стран мира, сделанных десятью фотохудожниками из легендарного агентства «Magnum». Международное агентство «Magnum Photos», которое уже много лет считается одним из престижнейших в мире, всегда было ориентировано на социальные проблемы. Его фотохудожники объездили всю планету, фиксируя вооруженные конфликты и никому не известные аспекты мирной жизни. В выставке NorthSouthEastWest приняли участие известнейшие фотографы «Магнума» - такие, как американец Алекс Уэбб, известный уникальными яркими цветами своих работ, или лондонский фотожурналист Иэн Берри. NorthSouthEastWest – это партнерский проект британской организации The Climate Group, агентства Magnum Photos и Британского совета. Выставка стартовала год назад в Лондоне и уже посетила более 60-ти музеев. Планируется, что NorthSouthEastWest посетит более ста городов мира, а аудитория ее составит около 10 миллионов человек. Среди тех, кто внес вклад в создание выставки – премьер-министр Великобритании Тони Блэр, Генеральный секретарь ООН Кофи Аннан и известный актер Леонардо ди Каприо.
В выставке участвуют работы художников:
ИЭН БЕРРИ (IAN BERRY)
Англичанин Йен Берри родился в 1934-м году и в 18 лет отправился в Южную Африку, где стал ассистентом фотографа Роджера Мэддона. Учась у Мэддона и подрабатывая в свободное время свадебным фотографом, Берри отточил свое мастерство до того, что был приглашен работать сначала в местную газету, а потом в Daily Mail и в журнал Drum. В 1962-м Анри Картье-Брессон, основатель «Магнума», впечатленный работами Берри, фиксирующими политическое насилие в Южной Африке (в частности — резню в Шаппервиле, где Берри стал единственным свидетелем, обладающим камерой), пригласил фотографа в агентство. Покинув Южную Африку, Берри переехал в Париж, а два года спустя — в Лондон, став первым штатным фотографом журнала Observer. Берри объездил полмира — документировал вход советских танков в Чехословакию и апартеид в Южной Африке, снимал в Израиле, Вьетнаме, Ирландии, Конго. Он выпустил две книги: The English в 1978 году и Living Apart о южноафриканском апартеиде в 1998.
АЛЕКС УЭББ (ALEX WEBB)
Один из самых известных в мире фотографов, Алекс Уэбб родился в Сан-Франциско в 1952 году. Обучался в Гарварде — сначала литературе и истории, потом фотографии. Начинал Уэбб с черно-белых работ, но прославился цветными. У него невероятная техника, его снимки отличаются от всех остальных с первого взгляда, и в первую очередь уникальными яркими цветами. Алекс Уэбб выпустил несколько книг (в том числе портфолио фотографий для рекламы), выиграл большое количество фотографических премий, публиковался в Life, Geo и National Geographic. Будучи очень востребованным фотохудожником, Уэбб активно выставляется в Европе и в родной Америке, где его очень любят.
АЛЕКС МАДЖОЛИ (ALEX MAJOLI)
Итальянцу Алексу Маджоли 35 лет; с 16 лет он работает фотожурналистом. В агентство «Магнум» его пригласили в 1996 году. К своему сравнительно молодому возрасту Маджоли успел не только поработать для The New York Times, Newsweek и Vanity Fair, но и получить приз от National Press Photographers Association за освещение войны в Ираке. Особый интерес вызывает тот факт, что Маджоли работает с непрофессиональными камерами Olympus C-5050 и Olympus C-8080.
КРИС СТИЛ-ПЕРКИНС (CHRIS STEELE-PERKINS)
Английский фотограф Крис Стил-Перкинс родился в 1947 году в Рангуне, но в раннем детстве с семьей он переехал в Лондон. Фотографировать начал в юности, для студенческой газеты, где работал редактором; обучаясь в Университете психологии. В 1971 он начал работать над собственными проектами; спустя два года уехал снимать Бангладеш, а в 1975 вернулся, чтобы работать с группой EXIT, занимающейся социальными проблемами в больших британских городах. В 1979-м у Стил-Перкинса вышла первая книга The Teds; практически сразу его пригласили в «Магнум». Про Стил-Перкинса говорят, что его работы находятся на стыке фоторепортерства и концептуального фотографического искусства. Его фотографии приобретены многими музеями, в частности, лондонским Музеем Виктории и Альберта и Национальной Библиотекой Парижа.
ГАРРИ ГРУЙЕР (HARRY GRUYAERT)
Гарри Груйер (1941 г.р.) родом из Бельгии. Он, как рассказывают, с детства знал, что хочет работать с формой и изображением, и потому начинал как телевизионный оператор, однако оставил движущиеся картинки ради статичных изображений. Груйер, как и Уэбб, больше всего внимания уделяет цвету, только Груйер в своей работе с цветом отталкивается от картин Матисса и Брегеля. Прославился Груйер своей серией под названием TV Shots — серией фотографий экрана телевизора, работающего в комнате. Впоследствии, Груйер снимал для Vogue, National Geographic, ID, Geo и многих других. В 1976-м за книгу фотографий Марокко ему был вручен Kodak Prize. Со своим умением правильно показать структуру цвета Груйер считается одним из лучших рекламных фотографов — среди его клиентов Renault, Audi, Ford, Usinor, Lavazza. К агентству «Магнум» Груйер присоединился в 40 лет.
НИКОС ЭКОНОМОПУЛОС
(NIKOS ECONOMOPOULOS)
Никос Экономопулос родился в 1953 году и много лет работал журналистом в греческих газетах. Снимать он начал сравнительно поздно, в 26 лет, и вплоть до 1988 года фотографировал как любитель. И только в 1988 он бросил журналистику ради фотографии и следующие два года путешествовал по Греции и Турции с камерой. В 1990 году он присоединился к «Магнуму», и его фотографии стали появляться в газетах и журналах. В 1995-м вышла книга «In The Balkans»; к балканской теме Экономопулос вернулся позже, фотографируя войну в Косово. В 2001 году Экономопулос получил почетную награду Abdi Ipektsi award за помощь в укреплении отношений между Турцией и Грецией. В этом году «Магнум» планирует издать ретроспективную книгу его избранных работ за 20 лет.
ДОНОВАН УАЙЛИ (DONOVAN WYLIE)
Вундеркинд Донован Уайли (1971 г.р.) родом из ирландского Белфаста. В 16 лет окончив школу, он поехал путешествовать по Ирландии; результаты этого и других путешествий по неспокойной родине Уайли вошли в книги 32 Counties и The Dispossessed, которые он выпустил в возрасте 18 и 19 лет. Практически сразу после выхода книг Уайли был приглашен в «Магнум». С тех пор Уайли выпустил еще две книги — Losing Ground про английскую молодежную хиппи-группировку, кочующую с места на места и называющую себя New Age Travellers (фотограф провел два года в их компании, фиксируя их жизненный уклад) и The Maze — съемки из знаменитой североирландской тюрьмы.
БРЮС ГИЛДЕН (BRUCE GILDEN)
Брюс Гилден родился в 1946 году в Бруклине. Он обучался социологии, пока не увидел фильм Микеланджело Антониони Blow Up, так поразивший воображение Гилдена, что тот купил себе первую камеру и записался в нью-йоркскую School of Visual Arts на вечерние курсы. Гилдена, в свободное от фотографии время подрабатывавшего таксистом, всегда больше всего интересовала жизнь города, люди на улицах Нью-Йорка. Его первый крупный проект был репортажной съемкой Кони - Айленда. Одна из книг его энергических и емких городских фотографий так и называлась — “Facing New -York”.
ЧИЕН-ЧИ ЧАН (CHIEN-CHI CHANG)
Чиен-Чи Чан родился на Тайване в 1961 году, но с детства жил в Америке и обучался в Университете Индианы. В 1990-м он стал фотографировать для газет The Seattle Times и The Baltimore Sun. Прославился Чиен-Чи Чан своей выставкой The Chain (позже была выпущена одноименная книга). Это была коллекция портретов, сделанных в тайваньской психиатрической лечебнице. Выставка получила широкое признание, побывала на Венецианском Биеннале и на Биеннале в Сан - Паулу. Позже Чиен-Чи Чан выпустил две книги фотографий, с нетрадиционной точки зрения фиксирующих свадьбы — «I Do I Do I Do» с одинокими причесывающимися невестами и растерянными женихами и «Double Happiness», где показаны союзы молоденьких деревенских вьетнамок и взрослых тайцев. Чиен-Чи Чан работает с «Магнумом» уже 10 лет; живет он между Тайпеем и Нью-Йорком.
КОНСТАНТИН МАНОС (CONSTANTINE MANOS)
Константин Манос, американец греческого происхождения, родился в 1934 году и закончил Бостонский университет по специальности «английская литература». Манос начал фотографировать для школьных газет еще в 13 лет, но очень скоро стал работать как профессионал и к 19-ти уже стал официальным фотографом Бостонского симфонического оркестра. После службы в армии Манос перебрался в Нью-Йорк, где стал работать для журналов — его снимки публиковали Esquire, Life и Look. В 1961-м он выпустил книгу Portrait of A Symphony — результаты работы с Бостонским оркестром. С 1961 по 1963 Манос пребывал в Греции — итогом стало The Greek Portfolio — а в 1963 принял приглашение в «Магнум» (в первый раз, кстати, он посылал туда свои снимки еще в возрасте 17 лет). Работы Маноса находятся в постоянной экспозиции в таких музеях, как Музей Современного Искусства в Нью-Йорке, Институт Культуры Чикаго, Национальная Библиотека Парижа, Музей Бенаки в Афинах и во многих других.
»»
10.5.2006 - 31.5.2006
Французский институт в СПБ, Информационное агенство «ARTINDEX» представляют выставку Сергея Бакина «Бордо. Санкт-Петербург» (живопись, графика) ...
На данной выставке Сергей Бакин представил живопись и графику, относящуюся к одному из классических жанров изобразительного искусства – городскому пейзажу. Виды Санкт-Петербурга и Бордо вдохновили художника на создание великолепных полотен, завораживающих своей изысканностью и элегантностью. География не определяет видение художника, напротив, он создает свой собственный, ему понятный и интригующий воображение зрителя мир. Выхвачен ли на полотне маленький петербургский дворик или предметом изображения избран фасад грандиозного готического собора – картина наполнена некой двойственностью восприятия – любованием и осознанием неизбежности забвения. Архитектура, определяющая городской ландшафт, становится поводом для выражения графической фантазии художника. Изобразительные средства, на первый взгляд кажущиеся скупыми, за счет виртуозной техники мастера превращаются в наполненную ритмом и мелодикой гармонию. Соприкосновение с искусством Сергея Бакина неизменно оставляет чувство щемящей грусти по утраченному великолепию, и работы художника, как частица этого великолепия, становятся еще более притягательными для зрителя.
Бакин Сергей Владимирович
Живописец. 1957 г.р. (Ленинград).
Образование: ЛВХПУ им. В.И. Мухиной.
Проф. организации: Союз Художников России; СПб пастельное общество.
Персональные выставки:
Открытие выставки состоится 10 мая в 17:00 в залах Медиатеки Французского института в Санкт-Петербурге по адресу: наб. реки Мойки, 20
Выставка открыта: вторник с 14 до 21, среда - пятница с 14.00 до 18.30, суббота с 11.00 до 16.00
Телефон для справок: (812) 571-0995
»»
11.5.2006
ГРМ приглашает в Строгановский дворец (Невский пр., 17) на открытие выставки Наталии Григорьевой...
Московская художница Н.Григорьева окончила Московский полиграфический институт и Институт французского языка и культуры в Париже. Стажировалась в школе дизайна Милана. Художница оформила около 120 книг и книжных серий, буклетов, календарей, журналов, каталогов и т.д. Григорьева - член Московского союза художников. Ее работы находятся в собрании фонда культуры, частных и корпоративных коллекциях России, Англии, Австрии, Израиля, Италии, Люксембурга, США, Финляндии, Франции, Южной Кореи, Японии.
открытие 11 мая в 16.00
»»
12.5.2006 - 11.6.2006
Галерея "КвадраТ" (СПб) преставляет выставку Владимира Духовлинова
«Детали эфира» /живопись ....
Самостоятельные подходы в живописи художник нащупывал довольно долго, зато и результат был весом. Ему удалось найти "сумму приемов", скорее, живописную методоло-гию, органично отвечающую его душевным движениям и эмоциональному состоянию. Оду-хотворенная поверхность полотен Духовлинова глубоко содержательна. Именно она кон-центрирует эмоциональный потенциал образа и формирует функцию повествования…. Ра-зумеется, эта повышенная "образная нагрузка" требует от поверхности совершенно особых качеств.
Дело не в технических приемах, хотя художник применяет самые разнообразные средства - экспериментирует с грунтами, употребляет рельефные прокладки и т.д. Важнее иное - торжествующее единство цвета и фактуры, позволяющее цвету обрести почти тактильную, осязательную материальность, а фактуре стать своего рода "опредмеченным", материали-зованным цветом. В результате возникает совершенно особая цвето- пластическая среда - даже не "шум поверхности", а, скорее музыка поверхности... Потому живопись Духовлинова обладает даром саморазвития - настолько органичным и неисчерпаемым предстает генерируемый ею поток новых звучаний и значении...
Владимир Духовлинов родился в 1950 году в Даугавпилсе. Окончил Серовское училище как реставратор, в 1976 г. Академию промышленного искусства им. В.И.Мухиной. Работал на Ижор-ском заводе дизайнером.
С 1980 г. - участник Неформальных выставок Товарищества Экспериментального Изобразитель-ного Искусства (Т.Э.И.И).
Работы художника находятся:
Государственный Русский музей, С.-Петербург; ЦВЗ "Манеж", С.-Петербург; Museum of Modern Russian Art, Norton Dodge, Александрия, США; The University of Sidney, Австралия; частные коллекции России, Англии, Франции, Германии, Швейцарии, США, Австралии и Швеции.
Галерея «КвадраТ» находится по адресу: Санкт-Петербург ул. Куйбышева, 28 (бельэтаж)
Тел.: 232-1238 info@russkialbum.ru
»»
12.5.2006 - 17.5.2006
Петропавловская крепость (СПб) – Выставочный проект Петра Швецова "Цусима"...
в Петропавловской крепости в выставочном комплексе "Потерна и каземат Государева бастиона" открывается выставка художника Петра Швецова, кураторов Глеба Ершова и Дмитрия Шляхтина "Цусима", посвященная памяти одного из трагических событий в военной истории России.
"Цусима" – выставка-путешествие, в котором зрителю предстоит погрузиться в пространство Цусимы. Длинный коридор потерны с низким сводчатым потолком и тусклым "подземным" светом – начало пути. В узких бойничных нишах, проделанных в толще кирпичной кладки (темной и влажной от сырости) кое-где светятся в стеклах лайтбоксов картинки цусимского боя – смутные изображения, отдаленные от нас толщей прошедшего времени. Нитевидная змейка на экране осциллографа – след невидимых процессов памяти и, одновременно, живой путь события, все еще не потерявшегося во времени. Возможная клаустрофобия или же ощущение холодка истории, "заползающего" за ворот, возникают и от специально организованного "звучащего" пространства.
Сомнений нет – вы находитесь глубоко под водой: путь из коридора выводит в огромный наглухо задраенный сводчатый зал; над вами – волнующаяся гладь моря; внизу, по центру – картина дна акватории цусимской бухты с затонувшими российскими кораблями. Камера невидимого батискафа фиксирует сквозь толщу мутной воды остовы, очертания судов, нашедших здесь свой покой. Оглядевшись, зритель замечает едва-едва мерцающие черные лампочки, высвечивающие по стенам крохотные рисунки с зарисовками карты боя и маршрутами эскадр. Слышны глухие удары, равномерный гул, тяжело ухает масса воды, иногда слышен резкий неприятный треск: как будто помеха в записи от взрыва или столкновения.
В завершении выставки-путешествия – "всплытие". Ослепительный свет. Рюмка водки. Вальс "На сопках Манчжурии".
»»
12.5.2006
ГРМ и Фонд восстановления дворцов Русского музея приглашают на культурно-просветительскую акцию «Цветение крокусов в Михайловском саду» ( Вход со стороны Храма «Спас на Крови»)...
В России традиция «цветущих газонов» исчезла из практики садово-паркового искусства. Но сегодня Русский музей впервые в Санкт-Петербурге возрождает этот старинный ландшафтный прием на территории Михайловского сада.
Расположенные на газонах цветники являются одним из уникальных элементов пейзажной композиции Михайловского сада.
Для регулирования площади цветения на территории Михайловского сада весной 2006 г. будет проведена пересадка раннецветущих растений. Данные работы проводятся только весной, когда стебли растений еще видны на газоне.
В программе акции: проведение ландшафтными фирмами мастер-класса по пересадке крокусов, концерт, экскурсия по Михайловскому саду.
начало в 13.00
»»
12.5.2006
Театр АХЕ в киноклубе ZeroCinema(СПб). ZeroCinema полностью превратится в площадку Русского инженерного театра АХЕ. Наступление АХЕ пройдет по всем фронтам...
• Выставка фотографий Максима Исаева (АХЕ) INSIDEOUT;
• Живой перформанс Максима Исаева и Павла Семченко (АХЕ) «229 неверных движений»;
• Показ видео-фильмов АХЕ в сопровождении горлового пения (Александр Балсанов);
• Презентация DVD со спектаклем «Фауст в кубе. 2360 слов» и продажа дисков АХЕ.
Большинство фильмов, которые будут показаны в ZeroCinema, были созданы раньше, чем группа начала позиционировать себя как стабильный театральный коллектив, имеющий набор готовых к исполнению спектаклей. Однако даже поверхностного знания теперешней театральной практики АХЕйцев достаточно, чтобы узнать особенности их метода и в ранних фильмах. Максим Исаев и Павел Семченко — прежде всего художники. Причем художники, заинтересованные не столько в разработке внутренних тонкостей своего ремесла, сколько в экспансии художественного в сопредельные картинной плоскости сферы. Логично, что первым шагом в этом направлении стало кино. Все еще сильно напоминая картину, кадр АХЕйских фильмов обогащается движением и звуком и приобретает внутреннюю временную наполненность. Пока идет фильм, картина создается, корректируется, оспаривается альтернативными вариантами, претерпевает внутренние метаморфозы, в конце концов уничтожается — но при этом остается, только уже как фильм. Отсюда всего один шаг до живой работы с пространством, к которому АХЕйцы и перешли в своей дальнейшей театральной практике. А фильмы остались не только ярким эпизодом творческой истории группы, но и тонким инструментом для понимания ее дальнейшего развития.
Впрочем, и сама театральная практика группы предоставляет порой возможности для обратного движения к художнической плоскости. Фотографии Максима Исаева прерывают непрерывность театрального действа, снова заменяя интенсивность временного переживания на экстенстивность пространственного построения, и таким образом дают зрителю возможность сопоставить театральный опыт непосредственного соучастия с умиротворенно-сосредоточенной созерцательностью, присущей анализу и восприятию статических визуальных искусств. Видимо, забота о возможности такого рода переключений и является главной «фишкой» АХЕйского движения.
Киноклуб ZeroCinema располагается на территории действующего рекламного агентства Zero Headline Advertising. Клуб является закрытым, но 12 мая будет открыт для всех желающих. Цена входного билета – 300 рублей. Билеты можно приобрести непосредственно в ZeroCinema перед спектаклем, предварительно зарегистрировавшись на сайте
Регистрация обязательна!
Источник: Zero Headline Advertising.
»»
12.5.2006 - 2.6.2006
Городской выставочный зал(Петрозаводск). "Загород", проект молодых художников (фото, видео, графика, живопись, инсталляция)....
Загород - почти что заграница, за-рубеж – место, противоположное городу - обратная сторона цивилизации и шумной городской жизни. Есть в этом слове нечто неизведанное, опасное и манящее. Деревня, избы, старина и вместе с тем дача, отдых, пленэр - все эти подзабытые за долгую зиму сюжеты и образы легли в основу экспозиции, составленной из 80 произведений молодых художников г. Петрозаводска. «За город!..» - выражение актуальное именно в мае, накануне отпусков и дачного сезона. «Пригород…» - мрачноватый поворот в развитии той же темы.
Это второй проект группы молодых художников и их куратора – известного живописца и педагога Артёма Стародубцева. В 2004 году состоялась их первая выставка под названием «Город». Тогда в Медиа-центре «Vыход» было представлено около 50 произведений, преимущественно в техниках фотографии и печатной графики. Произведения в этих же техниках преобладают и в новой экспозиции. Большинство работ, продолжающих тему города и выхода из него вовне, за-город, создано участниками в 2006 году, что придает новой выставке дополнительную особенность. Проект не ставит целью исследование русской деревни, глубокое осмысление социальных болезней «уходящей России». Авторов больше волнуют темы художественные, «от искусства»: фиолетовые тени на старых досках (например, серия фотографий Нины Олконен), фрагменты прошлого в настоящем и наоборот (серия «Забвение» Ольги Добряковой, триптих «Лица» Татьяны Мюлляри), наложение бытовых и литературных сюжетов (видео «Параллель» Дениса Волгина) и др. На игре различных смыслов и порождаемых ими образов строится повествование о жизни за городом в произведениях 12 молодых художников, представленных на выставке, познакомиться с которой можно в течение мая 2006 в Городском выставочном зале Петрозаводска.
Екатерина Рычкова
Участники выставки:
Денис Волгин (р.1982), Владлена Громова (р.1983), Артём Парамонов (р.1981), Илья Инюткин (р.1980), Наталья Егорова (р.1985), Надежда Белая (р. 1986), Алексей Лебедев (р.1979), Ольга Добрякова (р.1982), Любовь Мюрюляйнен (р.1984), Светлана Буденкова (р.1983), Дмитрий Трифонов (р.1984), Юрий Белкин (р.1983), Екатерина Рычкова (р.1975), Нина Олконен (р.1965), Екатерина Мелкуева (р.1984), Дмитрий Дмитриев (р.1985), Татьяна Мюлляри (р.1984), Мария Бахова (р.1985),
»»
13.5.2006 - 14.5.2006
Фестиваль IZOLENTA! Международный фестиваль цифрового кино. ...
Фестиваль состоится 13-14 мая 2006 года в модном клубе «Грибоедов». По итогам конкурса будут вручены почетные дипломы и памятные призы авторам лучших работ, а также планируется выпуск DVD с фильмами-победителями.
Целью кинофестиваля является развитие национальной культуры, прежде всего в области киноискусства и современных технологий, поиск новых талантов и авангардных направлений. Задачи кинофестиваля - показать формирование новой философии кино, основанной на доступности процесса кинопроизводства, раскрыть возможности нового цифрового языка кино, проследить взаимосвязь различных направлений визуального искусства: игрового и документального кино, видеоарта и анимации.
»»
13.5.2006 - 21.5.2006
Государственный центр фотографии(Санкт-Петербург). Международный фестиваль современных форм танца, искусства импровизации и перформанса во взаимодействии с литературой. "Слово и тело". ...
»»
15.5.2006 - 5.6.2006
ММСИ представляет выставку "Возвращение в праздник" Живопись В.Н. Лисицкого и Т.И. Рыжовой...
Московский музей современного искусства представляет выставку искусства супружеского дуэта Виктора Никитовича Лисицкого и Татьяны Ивановны Рыжовой. Их произведения призывают зрителя к «возвращению» в мир простосердечного, кроткого веселья. Здесь самые обыденные вещи способны дарить удивление и радость.
В.Н. Лисицкий пришел в живопись уже сложившимся человеком: в прошлом великий гимнаст, пятикратный серебряный призер Олимпийских игр в Токио (1964), Мехико (1968), затем долгие десятилетия – заведующий кафедрой Химико-технологического института им. Менделеева. И вот в начале XXI в. он начинает участвовать в выставках – неожиданно являет себя миру как самобытный наивный живописец.
Ключ к творчеству художника - в его благодарной очарованности миром. Его персонажи - люди и звери, простосердечны, мудры и добры, а окружающий их вещный мир одушевлен и очеловечен. По словам известного искусствоведа Виталия Пацюкова: «Мир в своей одухотворенной повседневности предстает в искусстве Виктора Лисицкого как осуществленный рай. Его герои не переступают границы соблазна, они все растворены в естественной данности – в небе и в земле, в вине и хлебе, в любви и доверии друг к другу».
Живопись Татьяны Ивановны Рыжовой созвучна работам супруга, она так же пронизана атмосферой «круговой поруки добра» и домашней идиллии. Живописная манера художницы определяется иконописной традицией, искусством начала XX века (Наталья Гончарова, Борисов Мусатов, Павел Кузнецов), и, не в последнюю очередь, народной традицией лубка. Дипломант Российской академии художеств, она награждена серебряной медалью РАХ. По улочкам старых русских городов с их уютной патриархальностью и деревенским проселкам спешат по делам женщины, бродят собаки и козы, гордо шествует драчливые петухи – всё это на картинах Татьяны Рыжовой..
Выбирая незатейливые будничные сцены и пейзажи, художница погружает зрителя в свой глубоко эмоциональный мир, в котором «земные приметы» приобретают высший смысл и поэтическое звучание.
Официальная церемония открытия выставки состоится 15 мая 2006 года в 17.00 по адресу: Московский музей современного искусства, ул. Петровка, 25, (м. «Пушкинская», «Чеховская»).
»»
15.5.2006 - 27.6.2006
ГРМ (Мраморный дворец). Выставка Александры Вертинской «Визуальный архив»...
Внучка легендарного русского актёра и шансонье, автора знаменитых театрализованных песен, дочь актрисы и архитектора. Она не только художник, но и публичная персона: ведущая собственной авторской телепрограммы, участник многих телепроектов, персонаж светской хроники.
Серии работ, представленные на выставке, позволяют проследить как постепенно в творчестве Вертинской складывается то, что можно назвать оптикой памяти. Она реализуется прежде всего в многолетней венецианской серии. Главной для ее творчества становится тема альбомности, семейственности, то есть прохождения изобразительного мотива «сквозь» несколько поколений и биографий.
»»
16.5.2006 - 23.7.2006
Государственный Эрмитаж (СПб) – "Хогарт, Хокни и Стравинский. Похождения повесы"...
"Хогарт, Хокни и Стравинский. Похождения повесы" Государственный Эрмитаж
Вы думали о том, как странно устроен этот мир? Ежечасно развиваясь и меняясь во внешних проявлениях, он остается неизмененен по своей сути. Низменные желания – рождаются ли они в человеке под воздействием обстоятельств и общества или просто спят в каждом из нас, готовые к пробуждению, чтобы перерости в тяжелые пороки – тщеславие, мотовство, распутство?... И есть ли у людей силы бороться с этим? Чтобы понять, мы оглядываемся назад, через столетия... всматриваемся в то, что к нам пришло из прошлого в первозданном состоянии – тексты, рисунки, предметы быта, и сравниваем это с настоящим.
На выставке, которую Государственный Эрмитаж и Британский Совет представляют совместно с Институтом Про Арте, Вы сможете не только ясно увидеть, как человек неизменен в своих желаниях, но и то, как меняется его отношение к ним. В этом Вам помогут работы трех творцов из различных эпох, объединенных одной сюжетной линией – "Похождения повесы".
Первый – Уильям Хогарт (1697-1764) – знаковая фигура для искусства Британии. Гравер, живописец, карикатурист XVIII века, в своих работах он отобразил яркие и драматические сцены из повседневной жизни Англии, пережившей буржуазную революцию. Сценичность и реализм его гравюр погружают в Англию времен нуворишей и увядшей аристократии, в контрасты современного художнику Лондона. В представленных на выставке гравюрах изображена жизнь юноши – богатого наследника, отвергающего мораль. Он проматывает состояние, доставшееся ему от отца, кочуя из борделя в бордель, и заканчивает свою жизнь в Бедламе, лондонском приюте для умалишенных. Где, как последняя надежда на духовное спасение, девушка-крестьянка протягивает руку нечестивцу, облегчая его последние муки.
Время и персонажи, переданные английским художником немыслимо точно, спустя века поразили композитора Игоря Стравинского (1882-1971), переехавшего из послевоенной Европы в сравнительно благополучную Америку и увидевшего, благодаря гравюрам Хогарта, сходство между Лондоном XVIII века и Нью-Йорком 50-х. Стравинский считал, что "настоящим делом художника является ремонт старых кораблей, он может повторить по-своему лишь то, что уже было сказано". Поэтому, взяв за основу увиденный сюжет, он написал единственную в своей жизни полномасштабную оперу "Похождение повесы" на либретто британцев Уистена Одена и Честера Колмена. Отчасти благодаря Одену, но в основном благодаря изменившемуся со времен Хогарта мировоззрению, опера не содержит в себе того морализаторства и прямолинейной выразительности, которых в достатке на гравюрах. Неоклассическое по стилю произведение превращает главного персонажа в трагического героя, придавая ему шарма и неоднозначности. Отрывки из оперы будут представлены в день открытия выставки ансамблем Института ПРО АРТЕ в Эрмитажном театре.
Дэвид Хокни (р. 1937) – третий художник, представленный на выставке, интерпретировал содержание работ Хогарта и Стравинского с точки зрения бунтарских 60-70-х., придав им свойственную тому времени эстетическую остроту, но лишив еще большей части морализаторства. Ведь Хокни, как никто из предшественников, мог соотнести себя с персонажем "Похождений повесы". Дэвида Хокни относят к числу британских прародителей поп-арта наряду с легендарным Энди Уорхоллом, он входит в десятку самых высокооплачиваемых художников планеты и прославился не только в живописи и графике, но и в создании театральных декораций, фотографий и гравюр.
По опросу радиостанции BBC Radio 4 и Национальной Галереи 2005 года сатирическая гравюра из серии "Похождения повесы" входит в десятку самых любимых британцами произведений искусства, а Дэвид Хокни остается одним из самых востребованных художников.
Тема безумных денег, славы и безграничной власти звучат как никогда более актуально. Посетите выставку, и благодаря таланту представленных на ней художников вы сможете заглянуть не только в прошлое, но и в свое Я.
Информационные партнеры: радио Эрмитаж, газета The St.Petersburg Times и журнал Афиша. Дополнительная информация и материалы: Британский Совет Т. (812) 718-50-60 Менеджер по маркетингу и связям с общественностью Станислав Смирнов, stanislav.smirnov@britishcouncil.ru Менеджер проектов по искусству Алла Васильева
»»
16.5.2006 - 28.5.2006
ГЦСИ(Москва). "Caucasus". Живопись, фото- и видеоработы художников Азербайджана, Армении, Грузии, России ...
Впервые за последние 15 лет в Москве демонстрируется новейшее искусство Кавказского региона. В выставке участвуют более 30 художников из Азербайджана, Армении, Грузии, Дагестана, России. Представлено около 100 работ – живопись, фотографии, объекты, произведения видеоарта. Тема выставки – выявление взаимоотношений между уникальными традиционными формами древних культур Кавказа и новейшей образностью.
«Кавказ в сознании русской культуры всегда оставался преддверием идеального. Он приводил к гармонии российское «горе от ума», давал ему успокоение и приют в самом предельном контексте этих метафизических реалий, отвечая на все российские вопросы чувственной щедростью. Но в этой полноте чувственного, в ее внутренних слоях непреложно выявлялась интеллектуальная конструкция, окрашиваясь барочностью кавказского рельефа. Мужественная пейзажность Кавказа, вершины его гор, глубокие впадины и открытые долины абсолютно тождественны строению его визуальной культуры. Образность природы и искусства Кавказа живут в едином согласии, словно перетекая друг в друга, составляя единую «рифму» и подтверждая универсальный принцип соответствия. Они обладают целостной энергетикой, особой фундаментальной метрикой и динамической общностью топографии». (Виталий Пацюков, куратор выставки).
Выставка демонстрирует внутреннее единство и, вместе с тем, самобытность искусства каждого из кавказских регионов. Она складывается из нескольких самостоятельных национальных разделов. Работы грузинских художников объединены в проект «Атмосфера 41º». 410 – эта параллель, на которой расположены Тбилиси, Рим, Барселона, Нью-Йорк… В 1918 году И.Терентьев, А.Кручёных и Илиазд (Илья Зданевич) основали в Тифлисе «Университет 410 – Новая Поэтическая Школа». «410» как культурная институция соединяла и представляла прогрессивные и инновационные тенденции кавказского и европейского арт-пространства, что значительно повлияло на становление грузинского модернизма. По мнению куратора грузинской части экспозиции Магды Гурули, современное искусство Грузии, вышедшее из этих традиций и формировавшееся в мульти-этнической и мульти-культурной среде, сохраняет сегодня связь как с российскими, так и с западными источниками и характеризуется особой идеологической и этической направленностью. «Тактильность» древней культуры Грузии, ее «вещественная» убедительность находит сегодня себя в искусстве объектов и инсталляций, отстаивая свою суверенность в избыточном многообразии современного искусства.
Проект, представленный мастерами Азербайджана, носит название «AzArt-ные игры». Азербайджанский куратор Лейла Ахунд-Заде отмечает, что ситуация на художественной сцене Азербайджана до недавнего времени была достаточно монохромна. Постоянное апеллирование к фольклору, мифологии, культурный пассеизм и сейчас являются превалирующими компонентами современной культуры. Однако то, что происходит сегодня в Азербайджане в сфере фотографии, видеоарта, других форм современного искусства, демонстрирует желание художников влиться в актуальный художественный контекст, «говорить на одном языке с миром», сохраняя свою традиционную ментальность.
Армянские художники представлены на выставке серией видеоработ. «Оптика» армянской культуры переживает сегодня радикальные изменения. Она наделяется динамическими технологическими формами, покидая свое видение мира как картины, трансформируя наследия Мартироса Сарьяна, Григоряна-Джотто и Бажбеука Меликяна в диалектику мультимедиа. Методологии видеоарта, мерцающие смыслы новейшей визуальной культуры предстают в проектах армянских художников естественным продолжением великих традиций ее книжной миниатюры и живописи. «Российский Кавказ» представлен дагестанским проектом «…Каранай, Гази-Кумух, Кубачи …». Рассматривая художественную реальность как непрерывную «ткань», художники Дагестана переносят ее структуру в текстовые формы, поэтическую образность национальных географических имен. Представленные отдельным проектом произведения Наталии Мали – единственный в рамках выставки взгляд на мир Кавказа не изнутри, а извне, со стороны иных традиций и иной ментальности.
»»
17.5.2006 - 12.6.2006
Московский музей современного искусства приглашает на выставку Айдан Салаховой...
Куратор: Елена Селина ПРАВИТЕЛЬСТВО МОСКВЫ
РОССИЙСКАЯ АКАДЕМИЯ ХУДОЖЕСТВ
МОСКОВСКИЙ МУЗЕЙ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА
XL ГАЛЕРЕЯ
представляют выставку "Айдан"
Выставкой «Айдан» открывается совместная программа Московского музея современного искусства и XL галереи "Москва актуальная", серия проектов современных актуальных мастеров изобразительного искусства.
Намечающаяся экспозиция охватит все жанровое многообразие творчества Айдан Салаховой – известного художника, куратора, галеристки, преподавателя Суриковского института. Одно из основных произведений выставки – инсталляция "Золотое сечение". Ее название красноречиво говорит о стремлении художницы к гармонии. К тому состоянию искусства, где части полностью соответствуют целому, а целое – находится в согласии с элементами, его составляющими. И, разумеется, речь идет не только о чисто пластическом воплощении искусства, но и о том ментальном содержании, которое его пронизывает и в результате должно стать неотличимым от формы. Айдан Салаховой это удается, занимается ли она живописью, графикой, инсталляциями или видео-артом. И очень важно, что ее искусство совершенно очевидным образом строится на борьбе и абсолютном слиянии противоположностей. Это верность высокой традиции и безупречное владение техниками, привычными для искусства на протяжении веков, но здесь же – новаторство и технологии, вошедшие в арсенал искусства совсем недавно.
Это безмятежность и тревога, конфликт и мир, провокация и сглаживание противоречий. Это ирония и серьезность, холод и жар, прозрачный воздух и пряные ароматы. В произведениях Айдан парадоксальным образом сочетается, что-то, что может шокировать, и красота в ее классическом понимании, интерес к восточной традиции и полная включенность в глобальный контекст.
Естественно, это вечный разрыв между женским и мужским и их внутренняя нераздельность, идет ли речь о биологическом, культурном, философском, социальном аспектах мужского и женского. Это ночь и день, солнце и луна, вечно сменяющие друг друга, и благодаря этому круговороту только и возможна жизнь, а соответственно, искусство.
Выставка Айдан, на которой представлены работы от ранних, сделанных в начале 90-х, до самых последних, показывает, как художница, оставаясь верной выбранному пути, оттачивает свое мастерство во всех его проявлениях. Салахова – убежденный перфекционист. Ее работы сделаны именно так, как они должны быть сделаны, ни прибавить, ни отнять ничего не возможно. Но при этом они не превращаются в памятники самим себе, они – живут своей таинственной жизнью, засыпают и просыпаются, как героиня одной из видеоинсталляций Айдан.
Осип Мандельштам написал когда то: "Сестры тяжесть и нежность, одинаковы ваши приметы…". Собственно, искусство Салаховой, несмотря на все свои различия с поэзией Мандельштама, – об этом же. Оно показывает, что противоречия между тяжестью и нежностью, вопросом и ответом, луной и солнцем, в конечном счете, нет. При условии, что говорит об этом мастер.
Никита Алексеев
Официальная церемония открытия выставки состоится 16 мая 2006 года в 19.00 по адресу: Московский музей современного искусства, Ермолаевский пер., 17 ( м. Маяковская).
»»
17.5.2006 - 21.5.2006
Участие pARTner gallery в 10-й международной ярмарке современного искусства "Арт Москва". Центральный Дом художника на Крымском валу....
Стенд pARTner gallery: 18-2 на 3 этаже
Будут представлены три проекта:
Катя Голицына "Прафеномены или посвящение Гёте". 2005
Фотографика
Валера и Наташа Черкашины "Нью-Йорк. Танец 1". 2004 Цифровая печать на фотобумаге Kodak Professional Endura Metallic
Китайский проект совместно с Ангелом Гешевым (партнер в Китае): шелкография современных китайских художников
Также будут представлены фотографии петербургских фотографов: Бориса Смелова, Марии Снигиревской и Александра Соколова
»»
17.5.2006 - 28.5.2006
«Галерея на Солянке»(Москва). Выставка "Палитра ушедшей эпохи". ...
Выставка представляет работы шести художников советского периода, очень разных, каждого со своей сложившейся манерой письма. Никого из них сейчас нет в живых, а их живопись уже стала частью истории русского изобразительного искусства.
Зинаида Аничкова-Сапожкова (1886-к.1970 н.1980) Вениамин Сафонов (1921-2004)
Юрий Дарий (1932-2001)
Анатолий Талалаев (1929-1989)
Андрей Овчаров (1926-1994)
Ефим Дешалыт (1921-1996)
Даже самая беспощадная к творчеству эпоха не может воспрепятствовать свободе самовыражения, духовным поискам, а значит – образам подлинного искусства. Отгороженная частоколом запретов подцензурная зона, в которую превратилась социалистическая Россия - не исключение. Преодолевая бескрылость официально утвержденных границ социалистического реализма, художники находили темы, образы, в которых сиюминутное превращалось в вечность. Одни – деля себя между госзаказом и работой для души, «в стол», другие – в русле разрешенных тенденций воплощая размышления о судьбах мира, которые далеко не всегда совпадали с государственной идеологией, третьи – отказываясь от компромиссов и, без надежд на признание, полностью отдавшие себя духовному поиску. Они - дети оттепели, в которой им почудилось дыхание весны, пробуждение надежд. Звон капели отозвался на их полотнах засверкавшими красками оттаявшей палитры. И даже наступившие вскоре заморозки не смогли их погасить.
Они не принадлежали к авангарду, не ломали каноны реализма, не шли напролом. Неповторимость голосов пронизывает картины, написанные подчас на вполне обыденные, привычные сюжеты. Но, всматриваясь в их полотна, столь разные по стилю, манере, трактовке одних и тех же событий, видишь не просто ретроспективу, а грандиозную панораму жизни. Вчерашней жизни, стремительно уходящей в историю. И, кажется, наступил тот момент, когда нужно оглянуться, отметив не только пропасти и вершины былого, но и весь культурный ландшафт эпохи. Увидеть дороги, ведущие в будущее.
Темой выставки стало творчество художников 50-х – 80-х годов ХХ столетия, их судьбы, попытки тем или иным способом вырваться из плена своего времени. Объединяя в настоящей выставке несколько имен – частью – известных, частью – полузабытых, представить исторические события в индивидуальном восприятии каждого из них.
Идея выставки – проникновение в суть эпохи, запечатленной современниками.
»»
18.5.2006 - 31.12.2006
Выставка костюма XVII-нач. XX вв. из фондов Музея-заповедника "Павловск" (Ленинградская область)...
18 мая 2006 г. в залах Северного полуциркульного корпуса Павловского дворца планируется открытие выставки костюма XVIII - нач. XX вв. из фондов государственного музея-заповедника "Павловск". На экспозиции будет представлена коллекция уникальных образцов придворного, бального и повседневного гардероба. Среди экспонатов можно увидеть как мемориальные предметы, так и приобретенные у частных лиц и в антиквариате.
»»
18.5.2006
Михайловский дворец. Возвращение в коллекцию Государственного Русского музея работы И.Н.Крамского «Портрет крестьянина (Мужской портрет)». ...
Иван Николаевич Крамской написал картину «Портрет крестьянина» в 1868 году. Это произведение - первый портрет крестьянина в созданной И.Н.Крамским серии положительных образов людей из народа, в котором нашли наиболее яркое выражение демократические взгляды автора. Скрупулезно запечатлев облик крестьянина, Крамской подметил и передал в портрете черты, присущие людям 1860-х годов – серьезность, внутреннюю силу, чувство собственного достоинства. В работе над портретом художник использовал нестандартную технику - волосы на бороде крестьянина процарапаны обратной стороной кисти. Благодаря этому приему художник добился большей реалистичности изображения.
»»
19.5.2006 - 25.5.2006
Галерея Феникс(Москва). Выставочный проект "Мой город" (работы молодых художников – учеников Татьяны Назаренко). ...
На выставке представлены работы молодых художников – учеников Татьяны Назаренко – заслуженного художника России, члена президиума Российской Академии Художеств, љкоторая явилась и идейным вдохновителем и культурно-эстетическим цензором проекта.
љЗдесь экспонируются более 60-ти живописных работ, объединённых единой темой – ГОРОД. Город – огромная часть нашей повседневной жизни. Для каждого он свой, абсолютно разный. Кого-то вдохновляет историческая его часть, кого-то - индустриальная, спальные районы, шикарные магазины и кафе, метро, вокзалы и уличные торговцы, бродяги и бомжи. Авторы – яркие представители культурно-художественной жизни столицы, они ведут активную выставочную деятельность и раскрывают перед нами новые тенденции современной школы живописи.
Арзамасцева Полина,
Бронникова Наталья
Ван Цюньи
Граборова Ирина
Зудов Пётр
Кайрамбаева Дарья
Кулакова Людмила
Куншина Екатерина
Малинина Юлия
Монгуш Алдынай
Нистратова Елизавета
Пещанская Марина
Помелов Фёдор
Псарёва Мария
Черных Елена
Адрес: Москва, Кутузовский пр-т, дом 3
Телефон: (495) 243-49-58
»»
20.5.2006 - 18.6.2006
Музей нонконформистского искусства и Арт-Центр «Пушкинская 10». Выставка Вячеслава Шмагина (живопись, графика). ...
«Вячеслав Шмагин переводит на современный язык национальные традиции, которые уходят корнями в культурное наследие Византии. Организация пространства во многих его работах 1990-х годов кажется навеянной иконописью, настенной росписью или прикладным искусством византийской традиции. При взгляде на его произведения, вспоминаются, например, средневековые диптихи с эмалью константинопольской рабо-ты, где металлическая основа, оклад и само изображение выполнены в одной плоскости. Он достигает удивительно гармонического слияния «древнего» с «современным»…
Из статьи итальянского критика Патриции Ферретти к каталогу выставки «Icone del Duemila»
Вячеслав Шмагин - художник, чья индивидуальность несет на себе печать тонкого интеллекта и высокого профессионализма. Он нашел свой живописный язык в образах народной культуры и юмора, исторической памяти, в глубинах ис-тинно русской духовности.
Умение представить объект как идею, передать дух в зримом образе, позволя-ет Вячеславу Шмагину добиваться органической полноты и взаимодействия живо-писной формы и ее содержания.
Важнейшие вопросы бытия поднимаются в его творчестве до высоты фило-софского обобщения, приобретая новый смысл и окраску: вечное противостояние элементов дуалистических сил и, в первую очередь, добра и зла, пронизывают все-ленную, порождая все человеческие оппозиции. Поиски преодоления этого противо-стояния, возможности моральной победы над силами зла - составляют основу миро-воззрения художники и находят свое выражение в идее Божественного присутствия во всех проявлениях жизни как высшей ценности, связанной с добром и истиной.
Характерная, подчеркнуто графическая проработка пластической формы от-личает творчество В. Шмагина, когда графическая основа полотен не вступает в противоречие с живописью, поскольку, взаимопроникая, они создают единое, эсте-тически утонченное пространство, где цветовые вибрации и богатство эффектов оп-ределяют высокое декоративное качество полотен.
Концентрированная духовность и эмоциональная насыщенность полотен В. Шмагина, их подчеркнутая эстетика - создают мощное энергетическое пространство, притягивающее в свое поле зрителя, который, в соответствии с собственным внут-ренним темпераментом и духовным настроем, становится сопричастным магиче-скому миру художественных образов.
Ирина Сирадзе
Историческая справка:
Вячеслав Шмагин родился 5 января 1951 года в России г. Кимры. Проживает г. Дуб-на. В 1975 г. окончил Московское художественное училище Памяти 1905 года.
С 1979 г. - постоянный участник выставок неофициального искусства в гале-рее на Малой грузинской улице в г. Москве. В 1982 г. вступил в Товарищество Экс-периментального Изобразительного искусства в г. Санкт-Петербурге. Участвовал в выставках группы художников «Пятая четверть». В 1990 г. стал членом Товарище-ства «Свободная культура». Работы находятся в частных коллекциях нашей страны, Германии, Франции, США, Швейцарии, Польши, Турции.
»»
20.5.2006 - 18.6.2006
Музей нонконформистского искусства и Арт-Центр «Пушкинская 10». «Неизвестный Смелов» (фотографии Б. Смелова 1960 – 1990-х гг. из цикла Ленинградский фотоандеграунд»)....
На данной выставке представлено 70 малоизвестных фотографий выдающегося ленинградского фотографа Бориса Смелова из собрания магазина «На Литейном». Б. Смелов родился 13 марта 1951 году в Ленинграде. До 1961 года жил на Васильевском острове и посещал кружок рисования. Учился в математической школе. В 10 лет увлекся фотографией. Первая камера – «Любитель». Фотографии учился во Дворце пионеров у Д. Ритова. Получал призы на детских конкурсах, но осознанно стал фотографировать в 17 лет.
В 1968 году в фотоклубе Выборгского дворца культуры познакомился с Б. Кудряковым, который ввел его в круг К. Кузьминского. В этот период был увлечен Петербургом Достоевского. По просьбе К. Кузьминского Б. Смелов снимал портреты неофициальных художников и литераторов.
В 1970 – 1972 гг. учился в Институте точной механики и оптики, в 1972 -1973 гг. - на факультете журналистики в Ленинградском университете.
В начале 1970-х, помимо городского пейзажа, жанра и портрета Б. Смелов стал снимать натюрморты из предметов старинного петербургского быта, любовь к которому перешла по наследству от бабушки. В это время у него уже было две камеры – «Leiсa» и «Rolleiflex» (6х6). Вообще, Борис был чрезвычайно требователен ко всем техническим сторонам фотографического процесса – у него были камеры экстра класса, он снимал на самую качественную пленку, которую можно было найти в нашей стране в то время, печатал всегда исключительно на хорошей бумаге. Поскольку своей лаборатории не было, то печатал у друзей - многие годы в фотолаборатории Леонида Богданова при ДК «Пищевиков».
В конце 1974 года участвовал в первой выставке независимой фотографии «Под парашютом» на квартире К. Кузьминского. В экспозиции было представлено 27 фотографий Б. Смелова.
В 1976 году в фотоклубе Выборского ДК Б. Смелов в качестве творческого отчета представил выставку из 34 фотографий (портрет, пейзаж, жанр, натюрморт). Выставка была закрыта на следующее утро, разгорелся скандал. После этого было полностью сменено руководство Выборгского фотоклуба, а Б. Смелов стал если и не диссидентом, то инакомыслящим в фотографии. В связи с этим скандалом всякое участие в официальных выставках стало невозможным, и поэтому вплоть до перестройки Б. Смелов участвовал только в нелегальных квартирных выставках. В 1977 году он получил Золотую медаль за репортажную серию на 11 Международном салоне фотоискусства в Бухаресте. Во время перестройки у Б. Смелова началась интенсивная выставочная жизнь как у нас в стране, так и за рубежом (Великобритания, Германия, США, Финляндия, Норвегия и т.д.). В 1991 году он посетил Вашингтон, где участвовал в выставке «Изменяющаяся реальность» (галерея «Corcaran). Кроме того, появилась возможность получать различные фотоматериалы с Запада. В 1990-е годы Б. Смелов много экспериментировал с инфракрасной пленкой. «Съемка на инфракрасную пленку помогает мне подчеркнуть некий космизм города, его объектов, эпичность, значительность, трагизм» (Б.Смелов).
Умер Б. Смелов нелепо и трагически на Васильевском острове 18 января 1998 года. Похоронили его 24 января на Смоленском Православном кладбище, которое он многократно фотографировал. «Такое ощущение, что Боря знал о том, что скоро уйдёт из этой жизни. Гуляя по своему любимому Смоленскому кладбищу, он не раз говорил приходившей в ужас от его слов жене: «Обязательно похорони меня здесь, на Смоленском» (М. Снегиревская).
Б. Смелов, начав свой путь фотографа с Петербурга Достоевского и Гоголя, воплотил в сои сюжеты метафизическую тревогу. Затем он увидел и сумел изобразить эсхатологическое предчувствие в парадном, классическом Петербурге, соединив тем самым два противоположных полюса в иконографии Петербурга. Именно, трансперсональная тревога, воплощенная в устойчивой гармонии классики, и сообщают пейзажам Бориса Смелова изысканную трагедийность и изощренную привлекательность.
Вальран
»»
21.5.2006 - 4.6.2006
Музей Сновидений З. Фрейда. Выставкв Елены Игнатьевой #PRO SOLE#...
#PRO SOLE#
Морская Соль или Сны о Стихийном
Размытые контуры, разводы и артефакты на отпечатках, вызванные пребыванием фотоплёнки в морской воде проявляют иллюзорность и сновидность историй повседневности курортников, проводящих у моря лишь краткую часть своего времени. Бушующая стихия и морская соль становятся фоном для фотографирования напамять и проявления квинтессенции «простого человеческого счастья», растворяя временные границы происходящего.
»»
22.5.2006 - 25.5.2006
Творческое объединение "Мансарда художников"(СПб). Выставочный проект Ирины Неделяй "Территория Женщины" ...
Презентация выставки состоится 22 мая 2006 года в 18 часов * и будет сопровождаться круглым столом на тему "Территория женщины в искусстве" или "Возвращение матриархата".
Концепция выставки
Мы против суффикса - ца до тех пор, пока "художник" и "творец" интерпретируется как мужской принцип. Отвергая значение "женского", мужчина сам лишает себя душевной силы. Это очень грустно.
Цель выставки - вот они мы.
Историческая справка выборочно взята у Александра Меня - ускользающий объект нашего смутного цитирования -матриархат, который стоял у колыбели всех цивилизаций.
Идея и реализация проекта "Кусни и иди" принадлежали Еве - мы не можем игнорировать этот фак. Да, у нас такие опечатки. (Ваш Зигмунд). Культ Великой Богини снисходительно позволил мужчинам выйти из ее тени и занять позицию-конфликт, вызывающий "самостоятельность" мужчины как такового.
Культурная справка- цаца, - мелкая рыбешка, которую болгары используют в качестве закуски.
Объяснительная записка
- в воскресенье поросенок, позднее оказавшийся боровом, неожиданно вырвался из-за огородки, напал на свинью, после чего и произошел незапланированный опорос.
P.S. А поросенка-то надо было убить.
КРУГЛЫЙ СТОЛ
Основные вопросы круглого стола на тему "Территория женщины в искусстве" или "Возвращение матриархата" 1. Роль женщины в искусстве. Значение женщины в позиции объекта и субъекта творчества - женщина-вдохновитель и женщина-творец.
2. Творчество или личная жизнь. И не как иначе. Женщина творящая, самим актом творения разрушает свою личную жизнь. Скрытое под маской семейности насильственное отталкивание женщины от творчества вынуждает ее идти либо на поводу у общества, либо +..
3. Творчество как мотив завоевания мужчины. Творчество мужчин порой направлено на завоевание женщины. И акт творения, и его результат и рефлексия над ним могут являться способом овладения внимания женщины. Может ли в свою очередь творческая деятельность женщины привлечь мужчину? Не является ли посвящение себя искусству лишь мотивом для привлечения внимания мужчин?
4. Все женатые мужчины - неудачники. Все известные примеры идеальных супружеских пар в среде искусства единичны и уникальны, их истории знает каждый. Единичные примеры, когда женщина, если не помогла, то просто не мешала мужчине-творцу творить. Женщина - обуза или женщина - муза? А может женщина - оправдание неудачников?
5. Является ли женщина объектом красоты в процессе творчества? Красива ли женщина в акте творения? Может ли творящая в данный момент женщина стать музой, объектом восхищения и обожания? (Миф о богине Афине и сатире Марсии)
6. Возвращение к матриархату. Развитие человечества представляет собой маятник, конечные точки которого являются оппозицией матриархата и патриархата. Где мы сейчас? Не является ли сегодняшняя ситуация предвестником скорого возвращения в русло матриархата? И если да, то не нужно бояться.
Участники круглого стола:
Ирина Неделяй (то ли Брахма, то ли аватара)
Юрий Потапов (художник)
Виталий Вальге (художник)
Ирина Немец (Женщина)
Сергей Свешников (фотограф)
Борукаев Григорий (психотерапевт)
Хорошевский Игорь (юрист)
ИРИНА НЕДЕЛЯЙ
Философы считают, что человек в процессе творчества "собирает" себя. Как бы заново рождается в акте творчества, становится цельной и нераздерганной на тысячи мелочей личностью. Трудно с ними не согласиться, но они же говорят и о том, что искусство избыточно, что оно не предмет первой необходимости. Тем не менее, многие люди испытывают духовную жажду, и это заставляет их брать в руки книгу, идти в музей, на концерт или включать музыку и слушать ее. Садясь за мольберт, что уже само по себе является анахронизмом, художник выполняет ритуал. Как молящийся в храме или дома у иконы человек выполняет древний ритуал, восстанавливая в себе и в пространстве души присутствие Бога, так и художник, садясь за мольберт и прикасаясь кистью к холсту, восстанавливает связь в некоем невидимом пространстве с теми, кто много веков назад стоял с кистями у стены храма или колдовал у мольберта.
Художник, если он пытается рисовать по-своему и хочет сказать что-то свое, каждым своим произведением доказывает, что человек неповторим, что он - любимое творение Бога. Художник пишет цветы, предметы, человека так, как будто он видит это впервые. Всякий раз, рисуя новую картину, художник создает новое видение вещей.
В картинах Иры Неделяй предметы не устойчивы. Вазы сползают со столов, пытаясь как бы спастись бегством от глаза художника. Предметы, даже собираясь вместе на столе, норовят занять независимую позицию по отношению друг к другу. Часто предметы выглядят помятыми, несвежими и неприкаянными. В рядовом натюрморте вроде "Завтрака в мастерской" и сам мир, окружающий предметы, кажется движущимся по отношению к самому себе, сползающим за рамки привычной реальности. Куда? Трудно представить, что эти бокалы могут пригодиться для питья, очевидно автор отводит им другую роль, готовит другое предназначение. Чем больше времени проводит зритель перед картинами Иры Неделяй, тем отчетливее открывается ему выраженная на холсте трагическая непредсказуемость бытия. С одной стороны красота, с другой - ужас жизни. В картине "Белые розы на красном столе" красный стол с четырьмя ногами, несколько напоминающий собаку, заботливо несет на себе синюю, разломанную по оси вазу с прекрасными белыми розами, стремясь как будто удрать за пределы видимости, уползти в безопасное место или туда, где не будет наблюдающих за ним глаз. Тревожный зеленый и вязкий фон не дает ему это сделать, поэтому зритель имеет возможность наблюдать розы. Стол, как бы вырываясь из власти художника, вызывающе отклонился от привычных горизонтальных линий, букет стремится скатиться со стола. Но художник, не умея бороться с энтропией жизни другими способами, все-таки находит свой путь. Проделывая выемку в столе, удерживающую букет, автор как будто дает надежду на то, что красота, не смотря на все препятствия и противодействие, будет сохранена.
На другом натюрморте изображен зеленый кувшин на лиловом фоне, в котором стоят три искусственных подсолнуха.
За исключением стула, раскинувшего свои ноги на манер паучьих лап, в этом произведении почти нет ничего, вызывающего беспокойство. Разве что ваза четко поделена на светлую и темную половины, да еще, если присмотреться, она стоит на толстой книге с названием "Ван Гог". Очевидно художник, обладая, как и все мы, большим количеством информации, воспринимает подсолнухи как символ трагической судьбы великого художника и напоминает нам об этом или просто отдает дань уважения своему гениальному коллеге.
Кроме грустных "сползающих" букетов, в картинах можно увидеть людей. Вот нелепая и даже чудовищная отдыхающая на фоне крымского пейзажа протягивает руку в фонтан, чтобы освежиться. Нелеп "советский" фонтан "для бедных" (это тебе не Самсон Петергофский), нелепа сама дама, которая считает себя очень нарядной ввызывающе красном платье. Но художнику дороги и эта дама, и фонтан. Он любит и жалеет все свои персонажи и их прототипы. Ему милы эти грустные женщины, ожидающие принцев, которых нет. Мила эта уходящая курортная жизнь.
Художник изображает старинный особняк с колоннами начала прошлого века, отсы лающими нас к Элладе, красные ленты на ногах отдыхающей, также намекающие на греческие сандалии. Но все персонажи обречены, штукатурка отваливается от перил лестницы, а примитивистское исполнение сюжета только усиливает ощущение ненужности и архаичности всей этой "красоты".
Вот другая натура. В розоватом интерьере сидит одинокая женщина в синем платье, в окружении отчасти раритетных предметов. Старый шкаф с картонными коробками, наваленными на него, несколько покосился. Темно-синяя ваза угрожает свалиться с деревянной консоли. На столе, находящемся позади натуры, стоят желтые розы в простой банке, лежат яблоки на тарелке и перекошенная чашечка с блюдцем ожидают чая. Все ненадежно в этом интерьере. Предметы как будто сомневаются, на своих ли они местах, только статичная и весомая фигура главной героини не выглядит неустойчивой. Напротив, ее так много, и стул под ней такой основательный, что она обладает ощутимой тектоникой на манер греческой вазы, лишь изящные ножки в туфлях с острыми каблуками выглядят слабыми и беззащитными. Но героиня и не доверяет им, она доверила себя стулу. Художник одел натуру в восточное платье, руки ее смиренно покоятся на коленях, она ждет. Чего ждет эта грустная дева? Может опять принца, может любви, может счастья. Художник не дает ответа, он только ставит вопрос. Желтые розы символизируют разлуку, и потому героиня наливает чай в единственную чашку, но яблоки на столе числом три дают нам надежду на то, что ими можно будет кого-нибудь угостить.
В творчестве художника есть и семейно-родовой стихии. Вот портрет прабабушки в монгольском одеянии. Монгольская бабушка написана в национальном одеянии в скудном интерьере без особого психологизма, как бы для того, чтобы дети чего-то не забыли. Есть картина с бабушкой, которая белит холсты. По свидетельству самого художника это реальная картина жизни в Сибири, куда ее бабушка со своими шестью детьми была выслана из Белоруссии. Согбенная тяжестью лет, бабушка разложила холсты для отбеливания. В этой картине преобладает желтый колорит, символизирующий расставание. Расставания с кем или с чем? Нет точного ответа. По словам художника, бабушка сажала лен, пряла его и ткала холсты, чтобы сшить детям вещи, поскольку не было ни денег, ни возможности купить эту одежду.
"Мир печален, а люди грустны", - сказано поэтом. Своими картинами автор заставляет нас удивиться красоте этой грусти. Он ощущает трагичность бытия, но он же чувствует красоту этого бытия, гармонию, не смотря ни на что, нежность, разлитую в ми ре. Художник испытывает любовь и жалость и к грустно ожидающей кого-то женщине, сидящей на стуле, и к пионеркам сороковых готов, по-сиротски сидящим на полу, на фоне красно-лиловых бедных драпировок. Внимательно смотрит на военного из Хабаровска с волевым и жестким взглядом светлых глаз и пытается вместе с нами проникнуть в тайну бытия и понять или хотя бы чуть-чуть приблизиться к ответу на вечный вопрос, написанный когда-то Гогеном на одном из своих холстов: "Кто мы? Откуда? Куда мы идем?".
Кроме картин Ира Неделяй пишет новеллы из своей жизни. Новеллы эти чаще смешные и чуть грустные. Очевидно, ремесло художника не дает возможности высказаться до конца. Читая ее рассказы, мы не просто смеемся и грустим, но и начинаем более внимательно относиться к собственной жизни, учимся станавливаться в потоке бытия, отходить на обочину, смотреть на течение жизни и удивляться. Это главное - уметь удивляться. И еще: любить и помнить. Так кто мы?
»»
22.5.2006 - 25.6.2006
ГЦCИ(Нижний Новгород) Владимир Куприянов «Фасады Волги». ...
Арсенал Нижегородского кремля открывает летний выставочный сезон 2006 года премьерой проекта «Фасады Волги». «Фасады Волги» – выставка фотоинсталляций московского художника Владимира Куприянова, продолжающего традицию исследования визуального образа Поволжья.
Как настоящий путешественник, Владимир Куприянов на своей «Ниве» проехал по дорогам Поволжья: ища прямоезжую дорогу из Углича в Рыбинск, он переправлялся на пароме в Мышкин, а, добравшись до Рыбинска, снимал слет мологжан и беседовал со священником в местной древнейшей церкви. Но эта выставка - не дневник путевых наблюдений, не заметки этнографа и не напутствие паломникам. Это художественный проект.
Документальная основа видна сразу. Как документалист, Владимир Куприянов снимал и виды Нижнего, и разрушенную церковь в забытой деревне. Но его проект - это не серия документальных фотографий. И большинство тех кадров, которые он сделал в своих поволжских странствиях, никак не вошли в эту экспозицию. Потому что его задача художника отличается от задачи хроникера.
Снимки Владимира Куприянова отчетливы и закончены в своих деталях. Но для понимания его выставки необходимо говорить не о правилах фотографирования, а о законах представления. В своем творческом развитии Владимир Куприянов двигался от «неофактографии» в семидесятых к концептуальной фотографии в восьмидесятых, и дальше - к искусству инсталляции в девяностых. От фото-фактов он перешел к клише (то есть имитации непрерывности самого фактического ряда), и пошел дальше - в область, где факты больше не имеют силы. Туда, где живет миф. Вначале была реальность. Городской ландшафт - такой, каким его мог бы увидеть Андрей Карелин (если бы жил не в 19, а в 21 веке). Но Куприянов начал снимать Нижний совсем не так, как сделали бы его знаменитые предшественники Карелин с Дмитриевым. При помощи объектива 500 мм (по силе увеличения - как подзорная труба) художник фотографировал фрагменты, слегка перемещая взгляд (и камеру). Получилась - панорама Нижнего Новгорода, снятая с одной точки, - в десятках снимков.
Фотоснимок - полуфабрикат. Куприянов использует сложную систему обработки изображений для того, чтобы перейти от документальной фотографии к эпической инсталляции. Фирменные куприяновские приемы - фрагментация и разбивка по планам. Он использует отдельные кадры как куски паззла - для того, чтобы сложить их в единую пространственную картину - будь то городская панорама или природный ландшафт. А все вместе, эти объекты срастаются в единый выставочный организм - инсталляцию. Уникальное произведение, которое существует только здесь и сейчас, в Арсенале нижегородского Кремля.
ПРЕСС–КОНФЕРЕНЦИЯ с участием Владимира Куприянова состоится 22 мая 2006 года в 17.00
АДРЕС Нижний Новгород, кремль, строение 6 РЕЖИМ РАБОТЫ ежедневно с 12.00 до 20.00, кроме понедельника
»»
23.5.2006 - 3.6.2006
Галерея "Борей"(СПб). Лев Звягин. "Сталкер". Черно-белая фотография....
Лев Звягин родился 18 августа 1939 года в Гатчине, умер 9 сентября 2000 года в Санкт-Петербурге. Во время войны был в эвакуации в деревне в Кировской области. После средней школы учился в ЛЭТИ и Гидрометеорологическом институте. Служил в армии. Фотографией увлекся в начале 1970-х годов. Учился у друзей-фотографов. С середины семидесятых работал фотографом в Комбинате шерстяных и технических сукон им. Тельмана, где у него была фотолаборатория. В собственной квартире он также оборудовал лабораторию, где занимался творческой фотографией. Снимал фотоаппаратом «Киев», «Салют», после перестройки - «Canon».
Как фотограф был необычайно скромен и никогда никому не навязывал своих фотографий. Единственная выставка, в которой он, несомненно, участвовал, была в Литературно-мемориальном музее Ф. М. Достоевского в 1981 году в связи с открытием литературного «Клуба-81». Снимал городские пейзажи, пригородные парки, портреты художников и литераторов ленинградского андеграунда.
Лев Звягин - представитель ленинградского фотоандеграунда, старший брат известного писателя Евгения Звягина, через которого он познакомился со многими художниками и поэтами независимой культуры. Круг общения определил портретируемых. Это, с одной стороны, писатели и поэты – В. Алексеев, В. Нестеровский, С. Стратановский, Е. Звягин, с другой стороны, художники – А. Басин, В. Гаврильчик, Т. Новиков, Е. Фигурина, Н. Зверев, С. Добротворский и др. Примечательно, что Лев не делал постановочных портретов, а снимал своих друзей в той обстановке, в которой они жили. Художник А. Барков снят на «рабочем месте» - в котельной, в мастерской А. Басина запечатлено скудное застолье художников, Е. Звягин разливает портвейн в мастерской В. Гаврильчика, С. Добротворский пишет холст, похмельный А. Зверев стоит на трамвайных путях Владимирского проспекта, Т. Новиков играет на флейте, т.е. подлинные документальные свидетельства жизни ленинградского андеграунда с точки зрения участника этих событий. В 1970-е годы Л. Звягин снимал городские мусорные свалки. Пожалуй, он первым из ленинградских фотографов из «мусора» создал художественные проекты, которые сегодня вполне можно назвать экологическими. В его проекте «Сталкер» мусор становится героем пейзажей, а в «Коллекторе» Л. Звягин кадрирует свалки как натюрморты. Если серию «Сталкер» можно рассматривать как экологический репортаж советского периода, то в «Коллекторе» осуществляется сознательная и последовательная валоризация и эстетизация мусора. Лев Звягин задолго до того, когда экологическая проблематика стала злободневной в нашей стране, не только открыл эту тему в своих фотографиях, но и сделал «мусор» героем своих произведений, тем самым, наделив его художественной ценностью и эстетической значимостью.
»»
23.5.2006
ГЦСИ (Москва)Вечер памяти художника Александра Лабаса (1900–1983)...
Презентация альбома-каталога
Участники: Раймонда Лабас, Юрий Злотников, Анатолий Стригалев
23 мая, вторник, 19.00
Аудитория ГЦСИ
Александр Лабас – один из виднейших русских «постфутуристов», вместе со своими друзьями по группе ОСТ создавший романтический эпос о новых идеалах устремившейся к социализму России. В его работах 1920-х годов выразительно и неповторимо воплотились темы индустриального прогресса и технических новшеств, образы скорости и движения. 23 мая в ГЦСИ пройдет презентация альбома Александра Лабаса, которая будет сопровождаться однодневной выставкой работ художника.
Александр Аркадьевич Лабас родился в 1900 году в Смоленске. В 1912–1917 годах занимался в Строгановском художественно-промышленном училище, посещал студию И.И.Машкова (1916) и Свободные художественные мастерские (1917), где его учителем был П.П.Кончаловский. После службы в Красной Армии, в 1921–1924 годах продолжил обучение во Вхутемасе у Д.П.Штеренберга; в 1924–1929 сам преподавал там же. Был одним из учредителей Общества станковистов (ОСТ, 1925). Пройдя через опыты беспредметного искусства, усвоив уроки конструктивизма, Александр Лабас создал свой экспрессивный и узнаваемый живописный стиль и преобразил мир современной техники в романтические фантазии. Колористически изысканная, по-акварельному прозрачная живопись Лабаса легко и убедительно передает ощущение динамики, скорости, полета, оставляя в зрителях впечатление нарядной и праздничной легкости. Позже манера художника стала более сдержанной и традиционной, сохранив колористическую прозрачность и гармоничность. Тема технического прогресса, столь важная для Лабаса в остовские годы, сменилась интересом к пейзажам, городским и сельским, к портретным изображениям. В позднем творчестве художник вновь обратился к беспредметному искусству, варьируя свои ранние работы.
В презентуемом альбоме Александра Лабаса представлены работы из коллекции семьи художника, насчитывающей более 50 произведений 1920-х – начала 1980-х годов. Составителем альбома является дочь Александра Лабаса – Раймонда Лабас, которая много лет посвятила этому изданию.
Сопровождающая вечер выставка продемонстрирует 20 живописных и графических работ художника, исполненных преимущественно после 1950-х годов. В числе произведений – никогда прежде не выставлявшиеся произведения из графических серий «Хиросима», «Странные существа», живописные «Цветовые композиции», демонстрирующие возвращение художника в 1970-х к беспредметности.
24.5.2006
ГЦСИ(Москва). Экспериментальная музыка в кино и видеоарте #1. ...
Экспериментальная музыка в кино и видеоарте #1
- Opus 1, Германия, 1922, 3'. (Режиссёр - Вальтер Руттман/Walther Ruttmann)
- Ритм 21/Rhythmus 21, Германия, 1921 2'30.
- Ритм 23/Rhythmus 23, Германия, 1923 2'30.
- Ритм 25/Rhythmus 25, 1925, Германия, 2'.
(Режиссёр - Ганс Рихтер/Hans Richter)
- Возвращение причины/Le Retour a la raison, Франция, 1923, 3'. (Режиссёр - Ман Рей/Man Ray)
- Диагональная симфония/Symphnie Diagonle, Германия, 1924, 5' (Режиссёр - Викинг Эггелинг/Viking Eggeling)
- Механический балет/Ballet mecanique, Франция, 1923-24, 19'. (Режиссёр - Фернан Леже/Fernand Leger)
- Анемик синема/Anemic cinema, 1924–26, Франция, 7'. (Режиссёр - Марсель Дюшан/Marcel Duchamp)
- Исследования 1-5/Studies 1-5, США, 1929–30, 20'. (Режиссёр - Оскар Фишингер/Oskar Fischinger)
Программа «Видео-cinema»
Вход свободный
Адрес:
Москва, ГЦСИ, Зоологическая, 13, стр.2 Аудитория
»»
25.5.2006 - 25.6.2006
ГЦФ (СПб). Молодая турецкая фотография...
Выставка "Молодая турецкая фотография" – совместный проект Государственного центра фотографии и стамбульского фотографического журнала "Гениш Ачи" ("Широкий угол"). С 2000 года журнал проводит программу, нацеленную на поиск молодых талантливых фотографов. Раз в год журнал принимает портфолио от молодых фотографов (не старше 35 лет) со всей Турции, публикуя лучшие из них в специальном выпуске журнала, а также представляя их на выставках в Турции и за рубежом.
На выставке "Молодая турецкая фотография" в Петербурге и Москве будут представлены проекты около десяти современных турецких фотографов (Ali Taptik, Zeynep Kayan, Sebda Selin, Kerem Uzel, Aylin Dincel, Gokhan Gezik и другие), работающих в различных жанрах и с самой разнообразной тематикой.
Цель проекта – познакомить российского зрителя с современной ситуацией в турецкой фотографии, которая стремительно набирает силу и завоевывает уважение на мировой арене.
Некоторые участники проекта о своем творчестве.
Айлын Дынчел
Родилась в Синопе в 1979. В 1997 Закончила отделение фотографии Технического университета Йилдыз. Продолжает обучение в Стамбульском университете Былсы, на факультете коммуникаций, отделение фотографии и видео.
МОРЕ И ЛЮДИ
Мы жители страны, с трех сторон окруженной морем, что позволяет нам роскошь купаться большую часть года. Благодаря этому преимуществу большинство из нас наслаждаются тем, что живут так близко к морю. И это наша реальность, несмотря на то, что наша городская жизнь и городская культура её не отражают. Эти фотографии – небольшая часть моей личной истории, которая началась 25 лет назад. Этот проект о том, как море окружает людей лаской, как солнце и песок приручают и умиротворяют нас.
Зейнеп Кайян
Родился в Анкаре в 1986. Обучается в университете Былкент, отделение коммуникации и дизайна.
В КОМНАТЕ ХОЛОДНО
Эта серия состоит из изображений, которые я повторно сфотографировал с экрана компьютера. Создавая её, я заметил, что пылинки, царапины и полосы на экране участвуют в изображении. Они соотносятся с истерическим состоянием, которое присутствует в изначальных фотографиях. Это такое состояние, будто убегаешь (на самом деле оставаясь) или настойчиво доказываешь что-то (на самом деле скрывая).
Себла Селин
Родилась в Измире в 1979. В 2003 закончила с отличием университет Докуз Эйлул, факультет искусств, по специальности фотография. Продолжает работать в Стамбуле.
БЫТЬ ЗВЕЗДОЙ
Проект "Быть звездой" – это серия автопортретов, созданных в подражание студийным портретам "звезд" 1930 -1960 годов. Актрисы, принимавшие участие в проекте – Грета Гарбо, Бриджит Бардо, Мэрилин Монро, Софи Лорен, Рита Хайуорт, Одри Хэпберн, Бетти Девис, Элизабет Тейлор, Ава Гарднер, Марлен Дитрих, Вероника Лэйк, Анита Экберг, Ингрид Бергман, Грэйс Келли, а единственная модель – я сама. Бессмертие героев мечты, людей "звездной" расы, стало источником радости и вдохновения в моей работе. Мой выбор предопределила истина: "Люди умирают, но легенды продолжают жить". Когда Катрин Денёв объявили новой Мэрилин Монро, Монро сказала: "Чушь! Монро – легенда. Легенду невозможно разрушить, просто заменив ее другой женщиной. Единственная анти-легенда, которую я знаю, это я сама". Я думаю, что она обнаружила богатство своего существования. Ей нравилось быть разной. То, что человек утверждает и в чем самоутверждается, является его неотделимой частью. У героинь проекта "Быть звездой" тоже были свои мечты. Они мечтали принести в себя жертву чрезмерности мира. И они преуспели в этом. Сегодня их имена по-прежнему широко известны. У них есть свои "фан-клубы". И остались их образы, запечатленные на каждой стадии их жизни. Они не принадлежат времени, которое само является анти-легендой. О чём еще можно беспокоиться, если в этом мире каждому из нас отпущено ограниченное количество времени, в течение которого мы с невыносимой легкомысленностью занимаемся потреблением?
Когда проект был завершен, он оставил на моём лице постоянную улыбку, которая откроет мой разрушенный город: слова, фотографии, вещи и мечты... Как сказал однажды Альфред Хитчкок: "Есть кое-что поважнее логики: способность мечтать"
»»
25.5.2006 - 25.6.2006
Эрмитаж. Выставка «Альберто Бьязи. Кинетическое и компьютерное искусство в Италии и России»...
Выставка «Альберто Бьязи. Кинетическое и компьютерное искусство в Италии и России», которая будет открыта 25 мая в Государственном Эрмитаже, посвящена одному из самых искушенных представителей оп-арта и кинетического искусства. В 1959 году уроженец Падуи Альберто Бьязи начинает заниматься живописью и скульптурой, а в 1968 при помощи компьютера принимается за визуальные исследования. Он становится участником важнейших международных выставок, а его работы попадают во многие музеи мира.
Экспозиция, организованная Государственным Эрмитажем в сотрудничестве с издательством «Il Cigno» и при поддержке Итальянского Института Культуры в Санкт-Петербурге, осветит этапы развития кинетизма, - жанра, нового для мирового современного искусства, сделав акцент на итальянском послевоенном периоде. На выставке представлены 49 работ следующих художников: Хулио Ле Парк, Хуго Демарко, Франсиско Собрино, Жоэль Стейн, Франсуа Морелле, Виктор Вазарели, Грациа Вариско, Франко Косталонга, Жан Пьер Ивараль, Манфредо Массирони, Давиде Бориани, Джанни Коломбо, Эдоардо Ланди, Франциско Инфантэ, Вячеслав Колейчук, Борис Стучебрюков.
Кинетическое искусство или кинетизм представляет собой художественный жанр, в основе которого лежит идея формы в движении, понимаемой не как физическое перемещение объекта, а скорее как его изменчивость и превращение во что-то другое.
Творчество Альберто Бьязи следует по пути освоения зрительной механики, что способствует тому, что каждый раз зритель погружается в новые все более захватывающие пространственные переплетения.
»»
26.5.2006 - 30.6.2006
Выставочный зал редакции журнала "НоМИ" (СПб) – Шарунас Шимулинас (Литва). "Возвращение" (скульптура, живопись, графика)...
Мы не были знакомы с этим художником, и наше личное знакомство, если и когда-нибудь состоится, то уже не в этой жизни. Но встреча наша – несмотря на то, что Шимулинаса уже почти десять лет нет в живых, – все-таки состоялась. Сначала у него на родине, в Вильнюсе, в любимом им доме, теперь вот в городе, в котором он бывал не раз, но только как путешественник, любящий все прекрасное, но в котором ему так и не удалось как художнику побывать со своими работами. Может, это и есть возвращение в нашу жизнь, чтобы исполнялись мечты, которым не суждено было сбыться при жизни. Возвращение зримое и убедительное. Во всяком случае – для тех, для кого это важно и нужно.
Шарунас Шимулинас работал в графике, живописи, скульптуре, работал с витражом, декоративными рельефами. Его скульптуры стоят в открытых местах и в интерьерах.
При жизни он организовал 11 персональных выставок, начиная с первой выставки эстампа в 1961 году. После его смерти в 1998-м его творческая биография не прервалась: прошли еще 4 групповые выставки с участием работ художника и 4 персональные. Произведения Шимулинаса побывали в Риге (Латвия), Сиднее (Австралия), Тел-Авиве (Израиль), Нью-Иорке (США), Варшаве (Польша), Марбурге (Германия), Москве (Россия) и, конечно, во многих городах Литвы. Работы Ш.Шимулинаса приобретены Музеем литовского искусства, хранятся в частных коллекциях Канады, Израиля, США. В Литве есть три коллекционера, собраний которых хватило бы на три самостоятельных выставки Шимулинаса. Прекрасные работы художника в своеобразном "семейном музее" хранит и Виолета Шимулинине в Вильнюсе, в "деревне художников" Ярузеле.
В 1995 году одним из первых в Литве он становится стипендиатом Фонда Поллока – Краснера (США), который поддерживал талантливых художников, углубленно и серьезно занимающихся творчеством. А Шарунас Шимулинас и был именно таким: никогда не опускающим работящих рук, не знающим скуки и мук "творческой депрессии", творческим во всех своих проявлениях и делах. Не ладилось одно – брался за другое, увлеченно и истово старался успеть сделать как можно больше.
В юности, как и все мы, Шарунас должен был выбирать, где учиться: его привлекали биология и графика. Он выбрал Академию искусств. Но и биология не исчезла из сферы его интересов. В работах Шимулинаса стали появляться один за другим биологические мотивы – циклы и серии, как в скульптуре, так и в живописи, в графике. Он очень много путешествовал: побывал в Карелии, на Камчатке, на Байкале, в Сибири, в тайге, на Уральских горах, в пустынях Австралии и Израиля, в Таиланде. И сказать, что эти поездки были важны для него, значит ничего не сказать. Он жил ими, они становились смыслом его творчества: из этих путешествий он привозил домой стихи (изданы 2 книги новелл и 1 сборник стихов) и подготовительные рисунки, из которых позже возникали осознанные художественно мотивы сгоревшей тайги, силуэты прекрасных австралийских животных, сибирские лица... Хотя его мало интересовал человек. Все разгадки на свои вопросы он находил в природе, и только там он чувствовал себя свободным и понятым.
»»
26.5.2006 - 28.5.2006
Галерея на Солянке. Выставка Юрия Афанасьева Digital Photo – 2006...
Юрий Афанасьев родился в Москве в 1956 году. Уже более тридцати лет, начиная с 1975 года, занимается фотографией профессионально. Работал с самыми различными жанрами, кроме спорта и репортажа, но в последние 10 лет специализируется на рекламной съемке – его имя упоминается вместе с крупнейшими брендами в области фэшн-индустрии, высоких технологий и производства предметов роскоши. Перечень его наград может занять не одну страницу, а его фотографии знакомы практически каждому: мы видим их ежедневно, восхищаемся – и сожалеем, что не можем увидеть самого автора!
Журнал Digital Photo, продолжая знакомить своих друзей с творчеством ведущих отечественных фотографов, открывает выставку работ Юрия Афанасьева и предоставляет возможность сбыться желанию – пообщаться с фотохудожником и увидеть лучшие его работы!
В программе выставки:
26 мая, 19:00 – торжественное открытие (вход по приглашениям для VIP-гостей и предварительным спискам. Аккредитация обязательна!). 27 – 28 мая – выставка открыта для читателей журнала и всех фотолюбителей.
Время работы: с 12: 00 до 20:00.
Адрес: ул. Солянка ½, стр. 2 (вход с ул. Забелина)
»»
26.5.2006
Галерейный проект "Невская башня" представляет серию натурных рисунков Петра Швецова "52 минуты"...
«52 МИНУТЫ» - РАДИКАЛЬНЫЙ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ ПРОЕКТ ПЕТРА ШВЕЦОВА У КОЛЛЕКЦИОНЕРА КИРИЛЛА АВЕЛЕВА (НЕВСКАЯ БАШНЯ)
В РАМКАХ «БИЕННАЛЕ ГРАФИКИ В ПЕТЕРБУРГЕ» КУРАТОР: АНДРЕЙ ХЛОБЫСТИН
Известный петербургский художник Петр ШВЕЦОВ постоянно находится в поиске новых возможностей в своей излюбленной области изобразительного искусства– графике. В 2004 году он предпринял попытку радикально форсировать границы возможностей самого творческого процесса рисования. Многолетняя работа с обнаженной натурой подвела его к идее испытать себя в опыте рисования с натуры полового акта в реальном времени. В роли натурщиков были приглашены актеры кино из порно-индустрии, как рабочие материалы был использованы бумажный свиток длиной в 500 см. и шириной 30 см., кисть и тушь. В современном искусстве находились художники экспериментировавшие в этом направлении. Так, например, на выставках можно увидеть работы культовой американской фото художницы Нэн ГОЛДИН, где она запечатлела себя в соитии со своим любовником. Но история искусства не знает подобных примеров в живописи или графике, хотя в таких опытах можно было бы заподозрить ряд классиков, типа КУРБЕ, ТУЛУЗ-ЛОТРЕКА или ШИЛЕ.
Изначально Швецов отказался от каких-либо попыток придать действию какую-либо новомодную «интерактивность», «мультимедийность» или «документальность» с помощью видеосъемки и т.п. средств. В этом смысле, как не парадоксально, акция была сугубо консервативна: Петра интересовала именно графика, как она есть. По собственному признанию он по-настоящему волновался перед намеченным сеансом: не дрогнет ли рука, да и сможет ли он рисовать в принципе? Опасения были напрасны. Все проявили себя, как профессионалы. Швецов говорит, что примерно час был погружен в рисование в совершенно ровном состоянии (поэтому, с легкой руки Николая КОНОНОВА работа получила ироничное название «52 минуты»)*. Мастерами своего дела показала себя и любовная пара. В итоге на свитке появилось 11 сцен, или «позиций», выполненных бархатистой тушью в излюбленной Швецовом экспрессионистической манере. Одновременно, клубки тел напоминают иероглифы. Это не странно, ведь все действие восходило к традиции медитации через каллиграфию.
Андрей ХЛОБЫСТИН
»»
27.5.2006 - 28.5.2006
Елагиноостровский дворец-музей декоративно-прикладного искусства и интерьера ХVШ-ХХвв(СПб) представляет выставку-инсталляцию «Стекло на траве»...
Авторские произведения из стекла ведущих художников России на фоне пейзажей Елагиноостровского парка! Выставка пройдет под открытым небом, под дождем и солнцем при любой погоде и непогоде. Вновь газоны и дорожки, деревья и ступени архитектурного прошлых веков станут подиумами и фоном для художественных произведений, которые будут дополнены радужным блеском солнечных лучей, сверкающих на хрустальных гранях, и каплями дождя, стекающими по поверхности цветного стекла. Все вместе это создаст новые образы, неповторимые, как неповторимо каждое состояние природы.
Будут представлены произведения ведущих современных мастеров стекольного искусства России из Санкт-Петербурга, Москвы, Пензы и других регионов. Одна из интриг выставки-инсталляции в том, что большинство произведений будет экспонироваться впервые и сами художники скрывают друг от друга - что они привезут на данную экспозицию. Кроме того, выставка будет создаваться на глазах у посетителей -в субботу с 10 до 12 часов это захватывающее таинство, этот творческий процесс будет происходить на глазах у зрителей и каждый сможет стать его участником! Разнообразие творческих индивидуальностей авторов, которые представят на выставке свои работы, создаст необычайное разнообразие художественных образов от классических форм до авангардных инсталляций.
Данной акцией Елагиноостровский дворец-музей пытается создать современные формы продолжения старинных традиций Санкт-Петербурга, как ведущего стекольного центра страны, которым он был почти с момента своего рождения.
Во время работы экспозиции, которая будет размещаться возле Павильона под флагом на восточном мысе острова,. 27 мая в 12 часов показ моделей из батика, в 16 ч будет представлен показ моделей «impressium». Уникальность коллекция более чем из 25 вещей состоит в том, что выполнены они из бумаги. Во всем мире бумажное моделирование пользуется огромной популярностью. Япония, Франция, Англия, и др. страны делают подобные коллекции. Наши зрители смогут увидеть неповторимое, интригующее зрелище - многослойные, декоративные объекты, выполненные вручную из нетрадиционных материалов. Тема коллекции «настроение Петербурга».В рамках открытия фестиваля «Мастер-класс» в 16 ч, 27 мая на территорию въедет колонна байкеров. Они примут участие в акции поддержки восстановительных работ уникального дворцово-паркового комплекса Елагина острова.
Подробная информация и аккредитация по тел.: т\ф 430-11-30,430-30-41
координаторы: Власова Елена Афанасьевна, Белехова Екатерина Олеговна
»»
28.5.2006
Музей В.В. Набокова моноспектакль по пьесе немецкого драматурга Франца Креца "Концерт по заявкам". ...
"Концерт по заявкам" - уникальная пьеса, с большим успехом поставлена во многих театрах Западной Европы и США. Пьеса, в которой героиня проживает самые важные полтора часа своей жизни требует от актрисы уникальных выразительных средств. Звуковое оформление пьесы неожиданно и разнообразно, однако героиня не произносит ни слова.
В роли Фройляйн Раш Светлана Михайлова.
Начало спектакля в 19 часов.
Стоимость входного билета 200 рублей.
С уважением,
Музей В.В. Набокова
Большая Морская, 47
т: +7(812)315-4713
»»
30.5.2006 - 27.6.2006
Немецкий культурный центр им. Гёте в Санкт-Петербурге. Музей городской скульптуры. В рамках «Дней Германии в Санкт-Петербурге 2006». Выставка Герхарда Рихтера. ...
Герхард Рихтер – один из самых известных современных художников Германии. Его произведения включены в собрания крупнейших музеев Европы. В списке самых дорогих мастеров современной живописи 2005 года, ежегодно публикуемом журналом КАПИТАЛ, он занимает 1-е место. Герхард Рихтер родился в Дрездене 1932 году, в 1961 эмигрировал в Западную Германию. Живет в Кёльне.
Выставка произведений Герхарда Рихтера, работы для которой отобрал сам художник, организована в рамках программы Института связей с зарубежными странами Ifa. Авторский отбор произведений для выставки можно считать ретроспективой творчества – в 27 экспонатах отражены все важнейшие стадии и периоды творчества Герхарда Рихтера от живописных работ, выполненных по фотографиям в 60-х годах, до абстракций 80-х и 90-х. Главная и, по сути, единственная тема всех образов, стилистических решений и художественных цитат, используемых Рихтером, это в конечном счете сама живопись. Художник исследует ее выразительные средства, обращаясь к данной проблематике на всех этапах своего творчества, которые на первый взгляд кажутся столь различными.
В этих поисках находят отражение сомнения Рихтера относительно существования семантических и стилистических связей в искусстве, что понятно, ибо склонность художника к сомнению обусловлена самой его биографией. Переехав в 1961 году из ГДР в Дюссельдорф, Рихтер оказался не только в новых социальных и политических условиях, но и в совершенно иной художественной среде: традиция социалистического реализма осталась в прошлом, на западе Рихтер встречается с поздними феноменами неформальной живописи и зарождающимся поп-артом. Эти перемены и породили в художнике скепсис по отношению ко всему достоверно известному и раз и навсегда установленному в искусстве. Рихтер понимает живопись как активное действие, поиск реальности сегодняшнего дня.
Первая выставка Герхарда Рихтера состоялась в 1963 году в пустом павильоне в Дюссельдорфе, но уже в 1967 году его творчество было отмечено престижной премией jünger westen. В 1972 году Рихтеру выпало представлять Германию на Венецианской Биеннале. Впервые за все время существования биеннале целый павильон был отдан одному художнику. В том же году Рихтер принял участие в кассельской documenta. Первая персональная выставка в Соединенных Штатах прошла уже в 1973 году. В 1981 году Герхард Рихтер стал лауреатом премии им. Арнольда Боде, а в 1985-м – премии им. Оскара Кокошки.
С этого момента работы художника можно встретить во всех крупнейших выставочных залах мира. Особое признание – ретроспектива «Творчество за сорок лет», прошедшая в 2002 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке. На выставке было представлено 188 экспонатов – для этого музея беспрецедентное число работ, представляющих творчество живущего художника.
Выставка, которая будет экспонироваться в Новом выставочном зале Музея городской скульптуры, является своего рода автопортретом Герхарда Рихтера, и выражает то, каким он сам видит презентацию своего творчества и личности за пределами Германии.
»»
31.5.2006
ГЦСИ(Москва). Визуально-акустический перформанс «Чистый андеграунд, или снятие показаний со счетчика» ...
Участники: Ольга Артемьева (поэт), Дмитрий Купер (перформанс), Ярослав Судзиловский (композитор), Павел Корельский (комиксы) Программа «Контекст визуального»
»»
1.6.2006 - 11.6.2006
"Галерея А3" – Проект "Трансформации". Тагир, Елена и Артем Гапуровы (Дагестан)...
В художественной практике трансформации интересны с точки зрения возникновения творческого импульса. Все наши суммарные ассоциации, ощущения, жизненный опыт в той или иной степени влияют на наши практические действия. Из смутного суммарного потока ассоциаций выделяется определенная идея, которая впоследствии перерастает в обобщенный сжатый символ, а в дальнейшем в результате многих трансформаций находит и свое практическое воплощение.
Трансформационные процессы скрыты и невидимы. Осязать можно только результат.
Выставка дагестанских художников Тагира, Елены и Артема Гапуровых является продолжением проекта "Трансформации", первая часть которого демонстрировалась в 2004 году в "Первой галерее" (г. Махачкала).
В "Галерее А3" будут представлены "объекты-фактуры" Тагира Гапурова (дерево, ветки, зола, уголь, акрил), живопись Елены Гапуровой, а также фотографии Артема Гапурова.
»»
1.6.2006
Стилизация как актуальный кинематографический жанр. Фильм «Самая печальная музыка на свете/The Saddest Music in the World». ...
Фильм «Самая печальная музыка на свете/The Saddest Music in the World». Канада, 2003, 99' Режиссер Гай Меддин/Guy Maddin
»»
1.6.2006 - 20.6.2006
ГЦСИ(Нижний Новгород). Выставка Миши Педана и Ингелы Линд "Монументы"...
в Доме Архитектораь (Нижний Новгород) будет работать выставка фотографий современного Стокгольма. Фотограф Миша Педан и публицист Ингела Линд ведут диалог о монументах нашего времени. Фотография и текст перетекают друг в друга, и эта игра является предметом интереса обоих авторов. Что мы оставляем после себя? Как влияет случай и повороты культурного развития на то трёхмерное пространство, которое мы именуем городом? От архитектуры никуда не скрыться, мы постоянно живём с ней и внутри нее, внутри смешения памятников разных времён и того, что мы добавляем от себя. Как мы воспринимаем памятники сегодня, и как они будут восприниматься в будущем? Эти вопросы стали главными для Миши Педана, когда несколько лет назад он начал снимать монументы Стокгольма. Ингела Линд так пишет о «Монументах»: «Монумент – это пластичная форма выражения. Самоутверждение или застывший комментарий к воспоминаниям, культурам, тому, что было погребено или сокрыто. Стоя перед пирамидами в Гизе, я думаю о неподвижности, массе, тяжести. Но также и о том, чему не найти объяснения. Можно ли мощь этих колоссов объяснить их поразительным своеволием, или она – в загадочности? Монумент может коснуться самого возвышенного, того, что ускользает за пределы нашего понимания и заставляет нас забыть самих себя. Но Миша Педан увидел и создал монументы совсем иного рода. Я смотрю на них и пытаюсь понять их извне, со стороны, словно после археологических раскопок современного Стокгольма». На сегодняшний день выставка состоит из 20 фотографий, среди которых несколько триптихов формата 70х90 см. Чёрно-белые снимки сделаны широкоформатной камерой, а затем отсканированы и отколорированы на компьютере. Сдержанные цвета создают чувство пребывания вне времени. Фотографии скопированы в так называемой лямбда-технике на металлическую бумагу, которая отражает свет особым образом, вызывая у многих ассоциации с «северным светом». Миша Педан:«Возможно, я вижу Стокгольм иначе, чем его коренные жители. Я родился и вырос в другом большом городе - в Харькове, на Украине, тогда в СССР» Харьков известен своей «фотошколой». Оттуда вышла группа фотографов, ставших представителями нового советского фотоискусства конца 80-х гг. Миша Педан участвовал во многих международных выставках в Европе и США. Он учился в Институте культуры в тогдашнем Ленинграде на факультете фото- и киноискусства. С 1990 г. живёт в Швеции. Ингела Линд работает в газете «Дагенс Нюхетер» критиком и культурным обозревателем.
ОТКРЫТИЕ выставки с участием Чрезвычайного и Полномочного Посла Королевства Швеция в РФ г–на Юхана Муландера 1 июня в 17.00.
АДРЕС Нижний Новгород, Верхне–Волжская наб., 2, Дом Архитектора
РЕЖИМ РАБОТЫ ежедневно с 10.00 до 18.00, кроме субботы и воскресенья
Дополнительная информация по телефону 39–09–18
»»
1.6.2006 - 4.6.2006
Галерея М. Гельмана (Москва) – "Синие носы" (В. Мизин, А. Шабуров). "Случайные совпадения"...
СЛУЧАЙНЫЕ СОВПАДЕНИЯ Существует ли российское "современное искусство"?
Делая выставки в зарубежных музеях и галереях, художники Мизин и Шабуров с удивлением обнаружили там первоисточники многих российских шедевров. Они задались вопросом: что такое отечественное "современное искусство"? Почему оно у себя дома мало кому понятно и интересно? Что это, следствие былой замкнутости? Рудимент Холодной войны? Аппендикс к более укоренённому "Арт-Манежу"? В американском журнале "Арт-форум" Мизин и Шабуров прочитали, что никакого "российского современного искусства" вообще не существовало. Что всё это цыганщина. Другими словами: советские, а позже российские художники смотрели на западные аналоги и делали то же самое, только хуже. Примеров масса. Исключений единицы. Хотя, конечно, были и цитаты, и римейки традиционных сюжетов, и сознательная апроприация. Надо признаться, "Синие носы" и сами "апроприировали"...
Повелось так с давних пор. Половина шестидесятников были несознательными сезаннистами-постимпрессионистами. В 1980-е "неофициальное" искусство являлось инструментом в борьбе идеологий, основным мессиджем был сигнал Западу: "я свой, буржуинский!", но после распада Советского Союза никакая идеология этот инструмент не подобрала+ Раньше "современное искусство" было попыткой расширить кругозор, соотнестись с мировыми веяниями. Теперь оно замкнулось в себе, стало модным трендом, развлечением местной компрадорской тусовки. Частью стандартизированной культуры для узкой прозападной прослойки, которая во всех странах читает журнал "Тайм-аут", поддерживает ценности "свободного рынка", а за то хочет, чтобы и у них была улица бутиков известных торговых марок. Не только собственные "Икея" и "Властелин колец", но и клоны арт-брендов. Однако, период бессознательного копирования зарубежных образцов подошёл к концу. Московская биеннале продемонстрировала, что воспроизводить среднестатистический западный мейнстрим мы научились. Что мы тоже способны поставлять в арт-супермаркет десяток замороженных гамбургеров. Но они мало кого удовлетворяют. Хочется чего-то более энергичного.
Проект Мизина и Шабурова призван это подытожить. Современное искусство до сих пор живет дискурсом 1990-х годов. Смежные гуманитарные области (литература, например) развиваются и не стоят на месте. А в "современном искусстве" застой. "Современные" и "традиционные" приёмы давно равноправны. Важна не имитация тех или иных внешних форм, но чтобы с их помощью зондировалось коллективное бессознательное здесь и сейчас. С этим согласны все. Большинство художников так и работают. Надо лишь осознать новые приоритеты.
»»
1.6.2006 - 16.6.2006
в Берлине проходит фестиваль Sonambiente....
Он посвящен медиа-искусству, видео-арту и кино. В фестивале принимает участие более 50 художников из Германии, США и Латинской Америки.
Фестиваль случится в Берлине во второй раз. Впервые он прошел ровно десять лет назад и собрал более 100 художников.
Особый упор организаторы фестиваля делают на искусство, сочетающее инсталляцию и специально написанную для нее музыку. Неудивительно, что в фестивале принимает участие один из классиков саунд-арта, 87-летний Рольф Юлиус, а в кинопрограмме пройдет ретроспектива совместных работ Нам Джун Пайка и Джона Кейджа.
Тем, кто совершенно не может жить без футбола и не хочет пропустить игры Кубка мира-2006, организатры предлагают посетить StereoActionClub. В нем будут транслироваться все игры, по графику совпадающие с фестивалем, дополненные специальной аудио-программой.
»»
1.6.2006 - 31.8.2006
Музее антропологии и этнографии (Кунсткамера) РАН состоится торжественное открытие выставки выставку "Грезы о Востоке: русский авангард и шелка Бухары". ...
Выставка подготовлена при участии Ташкентского государственного музея искусств Узбекистана и "Дома Стиля" (Ташкент), при поддержке Фонда "Форум культуры и искусства Узбекистана" и Русского Азиатского Общества.
Это рассказ о взаимодействии культур, а значит, прежде всего, об общении людей. В массовом сознании жителей России сегодня существует образ Средней Азии, созданный В. В. Верещагиным ("Двери Тимура"), Леонидом Соловьевым ("Ходжа Насреддин") и создателями культового фильма "Белое солнце пустыни". Это - на поверхности. Между тем, культуру России и Узбекистана связывают тысячи и тысячи нитей. Одна из таких нитей - фантастически интересная взаимосвязь форм и образов живописи русского авангарда и эстетических принципов, лежащих в основе образного и цветового решения традиционных среднеазиатских тканей (икатов). Создатели выставки, петербургские и узбекские ученые, модельеры, искусствоведы, увидели в этой удивительной взаимосвязи возможность проникнуть в глубину на первый взгляд малообъяснимых процессов культурного взаимодействия и рассказать миру о тех сокровищах, которые они хранят, изучают и создают.
Волею исторических судеб МАЭ РАН, оказался хранителем богатейшего в Европе собрания среднеазиатских тканей, собрания напрямую связанного с историей политических и дипломатических отношений Центральной Азии и России. Коллекции музея содержат образцы текстиля, комплексы праздничной и будничной одежды и украшений. Важнейшую часть собрания составляют парадные подношения русским царям от бухарских эмиров и хивинских ханов. Лучшее из этих коллекций (свыше 160 экспонатов) вошло в состав выставки.
Нередко целые города Востока специализировались на выработке тканей определенных сортов и расцветок. Бархаты, шелковые, полушелковые, тончайшие льняные и хлопковые ткани несли на себе прихотливые орнаменты, история которых уходила вглубь веков. Ткани способны рассказать о великих переселениях народов, их общении, философии, традициях, эстетических идеалах. Они несут знаки и символы тысячелетней мудрости. Петербургские ученые готовы рассказать посетителям выставки удивительные истории о "говорящих тканях", орнаменты, композиция и цветовая гамма которых донесли до нас глубину древней мудрости, пылкость чувств и изысканность культурной традиции, к сожалению, мало понятной европейцу или американцу.
Узбекские коллеги готовятся привезти Петербург замечательные, и до сего дня мало известные широкому кругу произведения таких выдающихся представителей русского авангарда как, Явленский, Стенберг, Клюн, Степанова, Родченко, Экстер.
Из Узбекистана будут доставлены и дизайнерские разработки современных модельеров, которых объединил ташкентский "Дом стиля". Среди них работы Гульнары Каримовой, чья энергия и широкий взгляд на мир во многом сделали эту выставку возможной. Гульнара - создатель эксклюзивного ювелирного бренда "Guli" и ряда коллекций одежды и аксессуаров для "Дома Стиля". Именно желание дойти до самой сути во всем и побудило Гульнару, несмотря на образование Harvard Degree (MA) и степень доктора политических наук, параллельно с учебой по основной специальности, окончить курс дизайна в широко известном нью-йоркском институте FIT. С тех пор дизайн стал неотъемлемой частью ее жизни. Для дизайнера важна идея, которую она развивает в своем творчестве: соединение роскоши Востока и лаконичности Запада. Гульнара считает, что Восток силен традициями, которые можно с легкостью превратить в моду.
Шерзод Атабаев - молодой талантливый дизайнер, дипломант различных республиканских и международных фестивалей. Дизайнер, в своих работах смело использует различные фактуры тканей, контрастные цвета и смешение стилей.
Прекрасные модели одежды, созданные ведущими модельерами современного Узбекистана - это зримая перекличка веков и традиций, образов и ритмов.
Частью выставки является видеозапись дефиле, и видеофильм, посвященный сотворению шелка. Видео-составляющая выставки будет дополнена восточными ароматами, в основу которых положен мускус и жасмин.
Выставка планируется как заметное культурное событие. В ее рамках возможно осуществление не только стандартных пресс-конференций, но и тематических семинаров, культурных и общественных акций разного характера. За эту важнейшую область несет ответственность одно из ведущих российских информационных агентств - "Росбалт".
В организации выставки принимает участии гостиница "Мойка 22. Отель Кемпински" (Санкт-Петербург), где будет развернута выставка работ современных узбекских художников. Там же в течении трех месяцев на глазах петербуржцев и гостей города ткач, специально приехавший из Узбекистана, будет раскрывать тайны создания "говорящих тканей".
»»
[an error occurred while processing this directive]
